Cynic - Focus

Cynic - Focus

(Roadrunner Records, 1993)

In Florida, all'inizio degli anni '90, nel bel mezzo dell'esplosione del death metal, una band di ragazzini provò a scomporre il death metal e a ricostituirlo in un'entità liquida e mutevole. Chuck Schuldiner rimase affascinato da questi ragazzi e decise di coinvolgere due di loro nella costruzione di Human, capolavoro del progressive death metal. Poi, nel 1993, i Cynic pubblicarono il loro album d'esordio, un incredibile balzo in avanti per l'intera scena metal, ovviamente rimasto incompreso a quell'epoca. Focus è un album progressive rock nella sua più genuina essenza. Oltre ogni convenzione, Focus esplora dimensioni spirituali con originalità, sia dal punto di vista della musica sia dal punto di vista dei testi. La struttura delle canzoni è contorta e cerebrale, le melodie fluide e emozionanti, gli assoli incredibili, con il loro gusto jazz fusion. La musica frattale dei King Crimson è qui rinata in forma metal.

[R.T.]

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Cynic - Focus

(Roadrunner Records, 1993)

In Florida, at the beginning of the 90s, in the middle of death metal explosion, a teenage band tried to deconstruct death metal and to reform it in a liquid  and changing entity.  Chuck Schuldiner was fascinated by these guys, and he decided to involve two of them in the construction of Human, a masterpiece of progressive death metal. Then, in 1993, Cynic published their debut album, an incredible step forward for the entire metal scene, obviously misunderstood at that time.  Focus is a progressive rock album, in its most genuine exence. Beyond every convention, Focus explores spiritual dimensions with originality, both in lyrical and in musical aspects. Songs structure is cerebral and twisted, melodies are fluid and emotional, and solos are amazing, with their jazz fusion taste. King Crimson’s fractal music was here reborn in a metal form. 

[R.T.]

Bloodbath – The Arrow of Satan is Drawn

Bloodbath – The Arrow of Satan is Drawn

(Peaceville, 2018)

Il tempo ha reso giustizia a quel suono che proveniva dalla foresta tenebrosa del primo disco degli Entombed. Il suono di una sostanza densa e appiccicosa che cadeva nell’abisso creando echi in grado di risvegliare Cthulhu. Grezzo, sporco, viscerale, ottenuto semplicemente con un distorsore della Boss (l’HM2) spinto al massimo. Dopo anni in cui quel suono è stato rinnegato da gran parte dei musicisti metal, alla ricerca della distorsione più compressa e quadrata possibile, lui è tornato dalle viscere della Terra. Ma non basta quel magico suono che sa di fango e budella in putrefazione a rendere grande un disco death metal. E’ necessario che chi lo utilizza componga riff in grado di risvegliare i morti e di farli camminare in mezzo a noi. Magari qualcuno che sappia colorare la carneficina di nere melodie. Insomma, c'è bisogno di Anders Nyström. Un chitarrista che alla furia old school e alle atmosfere da splatter horror anni '80 riesce ad abbinare una sensibilità gotica, per quanto questa appaia ad un primo ascolto nascosta in fondo ad un lago di sangue. Grazie anche al latrato di Nick Holmes dei Paradise Lost, i Bloodbath (dei quali fanno parte anche l’altro Katatonia Jonas Renkse e il batterista degli Opeth Martin Axenrot) superano la somma che ci aspetteremmo dalle singole parti, almeno per quanto riguarda Katatonia e Opeth degli ultimi album (non certo dai Paradise Lost, ancora grandiosi!). Merito dell’HM2, che ha saputo risvegliare il Cthulhu che si annida in questi vecchi metallari.

[R.T.]

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Bloodbath – The Arrow of Satan is Drawn

(Peaceville, 2018)

Time has done justice to that sound coming from the dark forest of the first Entombed record. The sound of a dense sticky substance that used to fall into the abyss creating echoes capable of awakening Cthulhu. Rough, dirty, visceral, simply obtained with the distortion of the Boss (the HM2) pushed to its maximum level. After years in which that sound was disowned by most metal musicians, in search of the most compressed and square distortion possible, it came back from the bowels of the Earth. But to make a death metal record great that magical sound smelling of mud and rotting guts it is not enough. It is necessary that those ones using it compose riffs that can awaken the dead and make them walk among us. Maybe someone who knows how to colour the carnage of black melodies. In short, we need Anders Nyström. A guitarist who manages to combine a gothic sensibility with the old school fury and the 80s horror splatter atmospheres, even if at a first hearing it appears hidden at the bottom of a lake of blood. Thanks also to Nick Holmes (Paradise Lost) bark, Bloodbath - which also include Jonas Renkse (Katatonia ) and the drummer Martin Axenrot (Opeth) - exceed the sum that we would expect from the individual parts, at least as regards Katatonia and Opeth of the last albums (certainly not the still amazing Paradise Lost!). Thanks to the HM2, able to awaken that Cthulhu lurking in these old metalheads.

[R.T.]

Behemoth - I Loved You at Your Darkest

Behemoth – I Loved You at Your Darkest

(Nuclear Blast, 2018)

La Polonia è uno dei baluardi della religione cattolica, che in questa nazione ha un peso specifico elevatissimo sia in ambito sociale che politico. Non poteva esserci terreno più fertile di questo per la nascita e lo sviluppo dei Behemoth, band tra le più esplicite nel manifestare la propria reazione al potere della Chiesa. Per far questo il leader del gruppo (Adam Michał “Nergal” Darski) si è avvalso delle stesse armi del suo “nemico”, cioè un tentativo di evangelizzazione costante e crescente del suo pubblico. L’indottrinamento si avvale di un’approfondita operazione di propaganda nonché di cerimonie teatrali - cosa che, per alcuni, ha reso i Behemoth tanto odiosi quanto la Chiesa da loro combattuta. Il confine tra Paradiso e Inferno è quanto mai labile nella musica della band, e spesso i due regni antitetici si sovrappongono. Basta ascoltare l’ultimo disco, I Loved You at Your Darkest, per rendersi conto che la loro è la proposta di una spiritualità alternativa, e non una semplice lotta a quella cristiana. Teatrale e ricca di pathos tanto nelle sfuriate più violente quanto nelle dissonanze più disturbanti, la musica dei Behemoth è una liturgia che sembra attraversare le tenebre alla ricerca della luce. Nel coro dei bambini che introduce il disco (sorta di Another Brick in the Wall in chiave metal) siamo di fronte a voci bianche che sputano nero profondo. Un nero nel quale Nergal ci invita ad entrare, per assistere ad una cerimonia religiosa che si dimostrerà un vero e proprio viaggio spirituale. Saremo battezzati nell’acqua sporca di fango, per poi affrontare gli abissi del black metal in tempesta (Wolves ov Siberia) e i luoghi misteriosi del metal gotico (Bartzabel), fino alla crocifissione degli idoli e alla presa di coscienza della nostra libertà (We Are the Next 1000 Years). L’iconografia e la liturgia cattoliche sono ribaltate in una cerimonia grandiosa, ricca di cori e arrangiamenti complessi, alla fine della quale si può soltanto essere credenti o atei. Non esistono vie di mezzo. 

[R.T.]

Behemoth – I Loved You at Your Darkest

(Nuclear Blast, 2018)

Poland is one of the bastions of the Catholic religion, which in this nation has a very high specific weight from both a social and a political point of view. There could be no more fertile ground than this for the birth and development of Behemoth, one of the most explicit bands in expressing their reaction to the power of the Church. To do this, their leader (Adam Michał "Nergal" Darski) has used the same weapons as his "enemy", namely a constantly and growing attempt to evangelize his audience. The boundary between Heaven and Hell is so evanescent in the band's music, and often the two antithetical kingdoms overlap. Listening to the latest album, I Loved You at Your Darkest, you can realize that theirs is the proposal of an alternative spirituality, and not a simple fight against the Christian one. Theatrical and full of pathos both in the most violent outbursts and in the most disturbing dissonances, Behemoth music is a liturgy that seems to cross the darkness in search of light. In the children's chorus introducing the album (sort of Another Brick in the Wall in metal key) we are faced with white voices that spit deep black. A black into which Nergal invites us to enter, to attend a religious ceremony that will prove to be a real spiritual journey. We will be baptized in the muddy water, and then we will face the abysses of the stormy black metal (Wolves ov Siberia) and the mysterious places of the gothic metal (Bartzabel), until the crucifixion of the idols and the awareness of our freedom (We Are the Next 1000 Years). Catholic iconography and liturgy are overturned in a grand ceremony, full of choruses and complex arrangements, at the end of which one can only be a believer or an atheist. There is no middle way.

[R.T.]

Sepultura - Arise

Sepultura - Arise

(Roadrunner Records, 1991)

Arise è il punto di equilibrio nella carriera dei Sepultura. Apice delle sonorità death/thrash metal, è anche il punto d'inizio di una profonda ricerca dei ritmi e delle atmosfere tribali brasiliane. Il risultato è un capolavoro, cattivo come il thrash metal degli Slayer, fangoso come il death metal degli Obituary, sporco come il crust punk degli Amebix, "spirituale" come un oscuro rito tribale. L'etichetta Roadrunner aveva grandi aspettive, perciò l'album fu registrato al Morrisound Recording di Tampa (prima volta che i Sepultura registrarono un album al di fuori del Brasile), uno degli epicentri della rivoluzione death metal. Arise contribuì alla rivoluzione con un suono innovativo, distante da quelli americano, inglese e svedese. Arise è polveroso come le mani che scavano nella terra, in cerca di radici, lontane da una superficie dominata da visioni apocalittiche. Un atto di rivolta contro una realtà ingiusta e violenta.

[R.T.]

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Sepultura - Arise

(Roadrunner Records, 1991)

Arise is the point of equilibrium in Sepultura career. Highest peak of death/thrash metal sounds of the band, it is also the beginning of a deep research of Brazilian tribal atmospheres and rhythms. The result is a masterpiece, evil as Slayer thrash metal, muddy as Obituary death metal, dirty as Amebix crust punk, "spiritual" as a dark tribal rite. Roadrunner label had big expectations, therefore the album was recorded at Morrisound Recording in Tampa (first time Sepultura recorded an album outside Brazil), one of the epicenters of death metal revolution. Arise contributed to the revolution with an innovative sound, far from American, English and Swedish ones.  Arise is dusty as hands digging in the earth, in search of roots, far from a surface dominated by apocalyptic visions. A riot act against an unfair and violent reality.

[R.T.]

Death - Human

Death - Human

(Relativity, 1991)

Punto di svolta della musica estrema, Human viene pubblicato nel momento in cui il death metal sta emergendo dai confini dell'underground. Ancora una volta la strada intrapresa da Schuldiner è un passo avanti a quella di chiunque altro. Devastanti muri di suono, violente esplosioni di rabbia e atmosfere malate non sono lo scopo bensì gli strumenti per esprimere l'esistenzialismo di Schuldiner. La musica è contorta e cerebrale, come le domande sulla condizione umana espresse dal growl del cantante. Masvidal, Di Giorgio e Reinert contribuiscono a modellare un capolavoro di progressive metal come dimostra l'esperienza psichedelica della strumentale Cosmic Sea, abisso dell'album. Gli assalti frontali dei Death sono interiorizzati attraverso una sofferenza lacerante, essendo diretti alla stessa sorgente che li genera.

[R.T.]

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Death - Human

(Relativity, 1991)

Turning point of extreme music, Human is released while death metal was exceeding underground borders. Once again, the way undertaken by Schuldiner is a step beyond everyone else’s. Devastating walls of sounds, violent rage explosions and sick atmospheres are not the purpose but the means to express Schuldiner’s existentialism. The music is contorted and cerebral, as questions about human condition expressed by the growl of the singer. Masvidal, Di Giorgio and Reinert contribute to mould a progressive metal masterpiece, as demonstrated in psychedelic experience of instrumental Cosmic Sea, the abyss of the album. Death frontal assaults are interiorized through a lacerating suffering, as they are directed to the same source that generates them.

[R.T.]

Paradise Lost – The Plague Within

Paradise Lost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

La fonte dell’eterna giovinezza. I Paradise Lost ne hanno bevuto l'acqua, ritrovando il loro paradiso perduto. Tornati gradualmente già da alcuni anni sul sentiero del death/doom degli esordi, i padri del gothic metal ritornano di colpo ad essere degli adolescenti dalla forza incontenibile con un disco massiccio e muscoloso come The Plague Within. E' però innegabile che le tante esperienze accumulate in più di un quarto di secolo di carriera non sono certo andate perdute. La sensibilità per le melodie romantiche non svanisce dietro ai riff mastodontici, così come la voce pulita di Nick Holmes non è sopraffatta dal suo growl rabbioso - che qui torna protagonista come non accadeva da anni. Mai, però, i Paradise Lost avevano suonato così diretti e impetuosi. La mente matura, in un corpo giovane e forte, genera un disco con lo sguardo rivolto in avanti, mai nostalgicamente ancorato al passato. Dal primo (esaltante!) riff di No Hope In Sight all'epico e tragico crescendo di Return to the Sun, passando per l'oppressivo e funereo incedere di Beneath Broken Earth o per quello devastante di Flesh from Bones, ogni canzone scorre come un fiume - emotivo - in piena, travolgendo qualsiasi cosa incontri lungo il suo percorso. I momenti di riflessione si annidano negli intrecci romantici disegnati dai fraseggi delle due chitarre, ma anche gli istanti più meditativi possiedono una forza e una determinazione che mai ci si aspetterebbe da musicisti da così tanti anni sulla scena. Una rinascita, sotto una veste che è indubbiamente tra le più affascinanti mai indossate dalla band.

[R.T.]

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ParadiseLost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

The fountain of eternal youth. Paradise Lost drunk its water, recovering their lost paradise. Gradually back to the path of their death/doom beginnings, gothic metal fathers suddenly come back to their adolescence with unmanageable strength thanks to a massive muscular album like The Plague Within. But it is undeniable that the many experiences collected in more than a quarter of a century of career are certainly not lost. Sensitivity for romantic melodies does not fade behind mastodontic riffs, just as Nick Holmes clean voice is not overwhelmed by his angry growl - which here comes back protagonist as it has not been for years. Though Paradise Lost had never been so direct and impetuous. In a young and strong body, the mature mind creates an album which looks forward and is never nostalgically anchored to the past. From the first (exciting!) riff of No Hope In Sight to the epic and tragic crescendo of Return to the Sun, through the oppressive and funereal pace of Beneath Broken Earth or the devastating one of Flesh from Bones, each song runs like an overflowing - emotional - river, swamping everything it finds along its path. Moments of reflection nest in the romantic interweavings drawn by the phrasings of the two guitars, but even the most meditative moments have got a strength and determination that would never be expected by musicians for so many years on the scene. A rebirth, under a dress that is undoubtedly one of the most fascinating ever worn by the band.

[R.T.]

Paradise Lost - Medusa

Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Pietrificati. Lo sguardo paralizzante di Medusa s'incarna nei riff pesantissimi e opprimenti del quindicesimo album dei Paradise Lost, e ci immobilizza con ritmi rallentati e distorsioni mastodontiche. Uno sguardo magnetico e nichilista che ci pone di fronte alla deprimente realtà di un universo privo di significato. Fedele ai suoi ideali romantici, la band di Halifax lotta per non incrociare lo sguardo della Gorgone (talvolta appoggiandosi ad antiche divinità pagane, altre volte attraverso una strenua tensione verso l'assoluto), ma il tentativo è destinato a fallire (d'altronde, è una band fedele ai suoi ideali doom). Greg Mackintosh e soci mettono in musica questo scontro titanico tra impotenza cosmica e desiderio di liberazione attraverso l'irrazionale con il disco più estremo da loro mai concepito, un ritorno alle origini death/doom metal in cui convivono sfinimento angosciante e potenza travolgente. Da una parte atmosfere sepolcrali, riff schiaccianti, fraseggi malinconici e growl proveniente dall'Aldilà, dall'altra un'impetuosa energia vitale. Dopo la rinascita, avvenuta attraverso The Plague Within (2015), i Paradise Lost chiudono un cerchio, tornando alle atmosfere dei primi anni '90, ma con una forza e un impeto che sono figli del presente.

[R.T.]

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Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Petrified. Medusa's paralyzing gaze becomes flesh in the heavy oppressive riffs of Paradise Lost fifteenth album, and immobilises us with slow rhythms and mastodontic distortions. A magnetic and nihilistic look lettings us face the depressing reality of a meaningless universe. True to his romantic ideals, the band from Halifax struggles not to cross the Gorgon's gaze (sometimes relying on ancient pagan gods, sometimes through a dogged tension towards the absolute), but the attempt is destined to fail (after all, it is a band faithful to its doom ideals). Greg Mackintosh & co put into music this titanic clash between cosmic impotence and desire for deliverance through the irrational with the most extreme album they ever conceived, a return to the death/doom metal origins where distressing exhaustion and overwhelming power coexist. On the one hand, burial atmospheres, overwhelming riffs, melancholy phrasings and growl coming from the afterworls, on the other a immense vital energy. After the rebirth, through The Plague Within (2015), Paradise Lost close a circle, returning to the atmosphere of the early 90s, yet with a strenght and passion that are sons of the present.

[R.T.]

Death - Spiritual Healing

Death - Spiritual Healing

(Combat, 1990)

Solitamente nell'heavy metal l'evoluzione non viene compresa. Spesso viene considerata come un tradimento. L'abbandono della ribellione adolescenziale è un peccato mortale, ed il diventare adulti è considerato come un modo per essere identici alla società prima criticata. Spiritual Healing - uno degli album più importanti nell'evoluzione dei Death - è ovviamente il più sottovalutato. Non così grezzo come Leprosy, abbandona la tematica horror e la violenza viscerale in favore di una ricerca melodica più sottile, con crescente complessità nella struttura delle canzoni. Gli assoli oscuri di James Murphy arricchiscono canzoni funeree caratterizzate dai cambi di tempo e da una moltitudine di riff, come una versione death metal di ...And Justice for All. Il risultato non è ancora così fluente, originale e "progressivo" come sarà in seguito Human, e così Spiritual Healing non viene compreso neppure dai fan dei Death, incapaci di comprendere il valore storico di un grande album come questo: una pietra miliare nella crescita musicale dei Death, nonostante qualche piccola imperfezione.

[R.T.]

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Death - Spiritual Healing

(Combat, 1990)

In heavy metal, evolution is usually misunderstood. It is often considered as a betrayal. Abandoning teenage rebellion is a mortal sin, and becoming adult is considered as a way to be identical to the society once criticized. Spiritual Healing - one of the most important album in Death evolution - is obviously the most underrated. Not so rough as Leprosy, it abandons horror thematic and visceral violence for a more subtle melodic research, with increasing complexity in songs structure. James Murphy murky solos enrich funereal songs characterized by tempo changes and a lot of riffs, as a death metal version of …And Justice for All. The result is not yet so fluent, original and “progressive” as Human will then be, and so Spiritual Healing is not understood even by Death fans who don’t realize the historical value of a great album such this: a milestone in Death musical growth, despite some minor imperfections.

[R.T.]

Obituary - Cause of Death

Obituary - Cause of Death

(Roadrunner Records, 1990)

Il gorgoglio inumano di John Tardy è l’essenza del death metal primordiale. Grezzo, bestiale, scioccante e divertente come un film splatter degli anni 80. Cristallina, fluida, melodica, tecnicamente ineccepibile e capace di disegnare atmosfere lugubri con fantasia, la chitarra solista di James Murphy è invece l’anima dell'evoluzione del genere nell’immediato futuro. Con l’innesto di Murphy (appena uscito dai Death) gli Obituary arricchiscono la mostruosa pesantezza delle loro canzoni con una profondità atmosferica ed una capacità evocativa che renderà Cause of Death (loro secondo album) un capitolo fondamentale nel libro di storia del metal.  Aiutata dal lavoro di Scott Burns in studio, la band di Tampa, gonfia le proprie distorsioni fino ad inghiottire ogni spazio, dimostrando quanto la musica estrema possa ancora esser definita tale pur rallentando il metronomo. Non che manchino gli uragani a tutta velocità, ma spesso i riff - asfissianti e oppressivi - si schiantano lentissimi a terra, impattando in una doppia cassa tonante. Le chitarre, appiccicose, sono come sabbie mobili (di melma), e i rantoli di Tardy sembrano provenire dalle profondità di una grotta umida e buia. La cover di Cyrcle of the Tyrants dei Celtic Frost è la ciliegina sulla torta. Una torta vomitata da un gruppo di ventenni che aveva fatto indigestione di film gore. Meravigliosamente orripilante.

[R.T.]

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Obituary - Cause of Death

(Roadrunner Records, 1990)

John Tardy's inhuman gurgling is the essence of primordial death metal. Crude, bestial, shocking and funny as a 80s splatter film. Crystalline, fluent, melodic, technically exemplary and capable of drawing misty atmospheres, James Murphy's solo guitar is the soul of the evolution of the genre in the immediate future. With Murphy's insertion (he had just left Death), Obituary enriches the monstrous heaviness of their songs with an atmospheric depth and evocative ability that will make Cause of Death (their second album) a key chapter in the book of the history of metal. Helped by the work of Scott Burns in the studio, the Tampa band swells up its distortion until it swallows up every space, proving how extreme music can still be defined as such while slowing down the metronome. There is no shortage of hurricanes at full speed, but often riffs - asphyxiating and oppressive - crash down on the ground, impacting on a thundering double bass drum. Sticky guitars are like moving sands (of mud), and Tardy rattles seem to come from the depths of a damp dark cave. The cover of Celtic Frost Circle of the Tyrants is the icing on the cake. A cake barfed by a bunch of guys who had indigestion of gore movies. Wonderfully spine-chilling.

[R.T.]

Entombed - Left Hand Path

Entombed - Left Hand Path

(Earache, 1990)

Rabbia adolescenziale, il desiderio di scioccare e una gran voglia di divertirsi. Con questi presupposti, nella seconda metà degli anni '80, a Stoccolma, nacque una piccola ma creativa scena. Band di teenagers come i Nihilist ed i Carnage iniziarono a suonare musica pesante con attitudine hardcore. La loro musica rimase underground, ma gettò le fondamenta di un suono innovativo. Gli Entombed (nati dalle ceneri dei Nihilist) pubblicarono il loro album d'esordio nel 1990, portando a maturazione le idee dell'intera scena. Left Hand Path è un macigno fangoso dominato da uno strano suono di chitarra saturo di frequenze medie, un album di death metal sporco e grasso, soffocante e oppressivo come una storia di Lovecraft, spaventoso e divertente come un b-movie horror. Melodie cupe (perfettamente rappresentate dallo splendido artwork), visioni splatter e violenza adolescenziale.

[R.T.]

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Entombed - Left Hand Path

(Earache, 1990)

Teenage rage, the wish to shock and a great will of having fun. With these assumptions, in the second half of the 80’s, in Stockholm, a small but creative scene was born. Teenage band like Nihilist and Carnage started to play heavy music with hardcore attitude. Their music remained underground, but it layed the foundations of an innovative sound. Entombed (arisen from Nihilist ashes) published their debut in 1990, maturing the ideas of the entire scene. Left Hand Path is a sludgy boulder dominated by a strange guitar sound full of medium frequencies, a dirty and fat death metal album, suffocating and oppressive as a Lovecraft story, frightening and funny as an horror b-movie. Grim melodies (perfectly represented by the wonderful artwork), splatter visions and teenage violence.

[R.T.]

Inter Arma - Paradise Gallows

Inter Arma - Paradise Gallows

(Relapse Records, 2016)

Mi ci vedo proprio a fare l'insegnante di storia dell'arte, o di letteratura, portando Paradise Gallows come esempio di Opera del Romanticismo ottocentesco. Soprattutto immagino la faccia degli studenti, di fronte alle bordate pesantissime dei riff, ai ritmi ossessivi e annichilenti, al growl primordiale...tutta roba che ricorda più i Morbid Angel di Domination che una corrente artistica "classica". Eppure, per quanto estroso, penso questo paragone non sia esageratamente folle. Infatti, fin dai primi minuti del brano di apertura, attraverso un fraseggio di chitarre sdoppiate che pare l’intro di un disco degli Iron Maiden, gli Inter Arma suggeriscono una diversa sensibilità rispetto al metal estremo di riferimento. Da quei 2 minuti di musica, che ben presto si trasformano in uno sludge metal devastante, si percepisce ciò che la copertina di Orion Landau esplicita splendidamente.

Mare in tempesta. Una nave alla deriva, prossima allo schianto su una scogliera rocciosa. Impiccato all’albero maestro, il capitano pare osservare la disfatta con gli occhi fissi sul Sole - basso sull’orizzonte, a colorare il cielo. Ipnotica attrazione che l’uomo - ormai sconfitto - prova nei confronti dell’energia primordiale e incontenibile della Natura. Un’energia che musicalmente prende la forma libera e incontrollabile di canzoni dalla struttura progressiva, e che fluisce in tutte le direzioni immaginabili (grazie anche ad un batterista agile e dinamico, per quanto violentissimo), con una forza sovrumana (chitarre gigantesche e un cantante il cui grugnito è modellato da un oceano di echi e riverberi). Gli Inter Arma hanno concepito un disco carico di tensione verso l'assoluto, rappresentando l'Apocalisse come unica via di annichilimento e fuga dalla realtà, sorta di passaggio psichedelico verso un'altra dimensione. Nel far questo, la band si distacca dalla strada tracciata da molti gruppi post metal, indicando una via personale in cui la visceralità del metal estremo e la ricercatezza melodica del rock progressivo convivono e si completano l'un l'altra. 

La maggior parte degli studenti mi farebbe allontanare dall'insegnamento, lo so. Purtroppo non esistono più i ragazzini metallari di una volta, i quali si sarebbero esaltati ad ascoltare 70 minuti di violenza sonora. Per fortuna esistono ancora musicisti come gli Inter Arma, che utilizzano tale violenza inaudita con una sensibilità degna di un'Opera d'Arte.

[R.T.]

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Inter Arma - Paradise Gallows

(Relapse Records, 2016)

I see myself as a teacher of art history or literature, bringing Paradise Gallows as an example of the 19th Century Romanticism. Above all I imagine the faces of the students, face to face with ultra-heavy riffs, obsessive annihilating rhythms, primordial growl ... all stuff reminding Morbid Angel at the times of Domination more than a "classical" artistic current. Yet, however extravagant, I think this comparison is not overly crazy. Indeed, from the first minutes of the opening song, through a split-guitars phrasing reminiscent of the intro of an Iron Maiden album, Inter Arma suggest a sensibility other than the extreme metal to which they refer to. From those 2 minutes of music, soon transforming into a devastating metal sludge, one perceives what the cover of Orion Landau beautifully explicates.

Stormy sea. A ship adrift, near the crash on a rocky cliff. Hanging on the master tree, the captain seems to observe the defeat with his eyes fixed on the Sun - low on the horizon, colouring the sky. That hypnotic attraction that a man - now defeated - proves towards the primordial and incontinable energy of Nature. An energy that musically takes the free and uncontrollable form of songs with a progressive structure, flowing in all imaginable directions (thanks to a dynamic, though violent, drummer) with superhuman strength (gigantic guitars and a singer whose grunts are shaped by an ocean of echoes and reverbs). Inter Arma conceived an album full with tension to the absolute, representing the Apocalypse as the only way to annihilate and escape from reality, sort of psychedelic passage to another dimension. This way, the band resigns from the road drawn by many post metal bands, pointing to a personal path where extreme metal viscerality and melodic progressive rock coexist and complement each other. 

Most students would make me turn away from teaching, I know. Unfortunately, there are no more metalhead kids as before, excited to listen to 70 minutes of sound violence. Fortunately there are still musicians like Inter Arma, who use that shocking violence with a sensitivity worthy of a Work of Art.

[R.T.]

Black Breath - Slaves Beyond Death

Black Breath - Slaves Beyond Death

(Southern Lord, 2015)

Prima istruzione per l’uso: suonare il vinile di Slaves Beyond Death a 45 giri, altrimenti vi sembrerà di ascoltare un disco sludge anzichè uno death metal. Seconda istruzione per l’uso: non stupirsi se, ascoltata a 45 giri, questa musica evidenzi quanto lo sludge metal attuale abbia imparato dal death metal delle origini. D'altra parte si sta parlando di death metal old school, grezzo e primitivo, in cui i riff tritaossa si confrontano con rallentamenti cavernosi la cui profondità è amplificata dalle accordature ribassate. Le ritmiche sostenute, spesso devastanti, talvolta diventano pesantissime martellate. Le melodie, incastonate tra le mura di fangose distorsioni, sono dissonanti e putride. Insieme alla voce gutturale, questi sono tutti tratti distintivi del primo death metal, prima che questo si sviluppasse verso la precisione chirurgica e le ambizioni progressive e melodiche (reinterpretate dai Black Breath nella conclusiva Chains of the Afterlife, un dissonante e acido brano strumentale che mostra quanto la band si capace di rendere viscerali anche gli aspetti più maestosi del genere). Prodotto da Kurt Ballou dei Converge, il terzo album della band di Seattle è uno straordinario ritorno alle origini, una rilettura delle opere prime di Obituary, Death ed Entombed alla luce dell'uragano sludge degli ultimi anni. Un disco che possiede tutte le potenzialità per rimanere nel tempo, come i capolavori dei suoi padri ispiratori.

[R.T.]

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Black Breath - Slaves Beyond Death

(Southern Lord, 2015)

First instruction for use: play Slaves Beyond Death vinyl at 45 rpm, otherwise you would have the impression of listening to a sludge album instead of a death metal one. Second instruction for use: do not be surprised if listening to this music at 45 rpm it would be evident how much sludge metal have learned from the very first death metal. After all we are talking about old school death metal, something raw and primitive in which bones-grinding riffs face cavernous slowdowns whose depth is amplified by lowered tuning. Fast, often devastating, rhythmics sometimes turn into ultra-heavy hammer blows. Embedded within the walls of muddy distortions, melodies sound dissonant and putrid. Together with the throaty guttural voice, all these are distinctive features of the early death metal before it directed itself towards surgical precision and prog melodic ambitions (these last reinterpreted by Black Breath in the final Chains of the Afterlife – a dissonant acid instrumental track showing how much this band is able to make visceral even the most majestic side of the genre). Produced by Kurt Ballou (Converge), the third full-lenght of this Seattle band is an extraordinary return to the origins, a reinterpretation of the early works by Obituary, Death and Entombed in the light of the sludge hurricane of these last years. An album with all the potential to last over time, as the masterpieces of its inspiring fathers.

[R.T.]

Nero di Marte + Juggernaut – 14.05.2016 – Freakout Club (Bologna)

Nero di Marte + Juggernaut – 14.05.2016 – Freakout Club (Bologna)

Con la sua reinterpretazione in chiave post-apocalittica del death metal progressivo più ricercato, Derivae mi aveva da subito conquistata. E quindi non vedevo l’ora di sentire i Nero di Marte in concerto per poter cogliere la bellezza della loro musica anche dal vivo. Sfumata la possibilità di sentirli insieme ai Gorguts in quel di Brescia, il concerto in programma al Freakout Club di Bologna era quindi per me una tappa obbligata!

Il Freakout è uno di quei piccoli locali molto intimi e dall’aspetto molto lo-fi (e veramente underground poiché si trova praticamente sotto un cavalcavia) che hanno un posto speciale nel mio cuore. Soprattutto quando, come in questo caso, hanno anche il merito di valorizzare le band sul palco facendole uscire al meglio, con suoni e potenza davvero notevoli.

Gli opener Juggernaut sono per me una grande rivelazione. Ammetto che li conoscevo più di nome che di fatto...inevitabile il "mea culpa" per questa lacuna, visto quanto la band romana mi ha colpito dal vivo. E non solo per la gran botta che usciva dalle casse, rendendo immediati e travolgenti i loro pezzi così articolati e complessi. O per i suoni di tutti gli strumenti, molto ricercati e ottimamente calibrati. È la loro musica ad avermi intrigata più di ogni altra cosa. Radici prog metal che si insinuano in trame post hardcore e si frammentano in ritmiche fra jazz e bossa nova. L’onda d’urto dello sludge. La potenza visiva, da colonna sonora, di un cinema italiano di altri tempi (vedi Elio Petri e certi poliziotteschi). Il tutto concentrato in soli 40 minuti di live. Può sembrare incredibile ed ingigantito, ma le impressioni e sensazioni suscitate dal loro concerto sono state davvero queste!

Si cambiano suoni, si aggiunge una voce dal profondo, e mi ritrovo immersa nei Nero di Marte. Anche loro tecnicamente ineccepibili, mi affascinano soprattutto per la mostruosa batteria – che è una vera e propria macchina da guerra di precisione chirurgica – e il cantato di Sean Worrell – sempre dilaniato, urlato e potente dalla prima all’ultima nota. Death metal che pesca anche nel mare del post hardcore e a tratti dello sludge unito ad una ricerca di sonorità e soluzioni che mi porta alla mente i Cynic e i Gorguts, il quartetto bolognese si conferma anche dal vivo una delle più interessanti realtà metal del panorama italiano (e non solo!). Dalle tonalità più trattenute e “introverse”, anche la nuova produzione – presentata per la prima volta in questo concerto – convince e lascia pregustare un nuovo album che sarà l’evoluzione dei due precedenti.

Abbinata particolare - e particolarmente riuscita - di due band italiane che fanno della ricerca e sperimentazione musicale e sonora la loro stella polare. 

[E.R.]

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Nero di Marte + Juggernaut – 05.14.2016 – Freakout Club (Bologna)

With its post-apocalyptic reinterpretation of the most peculiar progressive death metal, Derivae got a place in my heart from the very first listening. So I could not wait to attend to a Nero di Marte concert, to seize the beauty of their music in a live show. Lost the chance to listen to them with Gorguts in Brescia, their show at the Freakout Club in Bologna became compulsory to me! 

Freakout is one of those small venues with a lo-fi and very cozy appearance (and really underground, being almost underneath an overpass) that have got a special appeal to me. Especially when they highlight the value of the bands on stage thanks to outstanding sounds and impact. 

Opener Juggernaut are a great revelation. I have to admit that I knew their name more than their music…so I also have to admit that I blamed my self for this lack! The band from Roma really impressed me a lot. Not only for the incredible energy flowing out of the amps, making their complex songs immediate and overwhelming. Not only for the sounds of all the instruments, extremely refined and wonderfully balanced. What fascinates me above any other thing is their music. Prog metal roots insinuate themselves into post hardcore weaves and get fragmented into jazz and bossa nova rhythms. The shock wave of sludge. The soundtrack visual taste of the Italian cinema of some decades ago (see Elio Petri and a certain “poliziottesco”). The whole in only 40 minutes. It may seems incredible or exaggerated, yet these are the real impressions and feelings their concert aroused in me.

   

Sounds change, there is a voice from the depths of somewhere, and I find myself immersed in Nero di Marte. Technically flawless, they fascinate me especially for the amazing drums – a war machine with surgical precision – and Sean Worrel vocals – always wracked, screamed and extremely powerful from the first to the last note. Death metal that fishes into the sea of post hardcore and – at times – of sludge, combined with a research of sounds and musical solutions that reminds me of Cynic and Gorguts, the live of the quartet from Bologna confirms them as one of the most interesting Italian (and not only!) metal bands. With more “restrained” and introverted tones, even the new stuff – presented for the first time in this concert – hits the target and lets foretaste a new album which could be the evolution of the two forerunners.

Peculiar – and particularly successful – union of two Italian bands that have their North Star in musical and sound research and experimentation. 

[E.R.]

Novembre + Shores of Null + Black Therapy – 09.04.2016 (Traffic Club – Roma)

    

 

Novembre + Shores of Null + Black Therapy – 09.04.2016 (Traffic Club – Roma)

L’evento è imperdibile: i Novembre, che tornano sui palchi dopo quasi un decennio, nella loro Roma, presentando l’appena uscito URSA. Ed in più suonano gli Shores of Null, il cui debut album ha girato vorticosamente nel mio lettore durante l’ultimo anno e mezzo, e che ancora non ero riuscita a sentire live.

La serata la aprono però i Black Therapy. Romani pure loro, ci portano fin da subito sui lidi delle sonorità che caratterizzano questa serata. Il loro death metal melodico è un ottimo preludio alle altre due band: le umbratili atmosfere dei brani, con i loro assoli malinconici, sono rese taglienti dagli sferzanti riff delle chitarre e dal graffiante growl di Giuseppe Massimiliano di Giorgio. La scaletta propone anche nuovi pezzi (ancora inediti), ma la chiusura del loro set è affidata una riuscitissima e stravolta cover di Mad World dei Tears for Fears. Vista la giovane età della band e la grinta sprigionata sul palco, la speranza è quella di risentirne parlare presto.

Gli Shores of Null partono subito alla grande con tre brani da Quiescence, ma il loro concerto è anche l’occasione per presentare le nuove canzoni – già registrate, ma non ancora pubblicate – scritte per il secondo disco. Il fascino e la potenza dei pezzi già noti acquistano ancora maggiore spessore e profondità sentiti giù dal palco. I nuovi ti fanno capire che il secondo album sarà il degno erede del suo predecessore. È una vera e propria onda sonora che avvolge e trasporta l’ascoltatore. La particolarità del background non esclusivamente metal dei componenti del gruppo – ben evidente anche su disco – dal vivo risulta un quid pluris che aggiunge al tempo stesso pesantezza e atmosfera alla loro musica. La duttilità della voce di Davide Straccione, che alterna con naturalezza un growl profondo ed espressivo ad un pulito dalle linee mai banali, è senz’altro un altro asso nella manica della band. Non resta che attendere il prossimo live… e l’uscita del nuovo album.

Quando ormai il Traffic è pieno zeppo – ed in effetti l’evento è sold out – salgono infine sul palco i tanto attesi Novembre. La prima novità è sicuramente vedere Carmelo Orlando senza la chitarra in mano, concentrato solo sul cantato. E la sua voce infatti esce decisamente bene, colma della sua componente emozionale - sia nelle lamentose e dolenti parti pulite, sia nel growl - regalando una prestazione decisamente migliore rispetto ad alcuni live del passato, risultando più vicina alla bellezza delle registrazioni su disco. Pezzi classici e stupendi, come Nostalgia Platz e Sirens in Filth, si alternano alle nuove canzoni ed il risultato è un mosaico armonico di passato e presente, in cui il pubblico sembra davvero applaudire con calore sia i vecchi che i nuovi Novembre. La chitarra del veterano Pagliuso incanta con le sue melodie sempre ricercate e le sonorità oniriche, e nel complesso anche i nuovi arrivati fratelli Ferilli (chitarra e batteria) assieme al bassista Fraschini riescono a stare al passo con i due storici Novembre. Certo devo ammettere che la mancanza di Giuseppe Orlando alle pelli un pò si avverte, e di sicuro il compito di sostituire i due fratelli Orlando alla chitarra e alla batteria non è né dei più semplici, né dei più grati. Forse, anche per questo motivo, a volte si perde un po’ quella fluidità e compattezza tipica dei gruppi rodati e affiatati da anni di sala prove e tour. Il concerto di stasera è comunque coinvolgente ed emozionante come quelli della vecchia formazione, e non ha assolutamente il sapore di un amarcord sbiadito ed impolverato. Ed emozionato appare anche Carmelo Orlando, di nuovo a contatto con il suo pubblico, di nuovo sul palco con la sua musica. URSA è un importante ritorno sulla scena dopo anni di silenzio ed incertezze sul futuro della band: questo live ci dice e conferma che i Novembre sono tornati carichi di nuova linfa vitale. 

[E.R.]

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Novembre + Shores of Null + Black Therapy – 04.09.2016 (Traffic Club – Roma)

The event is one of those that can not be missed: Novembre, on the stage again after almost a decade, in their home town Rome, performing the new released URSA. Furthermore Shores of Null are going to play tonight: I have almost consumed their debut album in the last year and half, but I have not yet been able to listen to them live.

The evening is opened by Black Therapy. They are from Rome as well, and they immediately bring us on the shores of those sounds which are going to characterize this night. Their melodic death metal is a great prelude to the following two bands: with their melancholic solos, the shadowy atmospheres of their songs are made sharp by the stinging riffs of the guitars and the scratching growl of Giuseppe Massimiliano di Giorgio. In the set list there are also new songs (still unreleased), but the end of their show is a really successful and revolutionized cover of Tears for Fears Mad World. Given the youth of the band and the oomph unleashed on stage, the hope is that we are going to hear about them soon again.

Shores of Null start with three songs from Quiescence, but tonight they also perform some of the new pieces – already recorded, but unreleased – written for the second album. The beauty and power of the already known tracks gain even more depth and substance when performed on stage. And the new ones let you know that the second album is going to be the worthy heir of its forerunner. The listener is enveloped by an actual sonic wave and surrenders himself to its embrace. Clearly evident even in recordings, in live shows the peculiar non-exclusively-metal background of Shores of Null members results to be a quid pluris which adds both atmosphere and heaviness to their music. Naturally switching from a deep, expressive growl to never banal clean vocal lines, Davide Straccione’s ductile voice is for sure another ace in the hole of the band. We just have to wait for the next gig… and the release of the new album.

When Traffic is chock-full of people - and the event is sold out, indeed! – long awaited Novembre get on stage. The first new thing is Carmelo Orlando without his guitar, focusing only on singing. Indeed, full of its emotional element – both in the mournful, painful clean parts and in the growl – his voice sounds better and his performance results improved compared to some past lives, much closer to the beauty of recordings. Stunning classics, as Nostalgia Platz and Sirens in Filth, alternate with the new songs and the effect is that of an harmonious mosaic of past and present, and the audience seems to cherisch both the old and new Novembre. Veteran Pagliuso’s guitar enchants with its polished melodies and oneiric sounds, and all in all the newcomers Ferilli brothers (guitar and drums) together with bassist Fraschini manage to keep up with the two historical Novembre. Anyway, I have to admit that I feel the absence of Giuseppe Orlando on drums, and certainly the duty of replacing the two Orlando brothers on guitar and drums is not the easiest one and at the same time it is the most unrewarding. It is maybe due to this fact if at times there is a lack of those fluidity and compactness typical of those bands with a long sequence of rehearsals and tours together. Nonetheless tonight concert is engaging and exciting as those of the old formation and it does not taste at all of a dusty, discoloured amarcord. And also Carmelo Orlando seems to be touched by the fact of being once again in front of his audience, once again on stage with his music. URSA is an important, signicant comeback after years of silence and uncertainties about the future of the band: this live tells and confirms that Novembre are back, full of new lifeblood. 

[E.R.]

     

 

Coroner + Acid Death + Sofisticator - 07.02.2016 - The Cage Theatre (Livorno)

Coroner + Acid Death + Sofisticator - 07.02.2016 -  The Cage Theatre (Livorno)

Corso base in 3 lezioni sulle evoluzioni del thrash metal, da sound grezzo e festaiolo per nerd brufolosi e ubriachi a musica strutturalmente complessa e concettualmente fantascientifica/distopica per nerd brufolosi fissati con il Commodore 64 e i b-movie post apocalittici.

1^ lezione: Voivod (Estragon, Bologna – 17/11/2015)

2^ lezione: Vektor (Exenzia, Prato - 27/11/2015)

3^ lezione: Coroner (The Cage Theatre, Livorno – 07/02/2016)

La serata del Cage viene aperta da un classico assalto thrash metal old school, operato dai Sofisticator. Sporchi e veloci come il genere richiede, la band scioglie i muscoli del collo a tutti i metallari capelloni presenti. Pur senza apportare particolari novità al genere, il gruppo fiorentino (nel quale militano alcuni membri dei Sulphur) convince e diverte. Consigliatissimi agli amanti di queste sonorità.

Seguono gli Acid Death, che fin dal primo accordo saturano i timpani dei presenti con suoni troppo compressi e con distorsioni troppo digitali per il thrash/death da loro proposto. Meglio quando si spostano su composizioni futuribili e post industriali alla Meshuggah/Fear Factory, dove, pur senza offrire idee particolarmente interessanti, almeno non danneggiano le canzoni.

Inizia poi la lezione vera e propria. I Coroner sono tra le massime autorità in materia, e lo dimostrano con un concerto in cui l'impatto e l'energia non sono mai soffocati dalla complessità tecnica dei brani. Come narra il luogo comune sugli svizzeri, anche i Coroner sono precisissimi, ma ancor di più mostrano potenza, dinamismo e infinita fantasia. A veloci sfuriate alternano mid tempo carichi di groove, dal sapore meccanico e industriale, collegando i diversi passaggi con arzigogolati, ma sempre convolgenti, labirinti ritmici. Gli assoli di Tommy T. Baron e la mentalità esplicitamente progressiva e sperimentatrice delle melodie, dimostrano quanto questa band sia stata fondamentale nel piegare il thrash metal in forme inedite, che dalla seconda metà degli anni 90 in poi, diventeranno quasi usuali grazie a band come i Meshuggah. Il fatto che in certi frangenti sprigionino un'incontenibile energia assimilabile a quella degli Helmet, band neanche lontanamente assimilabile al classico ambiente metal, la dice lunga su quanto questi svizzeri abbiano abbattuto i confini del genere. Riunitisi nel 2010, la band non ha ancora pubblicato il seguito di Grin (1993) e si è per ora "limitata" a concerti memorabili, come quello del Cage. Visti i risultati, la speranza per un nuovo lavoro diventa quasi un'esigenza.

Speriamo che questo corso sul thrash metal progressivo e fantascientifico preveda un secondo modulo (magari con una bella lezione tenuta dai Meshuggah) dello stesso livello del primo!

[R.T.]

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Coroner + Acid Death + Sofisticator - 02.07.2016 -  The Cage Theatre (Livorno)

Basic course in 3 lessons on the evolution of thrash metal, from raw, funny sound for pimply, drunk nerds to dystopian, sci-fi, complex music for pimply nerds addicted to Commodore-64 and post apocalyptic b-movies.

Lesson #1: Voivod (Estragon, Bologna – 11/17/2015)

Lesson #2: Vektor (Exenzia, Prato - 11/27/2015)

Lesson #3: Coroner (The Cage Theatre, Livorno – 02/07/2016)

The evening at The Cage is opened by Sofisticator and their old school thrash metal assault. Filthy and fast as the genre needs, their songs introduce the headbanging ritual for all the longhaired metalheads. Even though they do not revolutionize the genre, the band from Firenze (featuring some members of Sulphur) impresses and entertains. Heartly reccomended to lovers of these sounds.

Then Acid Death – and from their very first chord they saturate the eardrums with too compressed sounds and too digital distorsions for their thrash/death setlist. Things go better when they play their Meshuggah/Fear Factory-like futuristic, post-industrial songs: nothing new on the horizon, yet at least songs are non damaged by poor sounds.

Finally the actual lesson. Coroner are one of the leading authorities in this field, and they offer clear evidence of this with a great show in which impact and energy are never choked by the technical complexity of the songs. In full respect of the commonplace on Swiss, Coroner are really extremely precise: yet above all they show power, dynamism and infinite creativity. Fast oubursts, mechanical/industrial groovy mid tempo, convoluted – yet enthrolling – rhythmic mazes. Tommy T. Baron solos and the prog, experimetal attitude of melodies are evidence of how influential Coroner were in giving new shapes to thrash metal (new shapes that have become almost usual from the second half of 90s, thanks to bands such as Meshuggah). The uncontainable, Helmet-like energy of some passages tells us how far they went from the boundaries of the genre. After their reunion in 2010 they have not yet released the sequel of Grin (1993) and they are “simply” playing memorable concerts, like this one at The Cage. Considering the high quality of their music and performance, the hope for a new album becomes almost a need.

I really hope that this mini-course on prog, sci-fi thrash metal will be followed by a second level of the same great quality of the first (hopefully with a beautiful lesson by Meshuggah)!

[R.T.]