The Body - I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer.

The Body - I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer.

(Thrill Jockey, 2018)

“I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer.” Dopo aver messo il punto ed aver così concluso la lettera indirizzata alla sorella, Virginia Woolf si suicidò. Con questa premessa, mettere nello stereo un disco che cita fin dal titolo una confessione così intima e drammatica, fa sentire sporchi. Eppure il battito del cuore che si fa largo nel mare di droni e rumori - e sul quale la voce di Chrissy Wolpert recita un toccante poema funebre - mostra quanto la musica dei The Body si getti nel dolore con umanità, senza traccia di voyeurismo morboso. Ben presto diventiamo protagonisti della sofferenza, e non più spettatori. E’ in questo momento che tutta crolla, dentro di noi. Il peso del dolore incrina la lucidità ed è la follia a prendere il sopravvento, risucchiandoci in un vortice patologico, in cui una voce angelica (quella di Kristin Hayter, alias Lingua Ignota) si trasforma in un rantolo spaventoso, e i bassi rimbombano profondissimi su basi elettroniche marziali che richiamano gli incubi dei vecchi Swans e i deliri dei Throbbing Gristle. Per i The Body l’autodistruzione è al tempo stesso disgustosa e magnetica. Ha un potere attrattivo che varca i confini del pensiero razionale. Ed è tanto emotivamente travolgente da annichilire ogni emozione. Una volta entrati nel suo vortice, le forze per uscirne sono sempre più flebili. L’astenia è l’ultimo gradino di questa discesa nell’abisso, e non potevano esistere parole più intense di quelle di Bohumil Hrabal ad accompagnarci.

[R.T.]

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The Body - I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer.

(Thrill Jockey, 2018)

“I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer.” After writing the full stop and thus concluding the letter addressed to her sister, Virginia Woolf committed suicide. With this premise, putting on the stereo a record that from the title mentions such an intimate and dramatic confession makes you feel dirty. Yet the heartbeat that makes its way into the sea of drones and noises - and on which the Chrissy Wolpert voice recites a touching funeral poem - shows how much The Body music throws itself into pain with humanity, without trace of morbid voyeurism. Soon we become protagonists of this suffering, and no longer spectators. It is in this moment that everything collapses, within us. The weight of pain cracks the lucidity and madness prevails, sucking us in a pathological vortex, in which an angelic voice (that of Kristin Hayter, aka Lingua Ignota) turns into a scary rattle, and bassess echoe deeply on martial electronic bases reminiscent of early Swans nightmares and Throbbing Gristle raving. For The Body, self-destruction is both disgusting and magnetic. It has an attractive power that crosses the boundaries of rational thought. And it is so emotionally overwhelming to annihilate every emotion. Once in its vortex, the forces to get out of it are always weaker. Asthenia is the last step of this descent into the abyss, and there could be no more intense words than Bohumil Hrabal ones to accompany us.

[R.T.]

OvO sonorizzano Frankenstein (J. Whale, 1931) - 21.03.2019 - Ex Cinema Aurora (Livorno)

OvO sonorizzano Frankenstein (J. Whale, 1931) - 21.03.2019 - Ex Cinema Aurora (Livorno)

In passato mi era già capitato di assistere alla proiezione di film degli anni '20 e '30 sonorizzati dal vivo. Per lo più si trattava di un trio jazz che faceva da narrazione in musica a pietre miliari dell'espressionismo tedesco.

Quello di stasera però è un evento che va oltre. Infatti la colonna sonora live del Frankenstein di James Whale è affidata ad una vera e propria band, e di quelle che sicuramente lasciano il segno e l'impronta della loro (spiccata) personalità: gli OvO.

Se il film di Whale, del 1931, è narrazione cinematografica di una modernità ed attualità sconcertante, la musica degli OvO è il "canto" post-moderno che spinge ancora più in alto l'asticella dell'espressività e della distorta - ed al tempo stesso centratissima - visionarietà di questa pellicola. Alla crudeltà dei fotogrammi ed del loro nudo racconto, la musica degli OvO aggiunge un carico da 100 di delirio e turbamento. E nelle parti in cui la musica si fa più pesante e distorta, più noise e più marcia (quando il Dr. Frankestein dà vita alla sua creatura durante il temporale e quando il popolino cieco ed inferocito bracca e manda al rogo il "mostro" generato dagli esperimenti del giovane spregiudicato dottore), la fusione fra immagine e suono trova il suo perfetto compimento. Si ha quasi l'impressione di non poter più vedere la pellicola di Whale senza la musica degli OvO.

Abbinamento di immagini e musica perfetto, perfettamente inserito nella cornice dell'Ex Cinema Aurora, che sembrava davvero esserne il naturale palcoscenico, la naturale scenografia di contorno.

[E.R.]

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OvO adding sound to Frankenstein (J. Whale, 1931) - 03.21.2019 - Ex Cinema Aurora (Livorno)

In the past I had already attended to 20s/30s movies with live soundtracks. Mostly it was a jazz trio acting as a narration in music of milestones of German expressionism.

But tonight's one is an event that goes further. In fact the live soundtrack of James Whale's Frankenstein is entrusted to a real band, and of those that surely leave the mark and the sign of their (distinct) personality: OvO.

If Whale's movie (directed in 1931) is a cinematographic narration of a disconcerting modernity and newness, OvO's music is the post-modern "chant" that pushes even higher the bar of expressiveness and of the distorted - and at the time same extremely centered - visionary nature of this film. To the cruelty of the frames and their naked story, OvO's music adds a extra load of delirium and disturbance. And in those parts where music becomes heavier and more distorted, more noisy and more rotten (when Dr. Frankestein gives life to his creature during the storm and when the blind angry rabble hunts and sends to the stake the "monster" generated by the experiments of the young unscrupulous doctor), the fusion between image and sound finds its perfect fulfillment. One almost has the impression of not being able to watch Whale's movie without OvO's music.

Pefect matching of images and music, perfectly inserted in the setting of the Ex Aurora Cinema, which really seemed to be its natural stage, the natural contour scenery.

[E.R.]

Lee Ranaldo - 13.09.2018 - Lumiere (Pisa)

Lee Ranaldo - 13.09.2018 - Lumiere (Pisa)

Immagini, per lo più sgranate. Suoni, per lo più noise e lavorati. Parole, un fiume di frammenti personali. Il risultato? Più di due ore di videoproiezioni, concerto e chiaccherata con un musicista che è parte della storia della musica, che insieme a Kim Gordon, Thurston Moore e Steve Shelley ha fondato un genere musicale seminale, che ha registrato sotto major e ha suonato nelle più grandi arene in tutto il mondo, e - a 60 anni - ti guarda con due occhi enormi da bambino, dal palco di un piccolo storico ex cinema, in una piccola città dello stivale, e ancora ti emoziona e ti sorprende. Perché le canzoni da solista di Lee Ranaldo sono poesie messe in musica. Hanno la bellezza e semplicità delle filastrocche. E al tempo stesso la potenza e la profondità di un background musicale (passato e presente) come pochi altri possono vantare. La modulazione e trasformazione della materia sonora sono impressionanti: con "soltanto" la sua chitarra, gli effetti, l'archetto, le bacchette della batteria, le campanelle tibetane e lo smartphone, Lee Ranaldo riempe tutto il palco e tutta la sala. E' uno, ma potrebbe essere un'intera band. Non manca niente. L'altro elemento che colpisce, è la sua voce. Diversissima da come si è abituati a sentirla negli album dei Sonic Youth, dal vivo - ancor più che su disco - colpisce per la sua pienezza e purezza, per quella nota solo a tratti malinconica, più spesso sognatrice, con cui dà vita ai suoi testi.

Se la scaletta del concerto è tutta incentrata sul suo ultimo album (Electric Trim) - aprendosi con la stupenda Moroccan Mountains e concludendosi con l'altrettanto intensa Thrown over the Wall - la prima e l'ultima parte del set spaziano invece su ciò che Lee Ranaldo è stato e su ciò che potrebbe/vorrebbe essere in futuro. Le video proiezioni si aprono con Glenn Branca (fra i principali motori della no wave newyorkese) e nella loro totalità si concentrano su un'idea, che è commistione di arte e musica, ricerca del rumore e del suono come espressione di uno stato dell'anima, di un sentire che diventa materia tangibile, da vedere ed ascoltare. La chiaccherata verte (inevitabilmente?) sui Sonic Youth, e su cosa hanno rappresentato e rappresentano ancora per Lee Ranaldo. Ma si sofferma anche sulle sue origini come artista visuale (mai abbandonate) e sulle ricerche e attività musicali presenti. Sulla carriera solista e sulla lavorazione del prossimo album. Sembra annullato il confine fra palco e platea. Sembra che potresti continuare ad ascoltarlo - e a parlarci - all'infinito. E forse potrebbe davvero essere così. Di fatto, alla fine di tutto, Lee Ranaldo è nell'ingresso a fare due parole con tutti quelli che vogliono fermarsi un attimo. Autografa libri e scambia battute. Ed invita anche chi ne ha voglia ad accompagnarlo a fare un giro in Piazza dei Miracoli.

Ok, è evidente. Così come sono una grande fan dei Sonic Youth, lo sono altrettanto di Lee Ranaldo. In realtà il mio entusiasmo è frutto della mia sorpresa. Da un musicista come lui ti aspetti sicuramente un bel concerto e una bella performance. Ma quello a cui ho assistito è stato qualcosa di più. E' un po' il sogno "romantico" di chi vorrebbe che un artista fosse ancora un essere umano, pieno di entusiasmo e voglia di sperimentare e comunicare, anche dopo quasi quarant'anni di carriera e dopo il successo mondiale. Questo è quello che è accaduto ieri sera, per me. Ed è un'esperienza davvero rara e preziosa.

[E.R.] 

  

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Lee Ranaldo - 09.13.2018 - Lumiere (Pisa)

Images, mostly grainy. Sounds, mostly noisy and processed. Words, a river of personal fragments. The outcome? More than two hours of video projections, concert and chat with a musician who is part of the history of music, who together with Kim Gordon, Thurston Moore and Steve Shelley founded a seminal music genre, who recorded under majors and played in the biggest arenas all over the world, and - at the age of 60 - looks at you with two huge eyes as a child, from the stage of a small historical former cinema, in a small town of the Italian boot, and still moves you and surprises you. Because Lee Ranaldo's solo songs are poems set to music. They have the beauty and simplicity of nursery rhymes. And at the same time the power and depth of a (past and present) musical background as few others can boast. Modulation and transformation of the sound matter are impressive: with "only" his guitar, the effects, the bow, the drumsticks, the Tibetan bells and the smartphone, Lee Ranaldo fills the whole stage and the whole hall. He is one, but it could be an entire band. Nothing is missing. The other striking element is his voice. Really different from how we are used to hearing it in Sonic Youth albums, live - even more than on record - it is impressive for its fullness and purity, for that only at times melancholic, more often dreamy, note with which he gives life to his lyrics.

If the setlist of the concert is all focused on his latest album (Electric Trim) - opening with the beautiful Moroccan Mountains and ending with the equally intense Thrown over the Wall - the first and the last part of the set range instead from what Lee Ranaldo was to what he could/would like to be in the future. Video projections open with Glenn Branca (among the main driving forces of New York no wave) and in their entirety they focus on an idea, which is a mixture of art and music, research of noise and sound as an expression of a state of the soul, of a feeling that becomes tangible matter, to be seen and heard. The chat is (inevitably?) about Sonic Youth and what they represented and still represent for Lee Ranaldo. But he also dwells on his (never abandoned) origins as a visual artist and on present musical researches and activities. On his solo career and on the making of the next album. The boundary between stage and audience seems to have been canceled. It seems you could continue to listen to him - and talk to him - endlessly. And maybe it could really be like this. Indeed, at the end of it all, Lee Ranaldo is in the hall talking with everyone who wants to stop with him for a moment. He autographs books and makes small chats. And he also invites people to accompany him to Piazza dei Miracoli to see the leaning tower.

Well, it's evident. As I am a big fan of Sonic Youth, so I am of Lee Ranaldo. To be honest, my enthusiasm is the result of my surprise. From a musician like him you surely expect a great concert and a great performance. But what I witnessed was something more. It is a bit like the "romantic" dream of those who would like an artist to be still a human being, full of enthusiasm and desire to experiment and communicate, even after almost forty years of career and after worldwide success. This is what happened last night for me. And it is a truly rare and precious experience.

[E.R.]

Unsane – Sterilize

Unsane – Sterilize

(Southern Lord, 2017)

Se la scena musicale indipendente pare aver perso la spinta sovversiva e destabilizzante degli anni '80 e dei primi anni '90, gli Unsane - anima del lato più efferato del movimento noise rock newyorkese di quell'epoca - ritornano oggi con un disco sporco, infetto, tossico, tutt’altro che sterilizzato. Con canzoni macchiate di sangue, come ai tempi in cui mettevano in musica i bassifondi della metropoli, il trio ci assale con chitarre dagli spigoli rugginosi, nelle quali le corde si tendono ai limiti della dissonanza senza perdere impatto e furia. La voce di Chris Spencer è abrasiva, la sezione ritmica (Dave Curran – Vince Signorelli) è una raffica di colpi nello stomaco. Colpi che non arrivano a sorprenderci, dopo tanti anni di violenza urbana cantati dalla band, ma dai quali è comunque impossibile difendersi, per la loro, immutata, aggressività. Anche se Sterilize è un disco costruito a distanza, con i tre membri sparsi per gli Stati Uniti, continua a possedere l’odore della notte della Grande Mela, e brilla del riflesso che le luci al neon della metropoli proiettano in una pozza di sangue.

[R.T.]

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Unsane – Sterilize

(Southern Lord, 2017)

If the independent music scene seems to have lost the subversive and destabilizing drive of the 80s and early 90s, the Unsane - the soul of the most heinous side of the New York noise rock movement of that time - come back today with a dirty infected toxic album, anything but sterilized. With songs stained with blood, as in the days when they put in music the slums of the metropolis, the trio assaults us with guitars with rusty edges, in which strings tend to the limits of dissonance without losing impact and fury. Chris Spencer voice is abrasive, the rhythm section (Dave Curran - Vince Signorelli) is a spray of gunfire in the stomach. Shots that do not come to surprise us, after so many years of urban violence sung by the band, but from which it is impossible to defend ourselves, due to their unchanged aggression. Although Sterilize is a remote-built record, with the three members scattered across the United States, it still has the nightly smell of the Big Apple, and it shines with the reflection that neon lights of the metropolis project into a pool of blood.

[R.T.]

Fuzz Orchestra - 10.02.2018 - Lumiere (Pisa)

Fuzz Orchestra - 10.02.2018 - Lumiere (Pisa)

Nella serata conclusiva del Festival di Sanremo il nostro Teatro Ariston è l’ex Cinema Lumiere a Pisa. Niente fiori, presentatori o vallette. Qui, per davvero, abbiamo musica italiana, che racconta l’Italia. Non può esistere band migliore della Fuzz Orchestra, per raccontarci il lato oscuro dello stivale (che si annida anche in una tranquilla cittadina di provincia come Pisa, come dimostra la delirante sparatoria del giorno precedente, con la quale un ventenne ha investito gli avventori di un bar, in puro stile poliziottesco). E non c'è palco migliore per la loro musica, se non quello di un ex cinema riadattato a sala da concerti. A maggior ragione se questo locale, nascosto nel cuore della città, ha ospitato per oltre un secolo pellicole d’essai e, per un certo periodo, film porno.

L’approccio della band milanese è crudo ed elegante al tempo stesso, come un film con Gian Maria Volonté, con la criminalità dei bassifondi che si mescola agli intrighi politici dei vertici. Violenza irrazionale e imprevedibile, atmosfera da anni di piombo, riff pesantissimi e quadrati, grondanti fuzz da tutti i coni dell’ampli (splendido il Simms Watts rosso di Luca Ciffo, che pare un tavolo di controllo di 2001: Odissea nello Spazio). Il trio produce una pressione sonora devastante, ma racconta la sua storia nera con classe e raffinatezza (Paolo Mongardi alla batteria è letteralmente ipnotico). Ma soprattutto con grande attenzione nella ricostruzione delle atmosfere, che risultano importanti tanto quanto gli intrecci matematici dei riff  e le bordate sabbathiane, nell'economia del racconto sonoro. I samples gestiti da Fabio Ferrario, che si destreggia tra tastiera, synth, vinili e musicassette, sono fondamentali come la nebbia di Milano Calibro 9 o come lo sguardo beffardo di Giulio Sacchi nell'indimenticabile finale di Milano Odia: la polizia non può sparare.

Con un set con molti pezzi dell'ultimo, splendido, Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi la Fuzz Orchestra ci fa ripiombare in un passato quanto mai attuale. A pochi giorni da elezioni in cui i fronti (neo)fascisti sembrano aver rialzato la testa, non sembra per niente romanzesco il racconto nero scritto dalla band milanese. 

[R.T.]

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Fuzz Orchestra - 02.10.2018 - Lumiere (Pisa)

In the final evening of Festival di Sanremo, our Teatro Ariston is the former Cinema Lumiere in Pisa. No flowers, hosts or TV assistants. Here, for real, we have Italian music, telling Italy. There can be no better band than the Fuzz Orchestra, to tell us about the dark side of our country (a dark side lurking also in a quiet provincial town like Pisa, as evidenced by the delirious shooting of the previous day in pure poliziottesco style). And there can not be a better stage for their music than that of a former cinema adapted to concert hall. Even more so if this place, hidden in the heart of the town, has hosted arthouse films for over a century and, for some time, porn movies.

The approach of the Milanese band is raw and elegant at the same time, like a movie with Gian Maria Volonté, with the crime of the slums mingling with political intrigues. Irrational and unpredictable violence, Years of Lead atmosphere, heavy solid riffs dripping fuzz from all the cones of the amp (gorgeous Luca Ciffo's red Simms Watts, looking like a control table of 2001: A Space Odyssey). The trio produces a devastating sound pressure, yet it tells its black story with class and refinement (Paolo Mongardi on drums is literally hypnotic). But above all paying great attention to the reconstruction of the atmospheres, as much important as the mathematical intertwining of riffs and the Sabbathian boulderish lines, in the structure of the sonic tale. Managed by Fabio Ferrario, who juggles keyboards, synths, vinyls and cassettes, samples are as fundamental as the fog in Milano Calibro 9 or Giulio Sacchi's mocking gaze in the unforgettable final of Milano Odia: la polizia non può sparare.

With a set with many songs from the latest, wonderful, Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi Fuzz Orchestra makes us sink back into a really contemporary past. A few days before elections in which (neo)fascist fronts seem to have raised their heads, the black story written by the Milanese band does not seem novelesque at all.

[R.T.]

The Jesus Lizard - Goat

The Jesus Lizard - Goat

(Touch And Go, 1991)

E' il primo album dei Jesus Lizard di cui entro in possesso. Me lo passa un mio amico al mio primo anno di università. E ne resto assolutamente folgorata. La voce allucinata di David Yow ed i suoi testi deliranti. La chitarra stortissima di Denison e le ritmiche frastagliate e uncinanti di Sims e McNeilly. Quel mix perfetto di post-hardcore e noise che ti prende il cervello e ti rapisce e conduce in un mondo distante e distaccato da tutta la realtà "perfetta", incasellata ed accordata in cui muovi costantemente i tuoi passi. Trenta minuti di suoni e parole che se erano una rivoluzione nel 1991, non hanno perso neppure oggi la loro carica destabilizzante, perché ancora oggi hanno tutto il loro senso ed il luogo d'elezione in quell'underground da cui sono emersi, fatto di un'etichetta come la Touch And Go, di un produttore come Steve Albini e di una scena di musicisti insofferente a restrizioni espressive e di ogni altro tipo. E quando per l'ennesima volta stai ascoltando South Mouth e arriva quella pausa sospesa, storta e dissonante, rotta da quello stonato, riverberato e strascicato "Hey sometimes...", capisci che Goat è e resterà sempre una pietra miliare dei primissimi anni '90 ed un punto costante di riferimento per tanta musica degli anni a seguire.

[E.R.]

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The Jesus Lizard - Goat

(Touch And Go, 1991)

It's the first The Jesus Lizard album I listened to. A friend of mine gave it to me during my first year at university. And it was absolutely astonishing. David Yow hallucinated voice and his delirious lyrics. Denison crooked guitar and Sims-McNeilly jagged hooking rhythms. That perfect mix of post-hardcore and noise that catches your brain and enraptures you and leads you into a distant world, detached from all that "perfect", boxed up and tuned reality in which you constantly move your steps. Thirty minutes of sounds and words that were a revolution in 1991 and that have not lost even today their destabilizing power, because even today they have all their sense and place of election in that underground from which they emerged, made of a label like Touch And Go, a producer like Steve Albini and a scene of musicians intolerant of expressive restrictions and restrictions of any other kind. And when for the umpteenth time you are listening to South Mouth and here it is that suspended, distorted and dissonant pause, broken by that off-key, reverberated and shuffled "Hey sometimes ...", you realize that Goat is and will always be a milestone of the early 90s and a constant reference point for lots of music in the years to follow.

[E.R.]

Zu – 23.11.2017 – Deposito Pontecorvo (Pisa)

Zu – 23.11.2017 – Deposito Pontecorvo (Pisa)

Dopo aver amato tanto intensamente, una cocente delusione brucia come un tradimento ed è umano trasformare l’amore in odio. Una seconda possibilità non la si nega a nessuno, però. Soprattutto agli Zu. Un tempo (2005/2006) gli Zu erano il mio gruppo live per eccellenza e collezionavo i loro concerti come figurine. Il loro math rock pattoniano, ipercinetico e nevrotico, via via sempre più rumoroso e tendente ad un noise incontrollato, dal vivo era trascinante ed esaltante. Dei veri animali da palco, che su disco non riuscivano a trasportare quella furia e quella voglia di spostare i confini sempre un po’ più in là, così tipiche dei loro concerti (almeno fino a Carboniferous, l’unico album che a mio parere riesce a cogliere un barlume di quella creatività dirompente). Poi l’addio di Jacopo Battaglia e lo scioglimento. Nel 2014 la band si riforma con Gabe Serbian dei The Locust alla batteria. Torno a vederli dal vivo, con l’aspettativa di chi esce con la vecchia fidanzata dopo tanti anni. La delusione è enorme. Il trio ha abbandonato ritmo e groove in favore di droni stordenti e ossessivi, noise disturbante, e una batteria gelida (per quanto tecnicamente eccelsa). La ex fidanzata era diventata un cesso.

Stasera vengono a farmi visita a due passi da casa. Non posso non concedere loro una seconda possibilità. A maggior ragione perché alla batteria è subentrato Tomas Järmyr (già visto all’opera una ventina di giorni fa, con i Motorpsycho).

Superato lo shock per i volumi mastodontici (soprattutto del sax) che fagocitano la batteria (almeno per un terzo di concerto), mi ritrovo dentro ad una versione industrial, pesantissima, di Red dei King Crimson. Un muro di suono schiacciante in cui si percepiscono i ritmi dei tempi che furono, anche se ora sono diventati pesantissimi, quadrati e gelidi, e si fanno largo a fatica nel magma sonoro. Tecnicamente straordinario, ma lontano anni luce dalla personalità imprevedibile di Battaglia, il tocco quasi prog metal di Järmyr è perfetta rappresentazione degli Zu attuali. Freddi sperimentatori ai confini della sostenibilità uditiva, e non più incontenibili e tumultuosi artisti da palco di centro sociale, in continuo fermento creativo. Una parte dell'energia impetuosa che me li aveva fatti amare sembra riaffiorata e rimodellata verso la pesantezza più estrema, ma troppo presto si inabissa in un oceano di caos che va al di là delle mie capacità di ascolto.

Quando Massimo Pupillo getta il pubblico in balia di un suo assolo di basso delirante e violentissimo, a volume inumano, si percepisce quanto il noise, quello autentico, sia una sfida ad ogni convenzione armonica posseduta dall’ascoltatore. I timpani sono trapanati da ondate di feedback, e costanti bordoni ultrabassi riempiono ogni spazio. Gli Zu non hanno perso la voglia (e la capacità) di spostare i confini oltre i limiti conosciuti, ma a tratti faccio sinceramente fatica a seguire la direzione da loro tracciata.

La mia ex ragazza si è messa a dieta rispetto all’ultima volta, e anche se mi ha assordito nuovamente, ha recuperato una parte del fascino perduto. Ma è troppo tardi per tornarci insieme. Ormai siamo entrambi due entità troppo diverse, difficilmente conciliabili. Conserverò il ricordo del sudore che abbiamo speso insieme, in quei concerti dei tempi dell’Università, con un filo di nostalgia.

[R.T.]

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 Zu – 11.23.2017 – Deposito Pontecorvo (Pisa)

After such an intense love, a scorching disappointment burns like a betrayal and it is human to turn love into hate. A second chance is not denied to anyone, anyway. Especially to Zu. Once upon a time (2005/2006) Zu were my favourite live band, and user to collect their concerts. Their Pattonian, hyperkinetic and neurotic math rock, gradually louder and louder and tending to an uncontrolled noise, was enthralling and exciting, particularly live. Born musicians, on records they were unable to express that fury and that desire to move the boundaries always a bit further, so typical of their concerts (at least till Carboniferous, in my opinion the only album able to catch a glimpse of that disruptive creativity). Then the farewell of Jacopo Battaglia and the dissolution. In 2014 the band reformed with Gabe Serbian of The Locust on drums. I saw them live once again, with the expectation of who meets his ex girlfriend after so many years. The disappointment is gigantic. The trio has abandoned rhythm and groove in favour of stinging and obsessive drones, disturbing noise, and cold (however technically excellent) drums. The ex girlfriend had become a coyote-ugly.

Tonight they come to visit me a few steps from home. I have to grant them a second chance. Especially because now they have a new drummer: Tomas Järmyr (already seen twenty days ago, with Motorpsycho).

Overcome the shock for mammoth volumes (especially the sax) swallowing drums (at least for a third of the concert), I find myself in an industrial, really heavy, version of Red (King Crimson). A wall of overwhelming sound in which you can perceive the rhythms of the past, even if these have become ultra-heavy, squared and cold, and they push through their way with difficulty in the magma of sound. Technically extraordinary but light years away from Battaglia's unpredictable personality, Järmyr's almost prog metal touch is a perfect representation of the current Zu. Cold experimenters on the borders of auditory sustainability, and no longer uncontrollable and tumultuous undergorund artists, in continuous creative ferment. A part of the impetuous energy that had made me love them now seems resurfaced and reshaped towards the most extreme heaviness, but too soon it sinks into an ocean of chaos that goes beyond my listening skills.

When Massimo Pupillo threw the audience at the mercy of one of his raving and hyperviolent solos, at inhuman volume, we perceive how the noise, the authentic one, is a challenge to every harmonic convention possessed by the listener. Eardrums are drilled by waves of feedbacks, and constant ultra-low drones fill every space. Zu have not lost the desire (and the ability) to move the boundaries beyond the known limits, but at times I sincerely struggle to follow the direction they traced. 

My ex girlfriend had been on a diet since last time, and even though she deafened me once again, she recovered some of the lost charm. But it's too late to come back together. Now we are too different entities, difficult to reconcile. I will keep the memory of the sweat that we spent together in those concerts of my University days, with a touch of nostalgia.

[R.T.]

Fuzz Orchestra - Uccideteli Tutti! Dio Riconoscerà I Suoi

Fuzz Orchestra - Uccideteli Tutti! Dio Riconoscerà I Suoi

(Woodworm, 2016)

"Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi". Se è pur vero che un libro non si giudica dalla copertina, è altrettanto vero che nessun altro titolo poteva cogliere meglio il  contenuto e l'atmosfera del quarto album della Fuzz Orchestra. Un senso di Apocalisse e fatale ineluttabile "dannazione" è ciò che pervade ogni singola nota di queste 8 canzoni del trio milanese. Lasciata (momentaneamente?) da parte la matrice più sociale e politica che animava i precedenti album, l'attenzione adesso è focalizzata su tematiche quasi filosofiche, o comunque di impronta quasi esistenzialista, con uno sguardo rivolto al tempo stesso al singolo individuo ed alla collettività - umanità - in senso ampio. Tutto questo emerge non solo dalla selezione di campionamenti cinematografici (da Todo Modo a Pasqualino Settebellezze, da Il Settimo Sigillo a Dune), ma anche (o soprattutto?) attraverso la musica stessa. Le trame della chitarra fuzz-noise di Luca Ciffo, unite alle (s)visioni del noisepiano di Fabio Ferrario e ai ripetuti, continui, attacchi della batteria metal-industrial di Paolo Mongardi, trascinano l'ascoltatore in un vortice buio, in cui si sofferma - disperso e stranito - a guardare sé stesso attraverso un buco, al tempo stesso spiando di traverso ciò che (o meglio: chi) lo circonda. Fondamentale, per la capacità di amplificare il potere immaginifico e la forza espressiva delle composizioni della Fuzz Orchestra, la collaborazione col compositore Enrico Gabrielli e l'ensemble cameristico degli Esecutori di Metallo su Carta. Le partiture e gli arrangiamenti del primo, nonché l'apporto strumentale dei secondi, non solo contribuiscono al respiro da colonna sonora dell'album, ma riescono perfino a rendere fisico il suono. Ascoltando Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi si ha come l'impressione di essere seduti nell'oscurità di un piccolo cinema, davanti ad un vecchio film (non più) muto, dal quale non si riesce a distogliere lo sguardo. Per me, uno dei dischi dell'anno.

[E.R.]

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Fuzz Orchestra - Uccideteli Tutti! Dio Riconoscerà I Suoi

(Woodworm, 2016)

"Kill them all! God will recognize his sons" (literal translation of the album title). If it is true that you cannot judge a book by its cover, it is also true that no other title could have better pinpoint the content and the atmosphere of Fuzz Orchestra fourth album. A sense of Apocalypse and fatal unavoidable "damnation" is what permeates every single note of these eight songs of the trio from Milan. Set (temporarily?) aside the social and political issues of the previous releases, now attention is focused on almost philosophical themes, or at least with an almost existentialist approach, reflecting on both the individual and the humanity in its broadest meaning. All this emerges not only from the selection of movie samples (from Todo Modo to Pasqualino Settebellezze, from Det sjunde inseglet to Dune), but also (or especially?) through music itself. The weaves of Luca Ciffo fuzz-noise guitar, combined with the visions of Fabio Ferrario noisepiano and the repeated continuous attacks of Paolo Mongardi metal-industrial drums, drag the listener into a dark vortex, in which - lost and bewildered - he lingers to look at himself through a hole, at the same time spying askew what (or rather: who) surrounds him. Essential for its capacity to amplify the imaginative power and the expressive force of Fuzz Orchestra compositions, the collaboration with the composer Enrico Gabrielli and the chamber ensemble Esecutori di Metallo su Carta. The scores and arrangements of the first, and the instrumental contribution of the seconds, not only contribute to the "soundtrack" breath of the album, but they even manage to make its sound physical. Listening to Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi you get the feeling of sitting in the darkness of a small cinema, watching an old (no more) silent movie, from which you cannot look away. To me, one of the best albums of the year.

[E.R.]

Swans + Anna Von Hausswolff - 05.11.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

Swans + Anna Von Hausswolff - 05.11.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

Un concerto degli Swans non è un "semplice" concerto: è "un'esperienza". Di quelle che lasciano il segno. Chi vi ha assistito sa quanto intensa ed estrema possa essere. L'occasione di viverla in teatro è assolutamente imperdibile. E lo è ancora di più se si pensa che la band è già destinata a stravolgere la propria formazione (e probabilmente il proprio stile) alla fine di questo tour, e che si trova alla conclusione di un ciclo - assolutamente straordinario - durato 7 anni.

Ad accogliermi nel Teatro Manzoni di Bologna, è la musica spirituale di Anna Von Hausswolff. La musicista svedese sale sul palco silenziosamente - quasi sommessamente - e prende per mano il pubblico, accompagnandolo in un viaggio attraverso luoghi gelidi e oscuri. Varchi di umanità si aprono però nel flusso cosmico generato dai tappeti di tastiere e synth, dagli arpeggi di chitarra grondanti di echi, nonché dalla sognante slide guitar di Christoph Hahn degli Swans. Questi varchi sono generati dalla calda e potente voce della Von Hausswolff, che sale lungo scale a chiocciola in un percorso che ricorda quello di Lisa Gerrard. Si rimane affascinati e si stenta a comprendere come tale forza luminosa riesca a stare tutta dentro a quella esile musicista, capace di trasformare il Teatro in “un mondo a parte” per tutta la durata del suo set. E dopo gli applausi finali rimane un grande senso di liberazione e pace che pochi artisti riescono ad offrire al proprio pubblico.

Liberazione e pace non appartengono invece a Michael Gira. Nonostante The Glowing Man - l'ultimo album degli Swans - offra qualche raggio di luce - come a voler tracciare un nuovo orizzonte - quello cui assisto dal vivo è pura negatività. L'estasi (annichilente e totalizzante al tempo stesso) che mi aveva sconvolto ed elettrizzato durante il concerto del 2013 si trasforma stasera in tensione, nervosismo e cattive vibrazioni. Le mostruose tempeste soniche che si abbattono sul pubblico stordiscono e spossano. Ogni spazio all'interno del teatro è divorato da volumi mastodontici e da muri di distorsione assolutamente spaventosi. C'è spazio per alcuni passaggi dal groove avvolgente e per ritmi schiaccianti come martellate, ma gran parte delle oltre due ore di concerto sono ingoiate da droni impenetrabili. Per chi è nelle prime file (come me) la massa sonora è davvero impressionante. Per lo più tratte dall'ultimo album, le canzoni sono ancor più dilatate e rumorose che su disco, e vengono alternate a mostruose creature inedite (come un impressionante oceano di distorsione di circa 40 minuti, che apre il concerto), dimostrando quanto Gira sia ancora intenzionato a sperimentare. Il musicista newyorkese è completamente estraniato dalla realtà e ormai è un tutt'uno con la sua musica, completamente rapito dalle onde elettriche che escono come colate laviche dagli amplificatori, e si scaglia a più riprese contro chiunque non riesca a seguire le sue direttive (che probabilmente è convinto di impartire per via telepatica). Oltre a qualche battibecco con i tecnici e con qualcuno del pubblico, se la prende con i suoi musicisti (soprattutto con bassista e batterista). Nonostante questi manipolino suoni e distorsioni con incredibile maestria (senza lo scheletro ritmico imposto dal bassista il flusso sonoro si perderebbe nel caos assoluto, e senza le divagazioni liquide del tastierista non ci sarebbe l'indispensabile imprevedibilità), Gira non pare soddisfatto dall'eccessiva libertà che i suoi musicisti si concedono. Completamente accecato dalla sua musica apocalittica (oltre che dal suo Ego) trasforma il concerto in una continua sfida tra se stesso e il resto del Mondo, utilizzando le distorsioni come vere e proprie armi. Una delle ultime battaglie prima della conclusione di questa formazione a nome Swans. Un'esperienza che lascia spossati ed esterrefatti, mai indifferenti. Genialità e follia. Questo è Michael Gira, prendere o lasciare.

[R.T.]

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Swans + Anna Von Hausswolff - 11.05.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

A Swans concert is not simply a "concert": it is an "experience". One of those experiences that leave their mark. Those ones who attended one of their concerts perfectly know how much intense and extreme it can be. The chance to live it inside a theatre is absolutely unmissable. Even more if one thinks about the fact that the band is going to upset its lineup (and possibly its style) at the end of this tour and that it is at the end of a - definitely amazing - 7 years long cycle.

It is Anna Von Hausswolff spiritual music to welcome me in Teatro Manzoni in Bologna. The Swedish musician gets on stage silently - quietly - and she joins hands with the audience, bringing it into a journey through cold and dark places. Yet gates of humanity opens into the cosmic flow generated by carpets of synths and keyboards, by dripping echoes guitar arpeggios, as well as by Christoph Hahn (Swans) dreamy slide guitar. These gates are generated by Von Hausswolff warm powerful voice, going up spiral staircases along a path reminiscent of Lisa Gerrard one. It is fascinating and it is hard to understand how such a bright force manages to be all inside that minute musician, capable of transforming the Theatre in "a World apart" for the whole duration of her set. And after the final applause there is an incredible sense of deliverance and peace that few artists are able to offer to their audience.

Deliverance and peace do not belong to Micheal Gira instead. Even though The Glowing Man - Swans latest album - offers some ray of light - as if to draw a new horizon - what I see in this live show is pure negativity. The (annihilating and totalizing at the same time) ecstasy that thrilled and upset me during their concert in 2013 tonight turns into tension, nervousness and bad vibes. The monstrous sonic storms striking the audience are stunning and exhausting. Every space in the theater is devoured by gigantic volumes and absolutely appalling walls of distortions. There is space for some captivating groovy phrasings and for hammering rhythms, but the greatest part of the concert is swallowed by impenetrable drones. For those in the first rows (like me!) the sound mass is really impressive. Mostly taken from the latest album, songs are even more dilated and noisy than on recordings and they alternate with monstruous unreleased creatures (as a striking 40 minutes long ocean of distorsions opening the concert), showing how much Gira is still willing to experiment. The New York musician is completely estranged from reality and he is definitely all one with his music, completely enraptured by the electric waves gushing out of the amps as pouring lava, and he  frequently inveighs against anyone who fails to follow his directives (possibly thinking he is imparting them telepathically). Besides quarrels with music engineers and someone in the audience, he also picks on his musicians (especially on drummer and bassist). Even though they handle sounds and distortions with amazing mastery (without the rhythmic skeleton imposed by the bassist the sonic flow would get lost in the absolut chaos, and without the liquid digressions of the keyboard player there would not be the necessary unpredictability), Gira does not seem satisfied by the excessive freedom to which his musicians indulge. Totally blinded by his apocalyptic music (as well as from his Ego), he turns the concert into a continuous challenge between himself and the rest of World, using distortions as veritable weapons. One of the last battles before the end of this lineup under the name Swans. An experience that leaves exhausted and stunned, never indifferent. Genius and madness. This is Michael Gira, take or leave.

[R.T.]

Swans - The Glowing Man

Swans - The Glowing Man

(Young God Records, 2016)

Se un personaggio ambizioso come Michael Gira decide di uccidere (per l’ennesima volta) la sua creatura, non c’è dubbio che prima di tutto abbia già concepito una gloriosa uscita di scena.  Annunciato come ultimo album in studio con la formazione che ha caratterizzato una straordinaria fase della carriera degli Swans durata 7 anni, dal punto di vista concettuale The Glowing Man ricorda infatti la morte programmata imposta da Robert Fripp ai suoi King Crimson. Gira non è però l'esecutore del volere della sua creatura (così come invece si definisce Fripp nei confronti del Re Cremisi): piuttosto, riveste volentieri i panni di medium in grado di “cogliere appena qualcosa di infinito nel suono e nell’esperienza generata da una forza che è sicuramente maggiore di tutti noi messi insieme”. Percepita la necessità di nuova linfa vitale, ha quindi progettato un ultimo album prima di affrancarsi dai suoi settennali compagni di avventura. The Glowing Man è la fase di trapasso. Un viaggio estatico, intriso di energia spirituale, che si riallaccia per struttura ai due dischi precedenti (2 ore di musica, caratterizzata da composizioni complesse, multistratificate e dilatatissime), ma se ne distacca per atmosfera. Meno terreno e carnale dei predecessori – dei quali rielabora alcune idee con nuova sensibilità -, The Glowing Man è etereo e cosmico come il post rock dei Godspeed You!Black Emperor, ma con una visionarietà allucinogena che solo uno sciamano come Gira possiede. Un flusso psichedelico, interrotto solo da alcune ballate di folk apocalittico, che lascia svanire questa straordinaria fase degli Swans verso un’apparente luce di pace e speranza. Immenso.

[R.T.]

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Swans - The Glowing Man

(Young God Records, 2016)

If such an ambitious artist as Michael Gira decides to kill (for the umpteenth time) his own creature, there is no doubt that he has already conceived a glorious departure from the scene. Announced as the last studio album with the line up which characterized the amazing phase of Swans career in these last 7 years, from a conceptual point of view The Glowing Man recalls, indeed, that programmed death imposed by Robert Fripp to his King Crimson. Gira is not, however, the executor of the will of his creature (as well as Fripp defines himself towards the crimson king): he rather plays the role of the medium able to "just barely grasp something of the infinite in the sound and experience generated by a force that is definitely greater than all of us combined".  Felt the need for new lifeblood, he has designed a new album before he breaks free from his seven years fellows. The Glowing Man is the phase of transition. An ecstatic journey, full of spiritual energy, which is linked to the structure of the two previous albums (2 hours of music, characterized by complex multilayered and ultra-dilated songs), but which stands out for atmosphere. Less earthly and carnal than its predecessors - of which elaborates some ideas with new sensibility -, The Glowing Man is ethereal and cosmic as Godspeed You!Black Emperor post rock, but with a hallucinatory visionary approach that only a shaman as Gira owns. A psychedelic stream, interrupted only by some apocalyptic folk ballads, which lets this extraordinary Swans phase step into an apparent light of peace and hope. Stunning.

[R.T.]

Chelsea Wolfe + Hate & Merda – 14.08.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

Chelsea Wolfe + Hate & Merda

14.08.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

Aspetto questo concerto con ansia da diversi di mesi. Mi pare giusto, quindi, che proprio stasera sia una di quelle serate totalmente sbagliate, roba da farti sentire tutta la pesantezza de L’eternità di un’estate terribile. Proprio per questo – e non me ne vogliano le altre due bands (Mars Era e Passed) che avrei davvero ascoltato volentieri! – riesco a concentrarmi soltanto sui live del micidiale duo fiorentino e dell’oscura poetessa/sacerdotessa.

Gli Hate & Merda non risparmiano proprio niente al numeroso pubblico del piccolo teatro all’aperto di Castellina Marittima. La summa de La Capitale del Male e de L’Anno dell’Odio si riversa su tutti i presenti con il suo carico di efferatezza e furia liberatoria. Se una settimana fa erano stati la band con i suoni migliori sul piccolo Benicio’s Stage al Disintegrate Your Ignorance Fest, stasera la potenza della sinergia chitarra/batteria è andata ancora oltre ed il loro suono – ad uno stesso tempo marcio e distillato – è stato davvero un balsamo per le mie orecchie. Chi ancora non li conosce, deve rimediare!

Come è nella natura di ogni maga – fata o strega che sia – Chelsea Wolfe incanta tutti i presenti, e riesce a radunare una quantità di persone attorno al suo palco e alla sua voce, che nemmeno il pifferaio di Hamelin al suono del suo flauto nella fiaba dei fratelli Grimm. Con un set incentrato sul suo ultimo bellissimo album – Abyss – cui sono affidate sia l’apertura sia la chiusura del concerto, la cantautrice californiana – supportata dalla sua band – rapisce con la sua voce onirica e straziante, potente e melodiosa. Se già su disco si ha l’impressione di essere di fronte ad una sorta di traghettatrice di anime verso lidi oscuri e ignoti, dal vivo questa sensazione è amplificata, e pare davvero che Chelsea Wolfe possa condurti – quasi sotto ipnosi – ovunque lei voglia. Suoni e voce perfetti per tutta la durata del concerto, un’unica intensa emozione lunga un’ora e un quarto.

A volte c’è proprio bisogno di purificarsi attraverso la musica. Hate & Merda e Chelsea Wolfe, con le loro spinte contrapposte, sono stati la catarsi di cui avevo bisogno stasera.

[E.R.]

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Chelsea Wolfe + Hate & Merda

08.14.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

I have been waiting several months for this concert. And exactly tonight it is one of those completely wrong nights, one of those that make you feel all the heaviness of L’eternità di un’estate terribile (in English, The Eternity of a terrible Summer). This is the reason why I manage to listen only to the concerts of the killing duo from Florence and of the dark poetess/priestess (and I apologize to the other two bands – Mars Era and Passed – which I would really have liked to listen to!).

Hate & Merda do not spare anything to the large audience of the small open air theatre in Castellina Marittima. The summa of La Capitale del Male and L’Anno dell’Odio flows on all present with its load of brutality and liberating fury. If a week ago they were the band with the best sounds on the small Benicio’s Stage at Disintegrate Your Ignorance Fest, tonight the power of the synergy guitar/drums has gone even beyond and their sound – at the same time rotten and distilled – really was a balm to my ears. Who still does not know them, he must remedy!

As it is proper of the nature of every sorceress – shall she be fairy or witch - Chelsea Wolfe enchants all present and manages to gather around her stage and her voice such a flood of people that would embarrass the piper of Hamelin of the tale by Brothers Grimm. With a set-list focused on her latest amazing album – Abyss – to which are entrusted both the opening and the closing of her concert, the Californian singer-songwriter – supported by her band – fascinates the audience with her dreamlike and heartbreaking, powerful and melodious voice. If on recordings one gets the impression of being in front of a sort of ferrywoman of souls towards obscure and unknown shores, in the live show this feeling is amplified and it really seems that Chelsea Wolfe can lead you – almost hypnotized – wherever she wants. Sounds and voice are flawless for the whole concert: a hour and a quarter single intense emotion.

Sometimes you really need to purify yourself through music. With their opposed forces, Hate & Merda and Chelsea Wolfe were the catharsis I needed tonight.

[E.R.]

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2 – OvO + Bologna Violenta + Slander + Hate & Merda + BRUUNO + Mai Mai Mai – 06.08.2016 – Giavera del Montello (TV)

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

OvO + Bologna Violenta + Slander + Hate & Merda + BRUUNO + Mai Mai Mai

06.08.2016 – Giavera del Montello (TV)

Il Disintegrate Your Ignorance Fest non ha un lato particolarmente luminoso, ma di certo ne ha uno particolarmente oscuro. Si manifesta il secondo giorno di festival, sul Benicio’s Stage, il minuscolo palco dedicato alle sonorità più sperimentali. Dopo la tempesta (in senso letterale!) abbattutasi il giorno precedente, l’area esterna torna ad essere completamente funzionante (sia il palco principale – la Disintegrate Arena - sia quello piccolo) grazie all’incredibile lavoro degli organizzatori dell’evento.

Ore 18:00. Con un sole ancora alto, inizia la performance di Mai Mai Mai. Incappucciato, il musicista calabrese dà vita ad un magma di rumori, suoni ambientali ed elettronica in disfacimento, che con il passare dei minuti assume la forma di ossessive ripetizioni cosmiche. Straniante e oppressivo, il suo è un antipasto dell’energia nera che verrà liberata dalle altre tre bands che suoneranno sul Benicio’s Stage. 

Nell’arena principale si respira un’atmosfera completamente diversa. I BRUUNO propongono un punk-hardcore tirato, ma al tempo stesso melodico, fatto di accordi dissonanti e suoni più bassi e pieni. Il loro è un set più “divertente e divertito” di quelli che caratterizzano il resto della serata, in cui l’impatto delle canzoni è leggermente penalizzato da un volume un po’ troppo alto della voce.

Non c’è alcuna sensazione di divertimento, invece, nella musica evocata dai fiorentini Hate & Merda sul Benicio’s Stage. L’unico piacere provato dal duo incappucciato (condiviso anche dal loro special guest Alessandro Vagnoni) è il sadico violentare chitarra e batteria, generando uno sludge metal sporco, malvagio ed efferato. Muri di suono in puro stile drone si alternano con assalti di devastante post hardcore. E nell’apparente caos i due carnefici controllano il perfetto fluire di continue cascate di dissonanze e feedback. Straordinari.

Dopo la perversione sonora di questo duo, l’hardcore sporcato di metal degli Slander (sul palco della Disintegrate Arena) è paradossalmente musica per pulirsi le orecchie. Poderosi e possenti, in 20 minuti sparano dritta in faccia una furia classicamente hardcore, senza disdegnare una forza non lontana dal metal di matrice southern di Pantera e Down.

Un altro duo delizia i palati perversi del pubblico dell’angolo sperimentale: i Bologna Violenta. La loro passione per gli angoli più neri della cronaca italiana e per quelli più grotteschi e aberranti del cinema di genere “alla Mondo movie maniera” si manifesta in melodie cinematografiche destrutturate in devastanti frammenti grindcore. Il martello pneumatico della batteria di Alessandro Vagnoni è perfetto complemento della follia compositiva – nonché della direzione d’orchestra – di Nicola Manzan. Con una scaletta incentrata sull’ultimo splendido album (Discordia), l’impatto sonoro dei Bologna Violenta è ancora una volta assolutamente travolgente e destabilizzante. 

Davanti al Benicio’s Stage si raduna infine una folla numerosa per l’ultimo duo: gli OvO. La partenza è più soffusa e velata rispetto a quella del devastante concerto a Prato di qualche mese fa, ma non per questo meno disturbante. I rantoli della voce e gli stridori della chitarra di Stefania Pedretti si sfibrano negli spazi costruiti dalle ritmiche essenziali di Bruno Dorella, e circa a metà concerto si inizia ad assaporare appieno la malignità e la depravazione della loro musica, grazie a suoni e volumi tagliati su misura per loro e capaci di erigere quel muro di suono che in parte era mancato all’inizio.

Gli OvO sono il gran finale di una giornata dedicata ai suoni meno ortodossi e maggiormente devianti dell’underground italiano. Proprio per questo il loro show rappresenta per noi l’ultimo atto di questo festival. Mentre sul palco principale si inseguono le rime hip hop di DSA Commando e Kaos One & DJ Craim, ci rifugiamo in quello che il giorno precedente era stato il palco dei Converge, e che ora è diventato “sala ristorante”, per mangiarci una pizza e godere della bella atmosfera che si respira tra i partecipanti. Atmosfera che - oltre alla qualità della musica - è stata l’arma in più di questo splendido festival. 

[E.R. + R.T.]

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Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

OvO + Bologna Violenta + Slander + Hate & Merda + BRUUNO + Mai Mai Mai

08.06.2016 – Giavera del Montello (TV)

Disintegrate Your Ignorance Fest hasn’t got a particularly bright side, yet for sure it has got a particularly dark one. This side reveals itself on the second day of festival, on Benicio’s Stage - the tiny stage dedicated to the most experimental sounds. After the storm of the previous day, the outdoor area becomes fully functional (both the main stage - the Disintegrate Arena - and the small one) thanks to the incredible work of the event organizers.

It’s 6:00 p.m. The sun is still high in the sky and Mai Mai Mai begins his performance. Hooded, the Calabrian musician creates a magma of noises, ambient sounds and electronic in decay, that with every passing minute takes the form of cosmic obsessive repetitions. Alienating and oppressive, his show is a sort of appetizer of the black energy that will be freed from the other three bands that will be playing on Benicio's Stage.

In the main arena the atmosphere is completely different. BRUUNO play a groovy – at the same time melodic – punk-hardcore, made of dissonant chords and lower full sounds. Their set is a more "funny and amused" of those characterizing the rest of the evening, with the impact of their songs slightly penalized by a bit too high volume of the voice.

On the contrary, there is no feeling of fun in the music evoked by Hate & Merda (from Florence) on Benicio's Stage. The only pleasure experienced by the hooded duo (also shared by their special guest Alessandro Vagnoni) is the sadistic raping of guitar and drums, creating a dirty, wicked and brutal sludge metal. Walls of sound in pure drone style alternate with devastating post hardcore assaults. And in the apparent chaos the two executioners control the perfect flow of continuous falls of dissonances and feedbacks. Amazing.

After the sonic perversion of this duo, Slander metal-veined hardcore (on the stage of the Disintegrate Arena) is paradoxically music to clean the ears. Powerful and mighty, in only 20 minutes they shoot straight in the face of the listener a classically hardcore fury, without disdaining a strength not far from Pantera and Down southern metal.

Another duo delights the perverse palate of the experimental angle audience: Bologna Violenta. Their passion for the blackest corners of Italian chronicles and for the most grotesque aberrant side of "à la Mondo movie" cinema manifests itself in sort of film melodies destabilized by devastating grindcore fragments. The jackhammer of Alessandro Vagnoni drums is the perfect complement to Nicola Manzan compositional madness – as well as to his orchestral conduction. With a set list focused on the latest superb album (Discordia), Bologna Violenta sonic impact is once again absolutely overwhelming and destabilizing.

Finally a huge crowd gathers in front of the Benicio’s Stage for the last duo: OvO. Their attack is more suffused and veiled than that of their devastating concert in Prato a few months ago, but no less disturbing. Stefania Pedretti gasps of voice and howls of guitar wear themselves out through the spaces built by Bruno Dorella essential rhythms. At about half concert we start to fully experience the malice and depravity of their music, through sounds and volumes tailored to them and capable of erecting the wall of sound partly lacking at the beginning of their show.

OvO are the grand finale of a day dedicated to the less orthodox and more deviant sounds of the Italian underground. Precisely for this reason their show is for us the last act of this festival. While on the main stage DSA Commando e Kaos One & DJ Craim perform their hip hop rhymes, we go into what was Converge stage the day before and now has become a “dining room”, to have a pizza and continue to enjoy the beautiful atmosphere among the participants. Indeed, in addition to the quality of the music, the great atmosphere was the secret weapon of this wonderful festival.

[E.R. + R.T.]