The Warlocks + The Stevenson Ranch Davidians – 24.08.2019 - Privatclub (Berlino)

The Warlocks + The Stevenson Ranch Davidians – 24.08.2019 - Privatclub (Berlino)

Tende rosse sul palco, luci soffuse, e una band che suona un rock psichedelico delicato e sognante. Così ci accoglie il piccolo Privatclub. Sarò suggestionato da questa città, eppure sembra proprio di essere nella scena de Il Cielo sopra Berlino, quando il protagonista si ritrova ad un concerto di Nick Cave.

La band che ci dà il benvenuto è la Stevenson Ranch Davidians, che ci accoglie con una slide guitar che liquefà gli accenni brit pop delle melodie. In poco più di mezz’ora rimango affascinato dalle atmosfere create dalla band californiana, che ondeggia tra melodie cantilenanti alla Verve e distorti sogni shoegaze. Forse siamo nei titoli di coda del più recente Twin Peaks, più che nel film di Wim Wenders.

La conferma sembrano darcela i Warlocks, con il loro inizio di concerto. Non ci sono gli spigoli rumorosi di From Her to Eternity nell’attacco della band di Bobby Hecksher, che inizia con un garage pop psichedelico che sa di caramella colorata di fine anni '60. Ma il dolce sapore della caramella diventa sempre più aspro mano a mano che questa si scioglie, e i colori diventano sempre più accecanti. Le tre chitarre sollevano un muro di suono che trova perfettamente casa in questa città. Un muro con i colori dell’arcobaleno, ma con schegge di cemento armato arrugginito che lo trafiggono ovunque. Una musica che raccoglie e sintetizza le contraddizioni di melodia e rumore, proprio come questa città. E, come essa, rapisce.

[R.T.]

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The Warlocks + The Stevenson Ranch Davidians – 08.24.2019 - Privatclub (Berlino)

Red curtains on the stage, dim lights, and a band playing a delicate dreamy psychedelic rock. Thus the small Privatclub welcomes us. I may be influenced by this city, yet it seems to be in the scene of Der Himmel über Berlin, when the protagonist finds himself at a Nick Cave concert.

The Stevenson Ranch Davidians are the band welcoming us with a slide guitar liquefying the brit pop hints of their melodies. In just over half an hour I remain fascinated by the atmosphere created by the Californian band, which sways between Verve-like sing-songing melodies and distorted shoegaze dreams. Perhaps we are in the end credits of the latest Twin Peaks, rather than in the Wim Wenders movie.

With the first part of their set, The Warlocks seem to confirm this feeling. There are no noisy edges typical of From Her to Eternity in the Bobby Hecksher's band attack. They start with a psychedelic pop garage that tastes like a late 60s colorful candy. But the sweet taste of this candy becomes more and more bitter as it melts, while the colors become increasingly blinding. The three guitars raise a wall of sound that perfectly finds its home in this city. A wall with the colors of the rainbow, yet with rusty concrete splinters that pierce it everywhere. A music that collects and summarizes the contradictions of melody and noise, just like this city does. And, like this city, it kidnaps you.

[R.T.]

Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

(Anti-, 2018)

Fissare il Sole troppo a lungo può bruciare le retine. I Deafheaven hanno da sempre sfidato i raggi accecanti, filtrando la luce diretta con una nuvola di nebbia stordente e rifrangendola poi attraverso strati di ghiaccio norvegese. La loro musica è una gelida giornata invernale, limpida e abbagliante, in grado di regalare piccoli lampi di tepore sotto i raggi diretti del Sole, ma capace di trasformarsi velocemente in una tempesta di neve. Proprio questa ambivalenza ha reso i Deafheaven una creatura unica nel panorama della musica alternativa, in continuo equilibrio tra black metal, post hardcore, post rock e shoegaze, e di conseguenza una delle più amate / odiate. Con il quarto album la nebbia si dirada e il ghiaccio si scioglie, come nel giorno in cui l’inverno sfocia nella primavera. Ordinary Corrupt Human Love è l’equinozio, l’attimo in cui le sfuriate di gelido vento del nord si trasformano in brezza pronta a trasportare il polline della rinascita. Una metamorfosi accolta con un senso di fiducia e speranza, sotto lo sguardo del Sole. La band di San Francisco racconta l’ordinarietà di un amore attraverso continue citazioni letterarie (lo stesso titolo dell’album è tratto da Fine di una Storia di Graham Greene) e una musica stratificata e complessa, talvolta perfino barocca. L’iniziale You Without End, ad esempio, è un affresco luminoso che ricorda molto da vicino l’apertura di pianoforte di Mellon Collie and the Infinite Sadness. Ma è solo l’inizio, perchè il sentimentalismo enfatico dei migliori Smashing Pumpkins avvolgerà anche le sfuriate più violente. Ogni amore nasconde precari equilibri sul ciglio dell’ossessione e della nevrosi, e quello raccontato dai Deafheaven non è da meno. Nella ricerca della pace si nasconde una continua inquietudine, così come le acide e schizofreniche urla di George Clarke si nascondono tra lampi di estasi e soffusa serenità. Fissare il Sole troppo a lungo, alla continua ricerca di calore, può davvero bruciare la nostra vista, e nutrire l’ossessione che cresce nella nostra anima.

[R.T.]

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Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love

(Anti-, 2018)

Staring at the Sun too long can burn retinas. Deafheaven have always challenged the blinding rays, filtering direct light with a cloud of stunning fog and then refracting it through layers of Norwegian ice. Their music is a cold, clear and dazzling winter day, able to release small flashes of warmth under the direct rays of the Sun, but able to quickly turn itself into a snowstorm. Precisely this ambivalence has made Deafheaven a unique creature in the panorama of alternative music, in constant balance between black metal, post hardcore, post rock and shoegaze, and consequently one of the most loved/hated. With the fourth album the fog clears and the ice melts, as on the day when winter flows into spring. Ordinary Corrupt Human Love is the equinox, the moment when the blasts of freezing northern wind turn into a breeze ready to carry the pollen of rebirth. A metamorphosis welcomed with a sense of trust and hope, under the gaze of the Sun. The San Francisco band recounts the ordinariness of a love through continuous literary quotations (also the title of the album is taken from Graham Greene's End of a Story) and a stratified, complex music, sometimes even baroque. The initial You Without End, for example, is a bright fresco that closely resembles the piano opening of Mellon Collie and the Infinite Sadness. But it is only the beginning, because the emphatic sentimentality of the best Smashing Pumpkins will also envelop the most violent outbursts. Every love hides precarious balances on the edge of obsession and neurosis, and the one told by Deafheaven is no exception. In the search for peace there is a continuous restlessness, as well as George Clarke's acid and schizophrenic screams are hidden between flashes of ecstasy and soft serenity. Staring at the Sun too long, in the constant search for heat, can really burn our sight, and nourish the obsession that grows in our soul.

[R.T.]

My Bloody Valentine - Loveless

My Bloody Valentine - Loveless

(Creation Records, Sire, Warner Bros. Records, 1991)

Rumori come interruzioni del linguaggio musicale. Disturbante ribellione contro le melodie accettate. Rumori come medium psichedelico per un viaggio estatico nella nostra mente, lontano dalla realtà. Anche nel pop rock, il noise ha avuto intenzioni sovversive. Il movimento shoegaze ha rovesciato questa concezione e creato un ossimoro. Un matrimonio indissolubile di armonia e dissonanza. I rumori non sono mai stati così piacevoli, dolci e delicati prima della pubblicazione di Loveless. Un'onda caotica di feedback di chitarra genera un avvolgente muro di suono che deforma la struttura delle canzoni come in un nastro danneggiato. Il risultato? Romantico come il ricordo della nostra adolescenza. La musica dei My Bloody Valentine (figlia della reinterpretazione del post-punk dei The Jesus and Mary Chain) non stordisce, disturba o provoca mai: il suo intento è stimolare il lato femminile del rock alternativo.

[R.T.]

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My Bloody Valentine - Loveless

(Creation Records, Sire, Warner Bros. Records, 1991)

Noises as interruptions of musical language. Disturbing defiance against accepted melodies. Noises as psychedelic medium to ecstatic trip into our mind, far away from reality. Even in pop rock, noise had got subversive intentions. Shoegaze movement overturned this conception and created an oxymoron. An indissoluble marriage of harmony and dissonance. Noises had never been so pleasant, sweet and delicate before the release of Loveless. A chaotic wave of guitar feedbacks generates an enveloping wall of sound that deforms the shape of songs as in a damaged tape. The outcome? Romantic as the remembrance of our adolescence. My Bloody Valentine music (daughter of The Jesus and Mary Chain reinterpretation of post-punk) never stuns, disturbs or provokes: its intent is to arouse the feminine side of alternative rock.

[R.T.]

Ride - Nowhere

Ride - Nowhere

(Sire, Creation Records, Reprise Records, 1990)

Nowhere è un luogo fluttuante su di un'onda in oscillante movimento fra rumore e melodia. Figlio dell'uso della dissonanza della psichedelia sessantiana e delle atmosfere romantiche del post punk ottantiano, Nowhere è un lecca-lecca intriso di rumori. La dicotomia dei Jesus and Mary Chain fra disturbante devianza e pura dolcezza è qui sintetizzata in uno space pop delicato. Dinamica e al tempo stesso stordente, la musica dei Ride non è così nebbiosa come quella dei My Bloody Valentine, nononstante gli evidenti punti di contatto. La marea dei liquidi effetti della chitarra si innalza e si abbassa avvolgendo delicate melodie, senza mai affogarle o deformarle in un impenetrabile muro di suono come invece accade nella musica della band irlandese. Nowhere è un album di noise rock come quelli dei Sonic Youth o dei Dinosaur Jr.: ciò che lo rende unico è la sua sensibilità europea, sempre concentrata sulle melodie e sulle atmosfere.

[R.T.]

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Ride - Nowhere

(Sire, Creation Records, Reprise Records, 1990)

Nowhere is a place floating on a wave, in undulant movement between noise and melody. Son of 60s psychedelic use of dissonance and 80s post punk romantic atmospheres, Nowhere is a psychedelic lollipop drenched in noises. The Jesus and Mary Chain dichotomy between disturbing deviance and pure sweetness is here synthesized  in a delicate space pop. Dynamic but dazing too, Ride music is not so hazy as My Bloody Valentine one, despite the evident similarity with it. The tide of liquid guitar effects rises and goes down wrapping delicate melodies, never drowning or deforming them in an impenetrable wall of sound, as in the Irish band music. Nowhere is a noise rock album as Sonic Youth or Dinosaur Jr. ones: what makes it unique is its European sensibility, always focused on melodies and atmospheres.

[R.T.]

Russian Circles + Cloakroom - 03.03.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Russian Circles + Cloakroom - 03.03.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Potenti. Giganteschi. Catartici. Se ad aprile scorso il trio di Chicago mi aveva colpito per la potenza mostrata dai loro pezzi nella dimensione live e per come i tre musicisti si ergevano come giganti sul palco dell'Electric Ballroom, questa volta c'è un terzo valore aggiunto nel loro concerto: un'emotività davvero rara, davvero catartica.

Ad introdurre la serata i Cloakroom, con il loro post rock intriso di shoegaze. Interessanti ed efficaci in un alcuni brani ed in un alcuni passaggi contraddistinti da crescendo ed aperture distorte, il trio dell'Indiana tende ad adagiarsi un po' troppo sugli stilemi del genere di riferimento e a volte perde quel mordente e quella capacità di fascinazione che sono invece il punto di forza dei grandi nomi del post rock. 

Poi Russian Circles. E per un'ora e mezzo si è catturati e monopolizzati dalla loro opera rock. Non è solo la loro musica ad essere senza parole, anche i 3 musicisti non proferiscono una sola sillaba e sono assolutamente concentrati - e centrati - nella loro musica, un tutt'uno con i loro strumenti. Il muro di suono è imponente e il passaggio da un pezzo all'altro avviene quasi senza soluzione di continuità. La scaletta è ampia e varia, e i brani del loro ultimo album - Guidance - risuonano in tutta la loro bellezza, confermando quella che per me è una produzione tutta in ascesa. La sezione ritmica è sostanzialmente perfetta, basso e batteria lavorano con una sinergia invidiabile, passandosi costantemente - ed abilmente - il ruolo di motore della band. La chitarra di Mike Sullivan è la voce narrante, che indossa i panni di tutti i protagonisti del racconto, dando voce ad ognuno di loro. Se su disco affascinano, dal vivo i Russian Circles ammaliano e stordiscono. Provare per credere! 

[E.R.]

   

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Russian Circles + Cloakroom - 03.03.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Powerful. Gigantic. Cathartic. If last year in April, the trio from Chicago impressed me for the power shown by their songs in live performances and the way the three musicians stood like giants on the stage of the Electric Ballroom, this time there is a third added value in their concert: a really rare - really cathartic - emotionalism.

Cloakroom to introduce the evening the, with their shoegaze-soaked post rock. Interesting and effective in some tracks and in a few passages characterized by crescendo and distorted openings, the Indiana trio tends to recline a bit too much on the stylistic features of the genre of reference and sometimes it loses the mordant and the capacity of fascination that are instead the strength of the big names of post rock.

Then Russian Circles. And for an hour and a half the listener is captured and monopolized by their rock opera. It is not just their music to be speechless, even the three musicians did not utter a single syllable and they are absolutely focused - and intent - in their music, all in one with their instruments. The wall of sound is impressive and the transition from one piece to another takes place almost seamlessly. The setlist is wide and varied, and songs from their latest album - Guidance - resonate in all their beauty, confirming what for me is a production all on the rise. The rhythm section is substantially perfect, bass and drums work with an enviable synergy, constantly - and skillfully - swaping the role of the band engine. Mike Sullivan guitar is the narrator, who takes on the role of all the protagonists of the story, giving voice to each of them. If they fascinate on recordings, in concerts Russian Circles stun and bewitch. Seeing is believing!

[E.R.]

True Widow - Avvolgere

True Widow - Avvolgere

(Relapse Records, 2016)

Nel bel mezzo di quel coca-party che sono stati gli anni 80, alcuni sfigati sono rimasti (per loro volontà) fuori dalla festa yuppie. La loro attitudine stanca, disillusa, annoiata, si opponeva (passivamente) all'energia strabordante di quegli anni, e aveva per colonna sonora l'autocompiaciuta debolezza delle band indipendenti americane, Dinosaur Jr in testa. Sono passati trent'anni da quella festa, e i postumi degli eccessi senza freni di quell'epoca sono sotto gli occhi di tutti. Una band come i True Widow, musicalmente ispirata alla spossatezza del rock indipendente di quegli anni, possiede però una mentalità diversa da quella dei suoi fratelli maggiori. Infatti non ha neanche più la forza per deridere le conseguenze sociali dell’apparente stato di benessere. Il trio texano è immerso fino al collo nei postumi degradanti del colossale dopo-sbronza. In contrapposizione alle melodie agrodolci, di impronta shoegaze, i suoni grevi e cavernosi delle chitarre slabbrate sono fango che impantana e rallenta i movimenti. I brani si trascinano pesanti, narcolettici e nebbiosi, senza però mai perdere immediatezza melodica e un pizzico di romanticismo malinconico. Perdenti - e fieri di esserlo! - i True Widow si inseriscono in quel percorso tracciato qualche anno fa dagli Jesu più melodici, recentemente intrapreso anche dai Pinkish Black. Un percorso in cui ogni spiraglio di luce è in precario equilibrio tra muri di distorsioni, e non possiede l'energia per allontanarsene.

[R.T.]

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True Widow - Avvolgere

(Relapse Records, 2016)

In the midst of that coca-party represented by the 80s, some losers were (for their own will) out of the yuppie party. Their tired disillusioned bored attitude, was (passively) opposing the overflowing energy of those years and it had the complacent weakness of American indie bands (Dinosaur Jr in the lead) as its own soundtrack. Thirty years have passed since that party, and the hangovers of the wild excesses of that era are plain for everyone. Musically inspired by the exhaustion of the independent rock of those years, however True Widow has got a different mentality from that of its older brothers. Indeed it does not even have anymore the strength to mock the social consequences of the apparent state of well-being. The Texan trio is immersed up to its neck in the degrading aftermath of a colossal hangover. In contrast to the bittersweet melodies of shoegaze taste, the heavy cavernous sounds of ragged guitars are mud which bogs and slows down all movements. Songs drag on heavy, narcoleptic and foggy, yet they never lose melodic immediacy and a hint of melancholy romance. Losers - and proud of it! - True Widow fit into that path traced a few years ago by the most melodic Jesu, also recently undertaken by Pinkish Black. A path where every glimmer of light is in precarious balance among walls of distortion, and does not have the energy to depart from it.

[R.T.]