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domenica 15 novembre 2020

Esoteric – A Pyrrhic Existence


Esoteric – A Pyrrhic Existence
(Season of Mist, 2019) 

“E ora affronterai il mare delle tenebre, e ciò che in esso vi è di esplorabile”. Lucio Fulci ci intrappola nel suo L'Aldilà con queste parole e con l’immagine di un deserto sconfinato, avvolto nella nebbia, nel quale corpi umani giacciono come pietrificati. Un deserto gelido, del tutto simile a quello che gli Esoteric utilizzano per rappresentare visivamente la musica del loro ottavo disco. Ancorate a terra come se avessero radici, disperate nel tentativo di allontanarsi da quell'Inferno di immobilità, le figure scheletriche della copertina di A Pyrrhic Existence sembrano i corpi esanimi del film di Fulci, in un ultimo tentativo di tornare alla luce. Ma nella musica della band britannica la luce non filtra. I bagliori che intravediamo all’interno delle sei monolitiche composizioni sono aurore boreali di sintetizzatore. Lampi glaciali che accentuano le ombre. In una stasi che pare ineluttabile, la ricerca spasmodica di un senso - per quanto destinata a fallire - rende la musica viva, anche se sfibrante. Se il mare delle tenebre è esplorabile, lo è anche l’abisso degli Esoteric. Nonostante la psichedelia stordente della band sia utilizzata come un magnete per risucchiare ogni energia, i riff rabbiosi sono come passi che si sollevano pesanti dalle sabbie mobili, e la melodia compare a tracciare nuove strade nel vuoto cosmico. Anche con il loro disco più gelido gli Esoteric mostrano come sia possibile esplorare l’abisso, componendo l’ennesimo capolavoro.

[R.T.]

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Esoteric – A Pyrrhic Existence
(Season of Mist, 2019) 

"And now you will face the sea of darkness, and what is explorable in it". Lucio Fulci traps us in his The Beyond with these words and with the image of a boundless desert, shrouded in fog, in which human bodies lie as if petrified. An icy desert, similar to the one that Esoteric use to visually represent the music of their eighth album. Anchored to the ground as if they had roots, desperate to get away from that Hell of immobility, the skeletal figures on the front cover of A Pyrrhic Existence look like the lifeless bodies of Fulci's movie, in a last attempt to return to the light. But there is no light filtering through the British band's music. The glows that we see inside the six monolithic compositions are synthesizer aurora borealis. Glacial flashes that accentuate the shadows. In a stasis that seems unavoidable, the spasmodic search for meaning - though doomed - makes the music alive, even if exhausting. If the sea of darkness is explorable, so it is Esoteric's abyss. While the band's stunning psychedelia is used as a magnet to suck in all energy, the angry riffs are like footsteps heavily lifting from quicksand, and melody traces new paths in the cosmic void. Even with their coldest record Esoteric show how it is possible to explore the abyss, composing the umpteenth masterpiece.

[R.T.]

giovedì 24 gennaio 2019

KEN Mode – Loved


KEN Mode – Loved
(Season of Mist, 2018)

Il noise rock possiede ancora una spinta provocatoria e destabilizzante? La destrutturazione dell’armonia in schegge dissonanti, e il livello di intensità di suono sempre crescente, riescono ancora a turbare l’ascoltatore, o sono ormai diventati espedienti compositivi convenzionali? L’impatto dei canadesi KEN Mode sui nostri timpani non può certamente essere sconvolgente quanto quello dei gruppi della Amphetamine Reptile sugli adolescenti degli anni '80. Anni e anni di chitarre dissonanti e bassi tonanti lungo ritmi spigolosi ci hanno resi immuni allo stupore. Ma il noise rock può essere ridotto a semplice provocazione? Se così fosse, anche l’impatto di Steve Albini sarebbe stato molto meno consistente di quello che è stato in realtà. Lo shock che il nostro cervello prova di fronte a ciò che mai aveva udito in precedenza è solo il detonatore: l’acido che corrode davvero la staticità è l’utilizzo del rumore come nuova forma di armonia. A seconda dell’utilizzo che viene fatto della dissonanza, i confini della musica rock (perché di quello stiamo parlando, non di avanguardia) sono corrosi e rimodellati. E i KEN Mode plasmano i confini conosciuti con forme personali, attraverso assalti post hardcore di scuola Unsane resi schiaccianti da bordate che odorano di metal meshugghiano e riff spettrali. L’uomo nero che ci osserva ghignante dalla copertina di Loved (settimo disco della band di Winnipeg) è disturbante come la loro musica, sorta di confessione di un serial killer. E quando la violenza lascia spazio a passaggi pacati (echi degli Slint nel sax di This is a Love Test), è bene essere pronti alle aggressioni che ci aspettano dietro l’angolo. Perché l’anormalità è la nuova normalità.
[R.T.]
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KEN Mode – Loved
(Season of Mist, 2018)

Does noise rock still have a provocative and destabilizing push? Do the destructuring of harmony in dissonant splinters, and the ever increasing level of intensity of sound, still disturb the listener, or have they become conventional expedients of musical composition? The impact of Canadians KEN Mode on our eardrums certainly cannot be as much shocking as that of the Amphetamine Reptile bands on 80s teenagers. Years and years of dissonant guitars and thundering basses along angular rhythms have made us immune to amazement. But can noise rock be reduced to a simple provocation? If so, Steve Albini's impact would have been much less substantial than it actually was. The shock that our brain experiences in front of what it had never heard before is only the detonator: the acid that really corrodes the static nature is the use of noise as a new form of harmony. Depending on the way dissonance is used, the boundaries of rock music (because this is what we are talking about, not avant-garde) are corroded and reshaped. And KEN Mode model the known boundaries with personal forms, through post-hardcore assaults of Unsane school made overwhelming by assaults that smell of Meshuggah-like metal and spectral riffs. The black man who looks at us grinning from the cover of Loved (seventh record of the band from Winnipeg) is as disturbing as their music, sort of confession of a serial killer. And when violence leaves room for peaceful passages (Slint echoes in the sax of This is a Love Test), it's good to be ready for the assaults that are waiting for us around the corner. Because abnormality is the new normality.
[R.T.]

giovedì 4 gennaio 2018

Sólstafir - Berdreyminn


Sólstafir - Berdreyminn
(Season of Mist, 2017)

Se, come ho scoperto, Berdreyminn significa qualcosa come "nudo sognatore", il sesto album degli islandesi Sólstafir dichiara fin dal titolo la sua natura profondamente emotiva, personale ed introspettiva. Ma anche senza conoscere il significato del titolo, fin dal primissimo ascolto si viene catturati dal fiume (in piena) delle sensazioni che animano ed attraversano queste otto canzoni. E se mi viene da pensare che il sognatore può permettersi di mettersi a nudo perché le sue parole possono essere comprese da una netta minoranza di ascoltatori (e ammetto di essere fra quei folli che cercano di capire comunque i testi anche senza conoscere l'islandese), un attimo dopo cancello questo pensiero. Il trasporto e la capacità narrativa della musica e del cantato sono tali per cui non c'è dubbio che sono intenzionalmente rivolti a chi vuole ascoltarli e comprenderli. Racchiuso nella durata del disco vi è un flusso di coscienza praticamente ininterrotto che attraversa momenti di luce e di ombra, pause esplicitamente oniriche e riflessive così come cavalcate impetuose e liberatorie. Se tastiera ed archi lasciano sospesi in un non-luogo fatto di sogni e rarefatta bellezza, le chitarre e la sezione ritmica ci portano a terra e lasciano che rabbia e paure corrano a rotta di collo su vastissime praterie, fino alla loro stessa dissoluzione e dispersione. Su questa musica che sfugge all'incasellamento entro rigide etichette (e anche per questo acquisisce ulteriore fascino), la voce di Aðalbjörn Tryggvason è ulteriore elemento distintivo e spicca per la sua multiforme natura: calda, graffiante, a volte malinconica, altre volte ruggente, altre ancora quasi epica (come, in alcuni momenti, la musica dalla quale emerge). E se tutte e otto le canzoni sono essenziali per l'album, ed ognuna è davvero al posto giusto al momento giusto, Bláfjall ne è sicuramente l'acme ed il finale perfetto. Un sogno che vale proprio la pena di vivere ed attraversare.
[E.R.]
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Sólstafir - Berdreyminn
(Season of Mist, 2017)

If, as I found out, Berdreyminn means something like "bare dreamer", the sixth album by the Icelandic Sólstafir declares from the title its deeply emotional, personal and introspective nature. But even without knowing the meaning of the title, from the very first listening you are captured by the river (in flood) of the feelings animating and crossing these eight songs. And if I think that the dreamer can reveal himself because his words can be understood by a clear minority of listeners (and I admit to be among those crazy people who try to understand the lyrics anyway even without knowing Icelandic), a moment later I rub out this thought. The transport and the narrative ability of music and vocals are such that there is no doubt that they are intentionally aimed at those who want to listen to them and understand them. Enclosed in the duration of the album there is an almost uninterrupted stream of consciousness that goes through moments of light and shadow, explicitly dreamlike and reflective breaks as well as impetuous and liberating rides. If keyboards and strings are suspended in a non-place made of dreams and rarefied beauty, guitars and the rhythm section bring us to the ground and let anger and fears run at breakneck speed over vast prairies, up to their very dissolution and dispersion. On this music that escapes pigeonholing within rigid labels (and also for this reason it acquires further charm), Aðalbjörn Tryggvason voice is an additional distinctive element and stands out for its multiform nature: warm, scratchy, sometimes melancholic, sometimes roaring, others almost epic (as, in some moments, the music from which it emerges). And if all eight songs are essential for the album, and each one is really in the right place at the right time, Bláfjall is definitely the peak and the perfect ending. A dream that is worth living and going through.
[E.R.]