Helmet – 28.09.2019 – Bloom (Mezzago, MB)

Helmet – 28.09.2019 – Bloom (Mezzago, MB)

Se l’air guitar è lo sport da cameretta preferito da ogni metallaro, l’air drum è una disciplina ancor più esaltante alla quale nessun ascoltatore di musica pesante può sottrarsi. E se esiste una band che pare esser nata appositamente per le olimpiadi di air drum, quella sono gli Helmet. Nessuno ha mai avuto un groove più esaltante di loro, nessuno. E anche se John Stanier, batterista dei dischi storici degli anni '90 e principale artefice di quel moto ritmico convulso e trascinante che caratterizza la loro musica, non è più nella formazione da un pezzo, non posso mancare al tour del trentennale della band. 

Il concerto di stasera, per me, è una vera e propria competizione di "batteria immaginaria", alla quale partecipo con spirito agonistico, senza risparmiare la minima goccia di sudore.

La benzina che mette in moto i partecipanti alla gara (per lo più reduci del grunge e del noise rock degli anni '90, ma non per questo nostalgici) sono i riff staccati di Page Hamilton. La sua chitarra è una molla, e lui la deforma fino a fargli accumulare un'energia spaventosa, per poi liberare la tensione con elasticità ritmica travolgente. Hamilton è una via di mezzo tra un professore di fisica del liceo e un operaio specializzato che maneggia alla perfezione i macchinari del suo lavoro. Il palco è un laboratorio dove Hamilton sperimenta l'elasticità della sua molla, arrugginita da dissonanze e rumore. Ma è anche un banco da lavoro su cui costruisce giocattoli, per i quali tutti noi bambini degli anni '90 andiamo matti.  Questi giocattoli non sarebbero sufficienti a farci scatenare in una gara di air drum se alla batteria non fosse seduto qualcuno all'altezza. Nella band dal 2006, Kyle Stevenson ha fatto suo il posto che fu di Stanier. E con la sua prestazione straordinaria, dimostra di meritarselo alla grande!

In alcuni momenti la voce pulita non suona precisissima (ad esempio in alcuni cori a più voci), ma questo non influisce minimamente sull'energia del concerto. Dopo 30 anni di carriera, Hamilton e i suoi Helmet sono ancora in grado di unire precisione ritmica matematica e imprevedibilità.

Esco dal Bloom sudato zuppo. Non son sicuro di aver vinto la gara di air drum, ma i dolori al collo e alla schiena che avrò per un paio di giorni dimostrano quanto abbia dato tutto me stesso. E quanto gli Helmet siano grandiosi.

[R.T.]

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Helmet – 09.28.2019 – Bloom (Mezzago, MB)

If air guitar is the favourite bedroom's sport for any metalhead, air drum is an even more exciting discipline to which no heavy music listener can escape. And if there is one band that seems to have been created expressly for air drum Olympics, that band is called Helmet. No one has ever had a more exciting groove than them. And even if John Stanier - drummer in their 90s historical records and the principal architect of that convulsive driving rhythmic motion typical of their music - is no longer in the lineup since a long time, I cannot miss the thirty-year anniversary tour of the band.

Tonight concert, for me, is a real "imaginary drums" competition, in which I take part with agonistic spirit, without saving the slightest drop of sweat.

Page Hamilton riffs are the fuel that drives the participants in the race (mostly veterans of 90s grunge and noise rock, but not of the nostalgic kind). His guitar is a spring, and he deforms it until it accumulates a frightening energy, to then release the tension with overwhelming rhythmic elasticity. Hamilton is a crossbreed between a high school physics professor and a skilled worker who perfectly handles the machinery of his work. The stage is a laboratory where Hamilton experiences the elasticity of his spring, rusted by dissonance and noise. But it is also a workbench on which he builds toys, for which all of us 90s children go crazy. These toys would not be enough to make us unleash in an air drum contest if there was not the right one on the drums. In the band since 2006, Kyle Stevenson has taken over the place that was Stanier's one. And with his extraordinary performance, he proves to deserve it!

In some moments the clean voice does not sound extremelyy precise (for example in some multi-voice choirs), but this does not affect the energy of the concert. After 30 years of career, Hamilton and his Helmet are still able to combine mathematical precision and unpredictability.

Super-sweaty I leave the Bloom. I'm not sure I won the air drum race, but a couple of days of pain in my neck and back proves I gave it my all. And how great Helmet are.

[R.T.]

Flipper + Heads. + Dysnea Boys - 20.08.2019 - Bi Nuu (Berlin)

Flipper + Heads. + Dysnea Boys - 20.08.2019 - Bi Nuu (Berlin)

Berlino è una città ricostruita sulle sue ferite. Le cicatrici del passato compaiono ovunque nelle sue strade, per quanto la città sia stata in grado di riconciliare gli opposti e trovare nuovi equilibri. Dove adesso sottoculture e minoranze convivono, i totalitarismi avevano cancellato la pluralità. Il concerto di stasera non poteva avere luogo in una città più adatta. Tre band che in modo diverso rappresentano il presente della città (scambi di idee e collaborazioni) e ne mostrano le ferite del passato (chitarre spigolose come pezzi di ferro arrugginiti che sbucano dai resti del Muro). E non poteva esserci luogo più adatto del Bi Nuu: locale ricavato sotto una stazione della S-Bahn nel cuore di Kreuzberg, dall'atmosfera underground tipicamente berlinese (Kreuzberg infatti è stata il cuore degli esperimenti comunitari delle case occupate, nella Berlino Ovest degli anni '80).

L'hardcore dei Dysnea Boys pare provenire proprio da quegli squat che pullulavano nel quartiere in quel decennio. Rabbioso e rumoroso, con la chitarra che segue spesso la strada della dissonanza, ma anche con ritmiche marziali e atmosfere oscure ai limiti del post punk. La diversa origine dei 4 membri della band (USA, Canada, Scozia, Germania) è la conferma che la forza di questa città sta nell'aver saputo integrare e rielaborare le differenze.

Gli Heads. (anch'essi di base a Berlino e di  varia origine - 2 tedeschi e un australiano) propongono un noise rock del nuovo millennio, con distorsioni potentissime ed esplosioni devastanti in stile sludge, ma con un gusto melodico memore del rock alternativo degli anni '90. Nella loro musica ci sono le ritmiche spezzate di Shellac e Helmet, i momenti introspettivi di certi Swans e la grandiosità post apocalittica dei Godflesh. Tutto questo li rende alle mie oprecchie la sorpresa più entusiasmante della serata. Straordinari!

Se c'è una musica che rappresenta il tentativo di ricostruire un equilibrio armonico laddove le dissonanze paiono impedirlo, quella è il noise rock americano degli anni '80 e '90. I Flipper sono qui a dimostrarcelo e, per confermare lo spirito di collaborazione della serata, si fanno aiutare dal basso di Mike Watt (Minutemen) e dalla voce di David Yow (Jesus Lizard). Dopo aver preso in giro Steve DePace che indossa i guanti per suonare la batteria, Ted Falconi inizia a suonare accordi che paiono ripetersi all'infinito con minime (rumorose) variazioni e presto siamo ipnotizzati da questo vecchissimo Dracula (direttamente dal film di Francis Ford Coppola) che pare invecchiare sempre di più con il susseguirsi degli accordi. All'improssivo compare David Yow ed è il delirio. Si getta sul pubblico e cerca di essere il più disturbante e viscido possibile (proprio come la sua voce) abbracciando i presenti fino ai limiti dello strangolamento, spingendo, toccando, rubando oggetti e lanciandoli, gettandosi a terra (sempre cercando di trascinare qualcuno con sé). Tutto suona storto e acido, ma anche esaltante. Ascoltare Sacrifice (pezzo storico dei primi Flipper, reso "famoso" dai Melvins) con la voce delirante di David Yow, è senza dubbio l'apice della serata. Ma la cosa più folle e assurda è il finale (infinito) in cui il concetto di collaborazione e partecipazione è portato talmente all'estremo da risultare demenzialmente divertente: tutti sul palco per un ritornello a base di fischi. Una festa collettiva.

[R.T.]

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Flipper + Heads. + Dysnea Boys - 08.20.2019 - Bi Nuu (Berlin)

Berlin is a city rebuilt on its wounds. The scars of the past appear everywhere in its streets, although the city has been able to reconcile the opposites and find new balances. Where subcultures and minorities now coexist, totalitarianisms had erased plurality. Tonight's concert could not take place in a more suitable city. Three bands that differently represent the present of the city (exchanges of ideas and collaborations) and show the wounds of the past (hard-edged guitars like rusty pieces of iron emerging from the Wall). And there could not have been a more suitable place than Bi Nuu: a venue under an S-Bahn station in the heart of Kreuzberg, with a typically Berliner underground atmosphere (Kreuzberg was in fact the heart of the community experiments of occupied houses in West Berlin during the 80s).

Dysnea Boys hardcore seems to come precisely from those squats that swarmed in the neighborhood in that decade. Angry and noisy, with the guitar often following the path of dissonance, but also with martial rhythms and dark atmospheres to the limits of post punk. The different origin of the 4 band members (USA, Canada, Scotland, Germany) is the confirmation that the strength of this city lies in the ability to integrate and rework the differences.

The Heads. (also based in Berlin and of various origins - 2 Germans and one Australian) play new millennium noise rock, with powerful distortions and devastating explosions in sludge style, but with a melodic taste reminiscent of 90s alternative rock. In their music there are Shellac and Helmet broken rhythms, the introspective moments of certain Swans and Godflesh post apocalyptic grandeur. All this makes them the most exciting surprise of the evening. Extraordinary!

If there is a music that represents the attempt to reconstruct a harmonic balance where dissonances seem to prevent it, that is the 80s/90s American noise rock. Flippers are here to prove it and, to confirm the spirit of collaboration of this evening, they are helped by Mike Watt (Minutemen) bass and David Yow (Jesus Lizard) voice. After making fun of Steve DePace wearing gloves to play drums, Ted Falconi starts playing chords that seem to repeat themselves endlessly with minimal (noisy) variations and soon we are hypnotized by this very old Dracula (directly from Francis Ford Coppola's movie) which seems to age more and more with the succession of chords. Suddenly David Yow appears on stage and the delirium starts. He throws himself on the audience and tries to be the most disturbing and slimy possible (just like his voice), embracing people to the limits of strangulation, pushing, touching, stealing objects and throwing them, throwing himself to the ground (always trying to drag someone with him). Everything sounds crooked and acid, but also exciting. Listening to Sacrifice (historical Flipper song made "famous" by Melvins) with David Yow delirious voice is undoubtedly the peak of the evening. But the craziest and most absurd thing is the (infinite) ending in which the concept of collaboration and participation is so extreme that it proves to be wacky funny: everybody on stage for a whistle-based refrain. A collective party.

[R.T.]

Coilguns- Millennials

Coilguns- Millennials

(Hummus Records, 2018)

Dopo aver assistito dal vivo alla pazzia selvaggia di questi svizzeri, non pensavo che questa potesse uscire anche dalle casse dello stereo di casa, esclusivamente attraverso la loro musica. Perché a casa non c’è Louis Jucker che ti salta addosso, tra un ballo scoordinato e l’altro, urlandoti in faccia e rotolandosi tarantolato per terra. Né Donatien Thiévent che balla come se si trovasse ad un rave, strafatto, mentre inserisce sintetizzatori e urla nel muro di distorsione eretto dalla chitarra a otto corde di Jona Nido. Eppure, anche senza l’impeto fisico del concerto, la musica della band esplode dalle casse con una pressione impressionante, sbalzando il divano fuori dalla finestra e facendomi saltare in cima all’armadio insieme ai gatti di casa. La chitarra possiede una profondità e una rotondità mostruose, senza che questo appesantisca le architetture agili ed elastiche costruite dalla batteria di Luc Hess, né tantomeno ammorbidisca i contrasti tra le dissonanze laceranti. Tre membri su quattro (Jucker, Nido, Hess) hanno fatto parte dei The Ocean nel periodo Heliocentric / Anthropocentric, ma del post metal progressivo del collettivo non c’è traccia alcuna tra le schegge impazzite di Millennials. Qui volano pezzi di ferro arrugginito, vetro e cemento, come ai tempi delle esplosioni dei Breach e dei Botch. Non c’è memoria di edifici solidi, grandiosi, ricchi di abbellimenti barocchi e profondità spirituale. Il nuovo millennio è collassato.

[R.T.]

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Coilguns- Millennials

(Hummus Records, 2018)

Having attended the wild madness of these Swiss live on stage, I didn't think that this could even come out of the speakers of the home stereo, exclusively through their music. Because at home there is no Louis Jucker jumping upon you, between one uncoordinated dance and another, shouting at you in the face and rolling around as tarantulated on the ground. Nor Donatien Thiévent dancing as if he were at a rave party, totally stoned, inserting synthesizers and screaming in the distortion wall erected by Jona Nido's eight-string guitar. Yet, even without the physical impetus of the concert, the band's music explodes from the speakers with an impressive pressure, knocking the sofa out of the window and making me jump to the top of the wardrobe together with the house cats. The guitar has got a monstrous depth and roundness, without this weighing down the agile and elastic architectures built by Luc Hess's drums, nor softening the contrasts between the lacerating dissonances. Three members out of four (Jucker, Nido, Hess) were part of The Ocean in the Heliocentric / Anthropocentric period, but of the progressive post-metal collective there is no trace among the crazy chips of Millennials. Here pieces of rusted iron, glass and cement fly everywhere as in the days of Breach and Botch explosions. There is no memory of solid, magnificent buildings, rich in baroque embellishments and spiritual depth. The new millennium has collapsed.

[R.T.]

Gouge Away – Burnt Sugar

Gouge Away – Burnt Sugar

(Deathwish, 2018)

L’istante in cui la furia hardcore si rivolta contro se stessa, frantumando le sue rivendicazioni in dubbi esistenziali taglienti come schegge. Nell’isterismo di Christina Michelle (sorta di giovane Julie Christmas) c’è tutta la nevrosi di una riot grrl che non capisce se scavare a fondo dentro se stessa sia un modo per fuggire da tematiche sociali pesanti come macigni, oppure una terapia per curare la propria instabilità. La rabbia non è più diretta verso le ingiustizie sociali come nel disco d’esordio (, Dies), bensì esplode in riflessioni legate a tragedie personali (“I’m so fed up with hope” canta Christina riguardo la malattia della madre). I riff si scompongono in frammenti rugginosi senza perdere visceralità, mentre le melodie acquistano acidità grazie a dissonanze continue senza che questo infici la loro orecchiabilità. Burnt Sugar è abrasivo come un disco dei Jesus Lizard, ma al posto della folle perversione della band texana, possiede una sensibilità fortemente bipolare, alternando idrofobia – Wilt (I Won’t) – ad agrodolci attimi di speranza debitori dei Sonic Youth più luminosi – Stray. Ventisei, tormentati, minuti di splendido noise rock anni '90.

[R.T.]

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Gouge Away – Burnt Sugar

(Deathwish, 2018)

That moment when hardcore fury turns against itself, shattering its claims into sharp existential doubts like splinters. In (sort of young Julie Christmas) Christina Michelle's hysteria there is all the neurosis of a riot grrl that does not understand if digging deep inside herself is a way to escape from social issues heavy like boulders, or a therapy to cure her instability. Anger is no longer directed towards social injustices as in the debut album (, Dies), yet it explodes in reflections related to personal tragedies ("I'm so fed up with hope" sings Christina about her mother's illness). Riffs break up into rusty fragments without losing viscerality, while melodies acquire acidity thanks to continuous dissonances without this invalidating their catchiness. Burnt Sugar is abrasive like Jesus Lizard music, but instead of the crazy perversion of the Texan band, it has a strongly bipolar sensitivity, alternating hydrophobia - Wilt (I Will not) - to bittersweet moments of hope debtors of the brightest Sonic Youth - Stray. Twenty-six, tormented, minutes of wonderful 90s noise rock.

[R.T.]

KEN Mode – Loved

KEN Mode – Loved

(Season of Mist, 2018)

Il noise rock possiede ancora una spinta provocatoria e destabilizzante? La destrutturazione dell’armonia in schegge dissonanti, e il livello di intensità di suono sempre crescente, riescono ancora a turbare l’ascoltatore, o sono ormai diventati espedienti compositivi convenzionali? L’impatto dei canadesi KEN Mode sui nostri timpani non può certamente essere sconvolgente quanto quello dei gruppi della Amphetamine Reptile sugli adolescenti degli anni '80. Anni e anni di chitarre dissonanti e bassi tonanti lungo ritmi spigolosi ci hanno resi immuni allo stupore. Ma il noise rock può essere ridotto a semplice provocazione? Se così fosse, anche l’impatto di Steve Albini sarebbe stato molto meno consistente di quello che è stato in realtà. Lo shock che il nostro cervello prova di fronte a ciò che mai aveva udito in precedenza è solo il detonatore: l’acido che corrode davvero la staticità è l’utilizzo del rumore come nuova forma di armonia. A seconda dell’utilizzo che viene fatto della dissonanza, i confini della musica rock (perché di quello stiamo parlando, non di avanguardia) sono corrosi e rimodellati. E i KEN Mode plasmano i confini conosciuti con forme personali, attraverso assalti post hardcore di scuola Unsane resi schiaccianti da bordate che odorano di metal meshugghiano e riff spettrali. L’uomo nero che ci osserva ghignante dalla copertina di Loved (settimo disco della band di Winnipeg) è disturbante come la loro musica, sorta di confessione di un serial killer. E quando la violenza lascia spazio a passaggi pacati (echi degli Slint nel sax di This is a Love Test), è bene essere pronti alle aggressioni che ci aspettano dietro l’angolo. Perché l’anormalità è la nuova normalità.

[R.T.]

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KEN Mode – Loved

(Season of Mist, 2018)

Does noise rock still have a provocative and destabilizing push? Do the destructuring of harmony in dissonant splinters, and the ever increasing level of intensity of sound, still disturb the listener, or have they become conventional expedients of musical composition? The impact of Canadians KEN Mode on our eardrums certainly cannot be as much shocking as that of the Amphetamine Reptile bands on 80s teenagers. Years and years of dissonant guitars and thundering basses along angular rhythms have made us immune to amazement. But can noise rock be reduced to a simple provocation? If so, Steve Albini's impact would have been much less substantial than it actually was. The shock that our brain experiences in front of what it had never heard before is only the detonator: the acid that really corrodes the static nature is the use of noise as a new form of harmony. Depending on the way dissonance is used, the boundaries of rock music (because this is what we are talking about, not avant-garde) are corroded and reshaped. And KEN Mode model the known boundaries with personal forms, through post-hardcore assaults of Unsane school made overwhelming by assaults that smell of Meshuggah-like metal and spectral riffs. The black man who looks at us grinning from the cover of Loved (seventh record of the band from Winnipeg) is as disturbing as their music, sort of confession of a serial killer. And when violence leaves room for peaceful passages (Slint echoes in the sax of This is a Love Test), it's good to be ready for the assaults that are waiting for us around the corner. Because abnormality is the new normality.

[R.T.]

Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

(Anti-, 2018)

Fissare il Sole troppo a lungo può bruciare le retine. I Deafheaven hanno da sempre sfidato i raggi accecanti, filtrando la luce diretta con una nuvola di nebbia stordente e rifrangendola poi attraverso strati di ghiaccio norvegese. La loro musica è una gelida giornata invernale, limpida e abbagliante, in grado di regalare piccoli lampi di tepore sotto i raggi diretti del Sole, ma capace di trasformarsi velocemente in una tempesta di neve. Proprio questa ambivalenza ha reso i Deafheaven una creatura unica nel panorama della musica alternativa, in continuo equilibrio tra black metal, post hardcore, post rock e shoegaze, e di conseguenza una delle più amate / odiate. Con il quarto album la nebbia si dirada e il ghiaccio si scioglie, come nel giorno in cui l’inverno sfocia nella primavera. Ordinary Corrupt Human Love è l’equinozio, l’attimo in cui le sfuriate di gelido vento del nord si trasformano in brezza pronta a trasportare il polline della rinascita. Una metamorfosi accolta con un senso di fiducia e speranza, sotto lo sguardo del Sole. La band di San Francisco racconta l’ordinarietà di un amore attraverso continue citazioni letterarie (lo stesso titolo dell’album è tratto da Fine di una Storia di Graham Greene) e una musica stratificata e complessa, talvolta perfino barocca. L’iniziale You Without End, ad esempio, è un affresco luminoso che ricorda molto da vicino l’apertura di pianoforte di Mellon Collie and the Infinite Sadness. Ma è solo l’inizio, perchè il sentimentalismo enfatico dei migliori Smashing Pumpkins avvolgerà anche le sfuriate più violente. Ogni amore nasconde precari equilibri sul ciglio dell’ossessione e della nevrosi, e quello raccontato dai Deafheaven non è da meno. Nella ricerca della pace si nasconde una continua inquietudine, così come le acide e schizofreniche urla di George Clarke si nascondono tra lampi di estasi e soffusa serenità. Fissare il Sole troppo a lungo, alla continua ricerca di calore, può davvero bruciare la nostra vista, e nutrire l’ossessione che cresce nella nostra anima.

[R.T.]

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Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

(Anti-, 2018)

Staring at the Sun too long can burn retinas. Deafheaven have always challenged the blinding rays, filtering direct light with a cloud of stunning fog and then refracting it through layers of Norwegian ice. Their music is a cold, clear and dazzling winter day, able to release small flashes of warmth under the direct rays of the Sun, but able to quickly turn itself into a snowstorm. Precisely this ambivalence has made Deafheaven a unique creature in the panorama of alternative music, in constant balance between black metal, post hardcore, post rock and shoegaze, and consequently one of the most loved/hated. With the fourth album the fog clears and the ice melts, as on the day when winter flows into spring. Ordinary Corrupt Human Love is the equinox, the moment when the blasts of freezing northern wind turn into a breeze ready to carry the pollen of rebirth. A metamorphosis welcomed with a sense of trust and hope, under the gaze of the Sun. The San Francisco band recounts the ordinariness of a love through continuous literary quotations (also the title of the album is taken from Graham Greene's End of a Story) and a stratified, complex music, sometimes even baroque. The initial You Without End, for example, is a bright fresco that closely resembles the piano opening of Mellon Collie and the Infinite Sadness. But it is only the beginning, because the emphatic sentimentality of the best Smashing Pumpkins will also envelop the most violent outbursts. Every love hides precarious balances on the edge of obsession and neurosis, and the one told by Deafheaven is no exception. In the search for peace there is a continuous restlessness, as well as George Clarke's acid and schizophrenic screams are hidden between flashes of ecstasy and soft serenity. Staring at the Sun too long, in the constant search for heat, can really burn our sight, and nourish the obsession that grows in our soul.

[R.T.]

Marnero + Nero di Marte + Zambra – 10.11.2018 – Il Contro (Prato)

Marnero + Nero di Marte + Zambra – 10.11.2018 – Il Contro (Prato)

Il nero sta bene in ogni occasione. Elegante e mai superfluo, aiuta anche a snellire la figura. Stasera ne abbiamo in abbondanza, perché non c’è abbinamento migliore, per il (Mar)nero, che altro Nero (di Marte) - ma in passato ho assistito anche ad un ottimo accostamento con i Nero(rgasmo).

Arriviamo al Contro sui primi riff degli Zambra. Il loro post hardcore più che nero è color ruggine. Ti lascia in bocca quel sapore di ferro di quando ti spacchi un labbro. Una sensazione sgradevole generata da un misto di dolore e rabbia, dissonanze e ritmi spezzati. La band fiorentina, che da pochissimo ha pubblicato il suo album d’esordio, è un concentrato di riff storti e sgranati, che esaltano tutti gli appassionati (come me) del sadismo sonoro di Botch, Unsane, Helmet e altra gente che si faceva il bidet con la cartavetra per lenire il dolore di vivere. Il cantante, David (che ricordo al microfono dei Disquietedby in mutande sul palco!), stasera mostra ben altra eleganza, alternando urla graffianti a profondissimi vocalizzi che paiono uscire da un didgeridoo. Una scoperta straordinaria!

Che il nero potesse rifrangersi in riflessi colorati me lo avevo dimostrato lo splendido Derivae, album del 2014 dei bolognesi Nero di Marte. Un disco che parte dal buio intenso del metal per mostrare sfumature inedite, a tratti post rock, con puro spirito progressivo. Complessa e ricercata, è una musica ricca di particolari che rischia di perdersi (e di lasciare l’ascoltatore alla deriva) se i suoni non sono perfettamente calibrati. Stasera purtroppo la struttura dei brani tende a collassare su se stessa a causa dei suoni non ottimali (cassa della batteria non pervenuta alle miei orecchie, ad esempio). Sempre emozionanti le note de Il Diluvio, e molto interessanti i nuovi brani (più delicati e atmosferici, e ancora più complessi), ma forse il nero elegante dei Nero di Marte richiederebbe maggior cura sonora per esprimersi al meglio.

La tenuta d’ordinanza del post harcore è il nero che chiude la serata. I Marnero sono solo quattro, ma sembrano un esercito. Non solo quando partono all’assalto (A.C.H.A.B.) ma anche quando dimostrano di saper creare il giusto climax, prima di lanciarsi negli scontri (Le navi non ardono ancora). Una band che costruisce l’attesa e la manipola con arrangiamenti complessi, dilatandola fino al punto di esplosione. Quel che stupisce è come questa ricerca sonora, estremamente matura, non abbia minimamente scalfito la furia hardcore, né l’ironia di JD Raudo (che dai tempi dei Laghetto continua a regalare siparietti esilaranti). Con un concerto incentrato sull’ultimo, straordinario, disco (Quando vedrai le navi in fiamme sarà giunta l’ora) si chiude la “notte nera” del Contro.

[R.T.]

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Marnero + Nero di Marte + Zambra – 11.10.2018 – Il Contro (Prato)

Black is fine on every occasion. Elegant and never superfluous, it also helps to streamline the figure. Tonight we have plenty of it, because there is no better match, for (Mar)nero other than Nero (di Marte) - but in the past I have also witnessed an excellent match with Nero(rgasmo).

We enter Il Contro on Zambra first riffs. Their post hardcore more than black is rust-coloured. It leaves in your mouth that taste of iron typical of when you break a lip. An unpleasant sensation generated by a mixture of pain and anger, dissonance and broken rhythms. The Florentine band, which has just released its debut album, is a concentrate of crooked distorted riffs, which exalt all the fans (like me) of the sonic sadism of Botch, Unsane, Helmet and other people who used to make the bidet with sandpaper towel to soothe the pain of living. The singer, David (who I remember at the microphone of Disquietedby in his underwear on stage!), tonight shows quite another elegance, alternating scratchy screams to deep vocalizations that seem to come out of a didgeridoo. An extraordinary discovery!

That black could refract itself in colored reflections it was shown by the wonderful Derivae, album of the 2014 by the Bolognese Nero di Marte. A record that starts from the intense darkness of metal to reveal unprecedented nuances, at times close to post-rock, with pure progressive spirit. Complex and sophisticated, it is a music full of details that risks getting lost (and leaving the listener drifting) if sounds are not perfectly calibrated. Tonight, unfortunately, the structure of songs tends to collapse on itself due to the non-optimal sounds (bass drum did not reached my ears, for example). The notes of Il Diluvio are always moving, and the new tracks (more delicate and atmospheric, and even more complex) are really interesting, but perhaps the elegant black of Nero di Marte would require greater sound care to express itself at its best.

The post-harcore service uniform is the black that closes the evening. Marnero are only four, but they look like an army. Not only when they start the assault (A.C.H.A.B.) but also when they show they know how to create the right climax, before throwing themselves into the clashes (Le navi non ardono ancora). A band that builds the wait and manipulates it with complex arrangements, dilating it to the point of explosion. What is astonishing is how this extremely mature sound research has not in any way scratched the hardcore fury, nor JD Raudo irony (who, since the times of Laghetto, continues to perform hilarious gags). With a set focused on the latest amazing album (Quando vedrai le navi in fiamme sarà giunta l’ora) it ends the "black night" of Il Contro.

[R.T.]

Neurosis + Converge + Deaf Kids - 17.06.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Neurosis + Converge + Deaf Kids - 17.06.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Inizia l’estate, stagione di festival all’aperto e megaeventi rock, con canzoni che hanno fatto la storia della mia adolescenza, da cantare a squarciagola in mezzo ad un oceano di 60.000 persone. Eppure c’è chi come me si ostina a rifugiarsi nel buio di un locale al chiuso, come se fosse sempre gennaio, per ascoltare musica devastante ed uscirne devastato. C’è qualcosa di mistico e spirituale in tanto masochismo. Sofferenza catartica. 

Appena messo piede all’interno del locale, sulle prime allucinanti note dei Deaf Kids, intuisco che saranno confermate le aspettative. Perderò litri di sudore ed evaporerà ogni energia, mentre schiena e piedi saranno presto a brandelli. La musica dei Deaf Kids non aiuta a rinfrescare e ossigenare la sala. Un assalto in cui un riff alla Motorhead si ripete ossessivo (come se fosse stato messo in loop da una band math rock), mentre una voce “berciata” viene manipolata da delay infiniti e cascate di effetti. Accartocciamenti noise e sfuriate proto-metal talmente deviate da sembrare industrial, per un concerto interessante, ma alla lunga difficile da sostenere. Mentre Dave Edwardson dei Neurosis si dimena sotto il palco, io esco a prendere una boccata di ossigeno. Perché tra poco non ci sarà davvero più tempo per respirare.

Per la terza volta in due mesi vengo travolto dai Converge. Ma, a differenza del Roadburn, stasera non ci sono suoni calibrati al millimetro, band quadrata e impeccabile (ricordando soprattutto il set dedicato a You Fail Me), né pubblico esaltato ma contenuto. Stasera è il massacro. Bastano pochi secondi e le prime file si trasformano in un carnaio. In questo degenero di corpi sudati che si scontrano da ogni angolazione, la band di Salem trae un insano godimento e pesta sempre più pesante, via via che scorrono i minuti. Bannon non calibra la forza e la libera come le esplosioni richiedono, suonando talvolta un po’ sfiatato e rischiando di sgretolarsi contro il muro di suono. Ma l’energia che riesce a sprigionare è comunque dirompente, e l’emotività che trasmette ti penetra dentro. Ogni canzone suona meglio, e più devastante, della precedente (sia dal punto di vista fisico che emotivo). Il loro set - un’ora secca incentrata soprattutto sull’ultimo, bellissimo, The Dusk in Us - è un uragano che ripulisce la mente.

Dopo la tempesta, sudati fradici e spossati, mi ritrovo nell’occhio del ciclone con i Neurosis. In uno stato di calma apparente, tra arpeggi post rock e flussi ambient di synth, ma con l’apocalisse che incombe minacciosa all’orizzonte, sotto forma di riff mastodontici e pesantezza insostenibile. La band di Oakland ha suoni impeccabili e l’impatto delle sue bordate spettina le lunghe barbe presenti tra il pubblico. Dal primo riff che apre il loro concerto (quello di Given to the Rising), all’ultima rullata di quel trip industrial/postmoderno che è Through Silver in Blood (perfetta chiusura di serata), rimango in estasi mistica, assaporando la sofferenza fisica dovuta al caldo soffocante, e trasformandola in visioni celestiali di galassie che collassano ed eruzioni vulcaniche preistoriche. Nel mezzo a tutto questo c’è Burn, cioè la canzone dalla quale il mio amore per questa band è nato, quasi quindici anni fa. Nella sua intimità rovente, nei suoi glaciali momenti di solitudine cosmica, e nelle sue aperture distorte, ringiovanisco di una quindicina di anni. Catarsi completata.

[R.T.]

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Neurosis + Converge + Deaf Kids - 06.17.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Summer begins. Season of outdoor festivals and mega-rock-events, with songs that made the history of my adolescence, to be sung loudly in the middle of an ocean of 60,000 people. Yet there are those like me who keep on sheltering in the darkness of an indoor venue, as in an eternal January, to listen to devastating music and get out of it devastated. There is something mystical and spiritual in all this masochism. Cathartic suffering.

As soon as I enter the club, on the first hallucinatory notes of Deaf Kids, I feel that my expectations will be confirmed. I will lose liters of sweat and I will evaporate all my energy, while my back and feet will soon be shredded. Deaf Kids music does not help to refresh and oxygenate the room. An assault in which a Motorhead riff repeats itself obsessively (as if it had been looped by a math rock band), while a screaming voice is manipulated by infinite delays and cascades of effects. Noise crumplings and proto-metal outbursts so devious as to seem industrial, for an interesting concert, but in the long run a bit difficult to sustain. While Dave Edwardson (Neurosis) follows the gig under the stage, I go out for a breath of oxygen. Because soon there will not really be more time to breathe.

For the third time in two months I am overwhelmed by Converge. But, unlike at Roadburn, tonight there are no sounds calibrated to the millimeter, nor an impeccable band (remembering above all the set dedicated to You Fail Me), neither an exalted yet contenaid audience. Tonight it is a massacre. Just a few seconds and the first rows are transformed into a havoc. In this chaos of sweaty bodies colliding from every angle, the band of Salem draws an insane enjoyment and beats heavier and heavier, as the minutes run. Bannon does not calibrate his force and he frees it as the explosions require, sometimes sounding a little out of breath and risking to crumble against the sound wall. But the energy that he manages to unleash is still disruptive, and the emotionality he transmits penetrates you inside. Each song sounds better and more devastating than the previous one (both physically and emotionally). Their set - an exact hour mainly focused on the latest, amazing, The Dusk in Us - is a hurricane that cleanses the mind.

After the storm, sweaty and exhausted, I find myself in the eye of the storm with Neurosis. In a state of apparent calm, between post rock arpeggios and ambient synth fluxes, yet with the apocalypse looming menacingly to the horizon, in the form of mammoth riffs and unbearable heaviness. The band from Oakland has got flawless sounds and the impact of its attacks shakes the many long beards of the audience. From the first riff opening their set (that of Given to the Rising), to the last drum roll of that industrial/post-modern trip that is Through Silver in Blood (perfect closing of the evening), I remain in mystical ecstasy, savouring the physical suffering due to the suffocating heat, and transforming it into celestial visions of collapsing galaxies and prehistoric volcanic eruptions. In the middle of all this there is Burn, the song from which almost fifteen years ago my love for this band was born. In its hot intimacy, in its icy moments of cosmic solitude, and in its distorted openings, I rejuvenate about fifteen years. Catharsis completed.

[R.T.]

Eyehategod + The Mild – 10.05.2018 – OZ (Bologna)

Eyehategod + The Mild – 10.05.2018 – OZ (Bologna)

Dopo il trapianto di fegato del 2016, ritrovare Mike Williams su un palco è sicuramente sorprendente. Ma chi lo aveva visto in concerto nel 2015 (quando aveva appena superato ogni sorta di problema con giustizia e droga) sapeva che, per quanto sempre sul filo del rasoio, questo vecchio "tossico" apparentemente irrecuperabile, ha una fibra straordinaria. Anche stasera lo dimostra.

Aprono la serata i The Mild, con il loro post hardcore deviato e rugginoso, che alterna sfuriate rabbiose, stridori dissonanti e rallentamenti soffocanti. Anche se i suoni non valorizzano appieno la potenza della band veneziana (che avevo avuto modo di apprezzare al Disintegrate Your Ignorance Fest 2017) l’antipasto a base di chiodi, insetti morti e siringhe, offerto dal trio, stimola l’appetito per l’abominio sonoro che arriverà subito dopo.

Il piatto principale è un misto di feedback e dissonanze acide che rendono il blues una musica perversa oltre il limite dell’immaginabile. Così ci accolgono gli Eyehategod. Non poteva esserci palcoscenico migliore di quello di un centro sociale autogestito dall’atmosfera post industriale, con un grado di temperatura e umidità paragonabile a quella delle paludi di New Orleans. Sudice tirate hardcore mostrano la violenza che la band continua a sprigionare anche dopo 30 anni di carriera, e il pubblico raccoglie con entusiasmo queste schegge di rabbia gettandosi nel pogo. Nei brani lenti, nei quali le maledizioni del delta del Mississippi diventano ineluttabili come macigni doom e deviate come noise rock, è Jimmy Bower, con i suoi riff grassi e unti, a farla da padrone (anche perché, purtroppo, è rimasta una sola chitarra dal vivo, e l'assenza di Brian Patton si fa sentire). Ma se Bower sembra fisicamente soffrire il caldo, Williams non cede di un millimetro e sputa veleno come un ragazzino hardcore, tenendosi in equilibrio con l’aiuto dell’asta del microfono. Ok, non è che Mike sia proprio il ritratto della salute. Però, come dimostra il fatto che non siano necessari siparietti deliranti per fargli riprender fiato (come invece accadeva nel 2015, quando ogni canzone, per quanto cantata perfettamente, era seguita da caracollanti vaneggiamenti da tossici), Mike canta alla grande e, soprattutto, è vivo e lotta qui con noi.

[R.T.]

 

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Eyehategod + The Mild – 05.10.2018 – OZ (Bologna)

After the liver transplant in 2016, it is certainly surprising to find Mike Williams on stage. But those who saw him live in 2015 (when he had just overcome all sorts of problems with justice and drugs) knew that, although always on the cutting edge, this old apparently irrecoverable "toxic" has got an extraordinary fiber. Even tonight he proves it.

The Mild opens this evening with their rusty deviant post hardcore, alternating angry outbursts, dissonant screeches and suffocating slowdowns. Even if sounds do not fully enhance the power of the Venetian band (which I had the chance to appreciate at Disintegrate Your Ignorance Fest 2017) the appetizer based on nails, dead insects and syringes, offered by the trio, stimulates the appetite for the sound abomination that will come soon after.

The main dish is a mixture of feedbacks and acid dissonances making blues a perverse music beyond the limit of the imaginable. This is how Eyehategod welcomes us. There could not have been a better stage than a squat with a post-industrial atmosphere, with a degree of temperature and humidity comparable to that of New Orleans marshes. Dirty hardcore parts show the violence the band continues to unleash even after 30 years of career, and the audience enthusiastically collects these splinters of anger by throwing themselves into the mosh. In the slow tracks, in which the curses of the Mississippi delta become ineluctable as doom boulders and crooked as noise rock, the master is Jimmy Bower, with its fat and greasy riffs (also because, unfortunately, there is only one live guitar, and the absence of Brian Patton is felt). But if Bower seems to suffer physically the heat, Williams does not give in a millimeter and spits venom like a hardcore kid, balancing himself with the help of the microphone stand. Ok, it's not like Mike is the portrait of health. However, as evidenced by the fact that ther is no need of delirious gags to let him take a breath (as happened in 2015, when every song, as perfectly sung, was followed by toxic staggering ravings), Mike sings really great and, above all, he is live and fight here with us.

[R.T.]

 

Amenra + Boris - 28.02.2018 - Locomotiv Club (BO)

Amenra + Boris - 28.02.2018 - Locomotiv Club (BO)

E' una di quelle serate che passerà alla storia. E non solo per il concerto. Infatti stasera sfidiamo l'allerta meteo della nostra città e le previsioni di neve sicura sull'Appennino e decidiamo di partire lo stesso per questo concerto che aspettavamo tanto tantissimo, e cui avevamo deciso di andare nonostante sapessimo che avremmo perso l'inizio del live dei Boris, a causa dell'anticipo dell'orario di inizio (annunciato solo due giorni prima) dovuto alle due scalette decisamente consistenti e ad un cambio palco non di poco conto.

Il viaggio di andata va alla grande ed entriamo nel locale che i Boris hanno iniziato da quasi mezzora. Per fortuna abbiamo davanti a noi ancora più di metà della scaletta. Un muro di nebbia e luci sul palco, ad abbracciare un muro di suono (quasi) impenetrabile. Il set di stasera prevede il loro ultimo album, DEAR (Sargent House, 2017), nella sua interezza. Droni e sludge a profusione. Ma anche melodie cantilenate dalla voce (a tratti quasi "stonata") di Takeshi, che si affacciano sul mare calmo ed immobile del post-rock. A modo loro epiche - e incredibilmente trascinanti - le parti in cui Atsuo prende possesso del microfono, del palco e dell'immenso gong dietro le sue spalle: un vero mattatore. Emozionanti e stupendi certi passaggi come l'assolo di Wata in Dystopia - Vanishing Point -, in cui note celestiali si sbriciolano in frammenti rumorosi e ronzii di elettricità statica (interruzioni di segnale - ricercate o casuali? - che sono uno dei molti esempi della continua destrutturazione della musica operata dai Boris). Grande concerto, che per me supera quello a cui ho assistito poco più di un anno fa a Livorno.

Mezzora di cambio palco. Le luci che si spengono nuovamente. Un intro quasi in sottofondo. Entra Colin H. Van Eeckhout, che si accuccia sul pavimento del palco, spalle al pubblico e cappuccio della felpa calato sulla testa. A seguire, alla spicciolata, il resto della band. Le percussioni metalliche e penetranti e l'esplosione di Boden. Il concerto degli Amenra è un crescendo di emozione, che scava dentro l'ascoltatore/spettatore, e che finisce - in modo brusco e secco - con l'ultima nota di Silver Needle. Golden Nail, lasciandoci tutti svuotati e spaesati. I suoni sono potenti e perfetti, così come la voce di Van Eeckhout, che ipnotizza sia quando urla tutta la rabbia ed il dolore che libera ed esorcizza, sia nei più rari momenti in cui culla nella disperazione. Le videoproiezioni sono il perfetto commento per immagini del rito di cui siamo tutti al tempo stesso spettatori e partecipanti. Gli Amenra sono i ministri di un concerto che non è solo uno spettacolo, ma è anche un vero e proprio scambio e flusso di emozioni fra le più estreme. Un'evocazione di furia e male che lenisce chi si abbandona alla sua potenza. Catartico e stupendo.

[E.R.]

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Amenra + Boris - 02.28.2018 - Locomotiv Club (BO)

It's one of those nights that will go down in history. And not only for the concert. Indeed tonight we challenge the extremely bad weather alert of our town and the forecasts indicating 100% snow on the Apennines and decide to go at all costs to this concert that we expected so much, having already decided to go despite knowing that we would have lost the first part of Boris live, because of the early start time (announced only two days before) due to the two very consistent setlists and a non-trivial set change.

The outward travel is great and we enter Locomotiv that Boris have been playing almost half an hour. Fortunately, we have more than half of the setlist ahead of us. A wall of fog and lights on the stage, to embrace a wall of (almost) impenetrable sound. Tonight's set includes their latest album, DEAR (Sargent House, 2017), in its entirety. Drones and sludge in profusion. But also melodies singed by (sometimes almost "out of tune") Takeshi voice, giving onto the calm and still sea of post-rock. In their own way epic - and incredibly enthralling - the parts in which Atsuo takes possession of the microphone, the stage and the immense gong behind his shoulders: a true star performer. Exciting and wonderful some passages like Wata solo in Dystopia - Vanishing Point -, in which celestial notes crumble into noisy fragments and buzzing of static electricity (signal interruptions - deliberate or random? - which are one of the many examples of Boris continuous destabilisation of music). Great concert: for me it goes beyond the one I attended just over a year ago in Livorno.

Half an hour set change. Lights turn off again. An intro almost in the background. Colin H. Van Eeckhout gets on stage, he crouches on the floor, shoulders to the audience and the hood of the sweatshirt on his head. To follow, in a few minutes, the rest of the band. Metal and penetrating percussions and the explosion of Boden. Amenra concert is a crescendo of emotion, which digs into the listener/spectator, and ends - abruptly and dryly - with the last note of Silver Needle. Golden Nail, leaving us all emptied and disoriented. Sounds are powerful and perfect, as is Van Eeckhout voice, which hypnotizes both when he screams all the rage and pain that he frees and exorcises, both in the rarest moments when he cradles in despair. The video projections are the perfect commentary for images of the ritual of which we all are at once spectators and participants. Amenra are the ministers of a concert that is not just a show, but it is also a real exchange and flow of emotions among the most extreme ones. An evocation of fury and evil that soothes those who abandon themselves to its power. Cathartic and breathtaking.

[E.R.]