There Will Be Blood + G-Fast One Man Band - 27.01.2017 - FOMO Fuzz'N'Roll Fest, Villa Guerrazzi (Cecina, LI)

There will be Blood + G-Fast One Man Band

27.01.2017 - FOMO Fuzz'N'Roll Fest, Villa Guerrazzi (Cecina, LI)

Arrivati nella bella location di Villa Guerrazzi a Cecina, mi ritrovo davanti ad un palco che non c'è, nella penombra punteggiata delle molte lampadine pendenti dal soffitto e con Gianluca Fasteni - aka G-Fast One Man Band - circondato della sua numerosa e multi-sfaccettata strumentazione. I progetti solisti mi incuriosiscono sempre, perché  guardo con una certa ammirazione chi sale sul palco da solo, spesso munito di una gran voce, quasi sempre di una gran faccia tosta, ma - obiettivamente - anche altrettanto spesso di discrete doti musicali. Il one man project di stasera non fa eccezione. Fra batteria minimale (cassa e rullante), "chitarre" self-made a tre e una (e perfino nessuna!) corda, altri vari improbabili strumenti e una gran bella voce, G-Fast si diverte e mi appassiona con la sua musica dal sapore un po' western, un po' country, un po' folk e soprattutto dal gran bel tiro.

Si resta un po' sulla stessa lunghezza d'onda atmosferica quando è il turno dei There Will Be Blood. Il loro blues rock ricco di contaminazioni è trascinante fin dalle prime note, e non è proprio possibile rimanere impalati davanti al palco. E' come ritrovarsi in un saloon con un'orchestrina western che intona pezzi sui quali non puoi far altro che attaccare a tenere il tempo e battere le mani (o i piedi! cit). Il suono è caldo e vibrante, ed i tre sono abili bestie da palco, oltre che bravi musicisti. Culmine della serata il finale, con Gianluca Fasteni che si unisce al trio in una sorta di super-jam.

Che questo primo Fuzz'N'Roll Fest - tutto made in Italy - sia precursore di altri eventi con questo marchio di fabbrica!

[E.R.]

***

There will be Blood + G-Fast One Man Band

01.27.2017 - FOMO Fuzz'N'Roll Fest, Villa Guerrazzi (Cecina, LI)

Arrived in the beautiful location of Villa Guerrazzi in Cecina, I find myself in front of a non-existent stage, in the dim light studded with light bulbs hanging from the ceiling and Gianluca Fasteni - aka G-Fast One Man Band - surrounded by its numerous and multifaceted instrumentation. I am always curious intrigued by solo projects, because I look with some admiration who takes the stage alone, often equipped with a great voice, almost always

with a bit of irreverence, but - to be honest - also just as often with considerable musical talent. Tonight one man project is no exception. Minimal (just kick and snare) drum, three and one (and even none!) string self-made "guitars", various other unlikely instruments and a very good voice, G-Fast has fun and fascinates me with his music wich sounds a bit western, a bit country, a bit folk and above all has got a great groove.

Almost on the same atmospheric wavelength when it is the turn of There Will Be Blood. Rich in influences and contaminations, their blues rock is enthralling from the very first notes, and it is impossible to remain stuck in front of the stage. It 's like being in a saloon with western orchestra playing songs on which you can not help but  keep time and clap your hands (or stomp your feet down!). The sound is warm and vibrant, and the three are skillful stage beasts as well as good musicians. Peak of the night the last song, with Gianluca Fasteni joining the trio in a sort of super-jam. 

That this first - all made in Italy - Fuzz'N'Roll Fest  may be the forerunner of other events with this trademark!

[E.R.]

Chelsea Wolfe + Hate & Merda – 14.08.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

Chelsea Wolfe + Hate & Merda

14.08.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

Aspetto questo concerto con ansia da diversi di mesi. Mi pare giusto, quindi, che proprio stasera sia una di quelle serate totalmente sbagliate, roba da farti sentire tutta la pesantezza de L’eternità di un’estate terribile. Proprio per questo – e non me ne vogliano le altre due bands (Mars Era e Passed) che avrei davvero ascoltato volentieri! – riesco a concentrarmi soltanto sui live del micidiale duo fiorentino e dell’oscura poetessa/sacerdotessa.

Gli Hate & Merda non risparmiano proprio niente al numeroso pubblico del piccolo teatro all’aperto di Castellina Marittima. La summa de La Capitale del Male e de L’Anno dell’Odio si riversa su tutti i presenti con il suo carico di efferatezza e furia liberatoria. Se una settimana fa erano stati la band con i suoni migliori sul piccolo Benicio’s Stage al Disintegrate Your Ignorance Fest, stasera la potenza della sinergia chitarra/batteria è andata ancora oltre ed il loro suono – ad uno stesso tempo marcio e distillato – è stato davvero un balsamo per le mie orecchie. Chi ancora non li conosce, deve rimediare!

Come è nella natura di ogni maga – fata o strega che sia – Chelsea Wolfe incanta tutti i presenti, e riesce a radunare una quantità di persone attorno al suo palco e alla sua voce, che nemmeno il pifferaio di Hamelin al suono del suo flauto nella fiaba dei fratelli Grimm. Con un set incentrato sul suo ultimo bellissimo album – Abyss – cui sono affidate sia l’apertura sia la chiusura del concerto, la cantautrice californiana – supportata dalla sua band – rapisce con la sua voce onirica e straziante, potente e melodiosa. Se già su disco si ha l’impressione di essere di fronte ad una sorta di traghettatrice di anime verso lidi oscuri e ignoti, dal vivo questa sensazione è amplificata, e pare davvero che Chelsea Wolfe possa condurti – quasi sotto ipnosi – ovunque lei voglia. Suoni e voce perfetti per tutta la durata del concerto, un’unica intensa emozione lunga un’ora e un quarto.

A volte c’è proprio bisogno di purificarsi attraverso la musica. Hate & Merda e Chelsea Wolfe, con le loro spinte contrapposte, sono stati la catarsi di cui avevo bisogno stasera.

[E.R.]

*** 

Chelsea Wolfe + Hate & Merda

08.14.2016 – MusicaW Festival (Castellina Marittima, PI)

I have been waiting several months for this concert. And exactly tonight it is one of those completely wrong nights, one of those that make you feel all the heaviness of L’eternità di un’estate terribile (in English, The Eternity of a terrible Summer). This is the reason why I manage to listen only to the concerts of the killing duo from Florence and of the dark poetess/priestess (and I apologize to the other two bands – Mars Era and Passed – which I would really have liked to listen to!).

Hate & Merda do not spare anything to the large audience of the small open air theatre in Castellina Marittima. The summa of La Capitale del Male and L’Anno dell’Odio flows on all present with its load of brutality and liberating fury. If a week ago they were the band with the best sounds on the small Benicio’s Stage at Disintegrate Your Ignorance Fest, tonight the power of the synergy guitar/drums has gone even beyond and their sound – at the same time rotten and distilled – really was a balm to my ears. Who still does not know them, he must remedy!

As it is proper of the nature of every sorceress – shall she be fairy or witch - Chelsea Wolfe enchants all present and manages to gather around her stage and her voice such a flood of people that would embarrass the piper of Hamelin of the tale by Brothers Grimm. With a set-list focused on her latest amazing album – Abyss – to which are entrusted both the opening and the closing of her concert, the Californian singer-songwriter – supported by her band – fascinates the audience with her dreamlike and heartbreaking, powerful and melodious voice. If on recordings one gets the impression of being in front of a sort of ferrywoman of souls towards obscure and unknown shores, in the live show this feeling is amplified and it really seems that Chelsea Wolfe can lead you – almost hypnotized – wherever she wants. Sounds and voice are flawless for the whole concert: a hour and a quarter single intense emotion.

Sometimes you really need to purify yourself through music. With their opposed forces, Hate & Merda and Chelsea Wolfe were the catharsis I needed tonight.

[E.R.]

Myrkur - M

Myrkur – M 

(Relapse Records, 2015)

E' una foresta ricoperta di neve quella attraversata da Myrkur con il suo primo full length. Un bosco di abeti imponenti, avvolto nella nebbia, che ricorda quello disegnato dagli Ulver con Bergtatt. La musicista danese ci induce a seguirla in questo paesaggio nordico, in contemplativa solitudine. Se a tratti la musica si affaccia su spaventosi orridi black metal (Hævnen, Mordet e Skaði) più spesso fluttua nella quiete misteriosa di un bosco addormentato dal gelo dell'inverno (in particolare con i fiocchi di neve piano/voce in stile Tenhi). Melodie romantiche e sognanti - quasi shoegaze -, a volte armonizzate per trasformarsi in canti epici e fantastici, in altre occasioni deformate in terrificanti ringhi rabbiosi, da incubo. Se per i puristi del metallo nero una modella bionda con trascorsi in un gruppo pop americano non è degna di essere accostata ad un genere “sacro” come il loro preferito, per tutti coloro i quali siano disinteressati ad un qualsiasi concetto di “purezza artistica”, M è semplicemente un’opera emozionante, con il difetto di non discostarsi troppo dalle intuizioni che ebbero gli Ulver ai tempi del loro primo disco.

Dopo il clamore dell'EP d'esordio, Myrkur si fa aiutare da personaggi illustri (Garm degli Ulver alla produzione, Teloch dei Mayhem al basso e alla chitarra, Øyvind Myrvoll dei Dødheimsgard alla batteria) per concepire un disco che potrebbe perfettamente essere l'ideale colonna sonora di una storia di amore e morte ambientata in un mondo fantastico simile a quello de Il Trono di Spade. L'inverno sta arrivando.

[R.T.]

*** 

Myrkur – M 

(Relapse Records, 2015)

It is a snow covered forest that one crossed by Myrkur in her first full length. A wood of huge firs, shrouded in fog, reminiscent of that same wood painted by Ulver with their Bergtatt. The Danish musician invites us to follow her into this northern landscape in complete solitude. If at times her music looks into frightening black metal abysses (Hævnen, Mordet e Skaði), more often it floats suspended in the mysterious quiet of an asleep wood in the winter frost (especially with the piano/voice snowflakes in Tenhi style). Romantic dreamlike (almost shoegaze) melodies, sometimes harmonized into epic fantastic chants, sometimes deformed into nightmarish terrifying angry snarls and rattles. If a blonde top model with a past in an American pop band does not deserve to be compared to a “sacred” musical genre as black metal is for the purists of this style, for all those people not interested in the concept of “artistic purity” M is simply an emotional album with the only defect of not going too far from Ulver intuitions in their very first full length. After the hype of her debut EP, Myrkur asks for the help of some great musicians (Garm – from Ulver – at the production, Teloch – from Mayhem – at the bass, Øyvind Myrvoll - from Dødheimsgard  – at the drums) to conceive an album which could perfectly be the ideal soundtrack of a love and death story set into a fantastic world really near to that of Games of Throne. Winter is coming.

[R.T.]

Chelsea Wolfe - Abyss

Chelsea Wolfe - Abyss

(Sargent House, 2015)

La consapevolezza di essere svegli, ma al tempo stesso l'incapacità di uscire dal torpore onirico che impedisce l’azione. Questo è l’abisso dipinto da Chelsea Wolfe che - come un moderno William Blake - si avventura nella terra di confine tra sogno e realtà, utilizzando il vocabolario della musica pesante sperimentale. Il suo viaggio si apre con le distorsioni mastodontiche di Carrion Flowers, nelle quali la voce della cantautrice californiana si insinua quasi in punta di piedi - con apparente fragilità, ma in realtà con una determinazione tipicamente femminile. Nelle bordate apocalittico-industriali che richiamano alla mente i Nine Inch Nails e gli Swans, Chelsea Wolfe svolge un ruolo a metà strada tra quello di sacerdotessa oscura à la Jarboe e quello di anima dannata - profondamente umana - alla ricerca di un raggio di luce che indichi la via d’uscita (ricordando PJ Harvey). In questo equilibrio tra densissima oscurità e flebile calore romantico sta la grandiosità del quinto disco di Chelsea Wolfe: nella perfetta miscela di atmosfere gotiche, ossessioni industrial/noise e folk notturno, sorrette dalla chitarra “spirituale” di  Mike Sullivan  dei Russian Circles. Il suono profondo e stratificato di Abyss deve molto alla produzione di John Congleton, straordinaria nel valorizzare tanto i momenti più intimi e acustici (Crazy Love) quanto quelli dominati dalle distorsioni post metal (Dragged Out). La “paralisi da sonno” cantata da Chelsea Wolfe è metafora della continua lotta per liberarsi dal peso dell'alienazione: sarà possibile risvegliarsi da questo sogno/incubo? 

[R.T.]

*** 

Chelsea Wolfe - Abyss

(Sargent House, 2015)

The awareness of being awake, yet at the same time the inability to exit the oneiric lethargy that prevents the action. This is the abyss painted by Chelsea Wolfe who - as a modern William Blake - ventures into the borderland between dream and reality through heavy experimental music language. Her journey begins with the mammoth distortions of Carrion Flowers: the voice of the Californian singer-songwriter passes through them almost on tiptoe - with apparent fragility, but actually with a typically female determination. In the apocalyptic-industrial strokes reminiscent of Nine Inch Nails and Swans, Chelsea Wolfe plays a role halfway between the dark priestess à la Jarboe and the damned - deeply human - soul in search of a ray of light showing the way out (somehow similar to PJ Harvey). In this balance between the thickest darkness and a feeble romantic warmth lays the grandeur of Chelsea Wolfe fifth album: in the perfect blend of gothic atmospheres, industrial/noise obsessions and nocturnal folk, the whole sustained by Mike Sullivan (Russian Circles) "spiritual" guitar. Abyss deep and stratified sound owes much to John Congleton production, extraordinary in enhancing both the most intimate and acoustic moments (Crazy Love) and those dominated by post metal distortion (Dragged Out). The "sleep paralysis" sung by Chelsea Wolfe is a metaphor for the constant struggle to free themselves from the weight of alienation: will it be possible to wake up from this dream/nightmare?

[R.T.]

Hexvessel - When We Are Death

Hexvessel - When We Are Death

(Century Media, 2016)

Gli Hexvessel sono morti. Il loro trapasso è in realtà una rigenerazione, e si chiama When We Are Death. La nuova incarnazione della band finlandese, giunta al terzo full lenght, affonda sì le sue radici nell’humus del folk notturno del passato, proiettando però le sue foglie verso altre direzioni, alla ricerca di una luce spirituale che richiama la psichedelia americana di fine anni 60, con qualche accenno agli Anathema romantici del presente. D’altra parte per Mat Mc Nerney la vita artistica è continua rigenerazione (basti pensare alle trasformazioni che ha attraversato la sua carriera, dall’avantgarde black metal dei Dødheimsgard al post punk dei Beastmilk/Grave Pleasures). Questa volta il musicista inglese, approdato alcuni anni fa nelle foreste finlandesi per creare gli Hexvessel, rende esplicita la sua filosofia di morte e rinascita, in un ciclo naturale che tutto connette e interrelaziona. When We Are Death è un disco di delicato e malinconico rock psichedelico, in cui si respira il mistero e la meraviglia di chi si trova di fronte all’imprevisto, ma inevitabile, cambiamento. Per tutti coloro che pensano che le trasformazioni radicali siano linfa vitale.

[R.T.]

*** 

Hexvessel - When We Are Death

(Century Media, 2016) 

Hexvessel are dead. Yet their passing is a regeneration and its name is When We Are Death. Reached the third full lenght, the new incarnation of the Finnish band is rooted in the humus of night folk of the past, yet it projects its own leaves towards different directions, in search of a spiritual light recalling the late 60s American psychedelia, with some hints of current romantic Anathema. After all, Mat Mc Nerney's artistic life is a continuous regeneration (just think about the many transformations during his career, from Dødheimsgard avantgarde black metal to Beastmilk/Grave Pleasures post punk). Landed some years ago into the Finnish forests to create Hexvessel, this time the English musician makes explicit his own philosophy of death and rebirth, placed in a natural cycle which connects and interrelates everything. When We Are Death is delicate, melancholic psychedelic rock. Listening to this album you breath the mystery and wonder of those who face the unexpected, yet unavoidable, change. For all those who think that radical changes are lifeblood.

[R.T.] 

Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow

Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow

(RCA Victor, 1967)

“Feed your head!” Le pillole che Grace Slick porta in dono ai Jefferson Airplane quando entra a far parte del gruppo nell’autunno del 1966 (e che apriranno le porte dell’esperienza psichedelica e di una nuova visione del mondo ad un’intera generazione) vanno al di là dei due capolavori Somebody to Love e White Rabbit. La cantante porta con sé energia elettrica e senso di libertà, carica erotica e fantasia. Possiede insomma i semi della Summer of Love che il gruppo utilizza - con creatività - per integrare il suo folk rock trasognato. La voce potente, flessibile ed espressiva della Slick si armonizza perfettamente a quelle di Balin e Kantner, generando un rock che non è forza individuale, bensì spirito comunitario. A differenza di altre realtà psichedeliche dell'epoca non ci sono esperimenti in studio, deliri strumentali o atmosfere orientali (a parte i glissando vocali della Slick), ma domina un profondo senso della melodia che trova massima espressione negli intrecci vocali e chitarristici. Tre voci, tre chitarre: ognuna interdipendente dall’altra, ognuna indispensabile nel contesto generale della musica. Un lavoro veramente di gruppo, che segna un’epoca: non solo dal punto di vista musicale, ma anche concettuale. 

[R.T.]

*** 

Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow

(RCA Victor, 1967)

“Feed your head!” The pills Grace Slick presents to Jefferson Airplane when she joins the band in the fall of 1966 (and that open the doors of the psychedelic experience and of a new vision of the world to an entire generation) are more important than the two masterpieces Somebody to Love and White Rabbit. The singer brings electric energy and sense of freedom, erotic appeal and fantasy. She owns the seeds of Summer of Love that the band uses - with creativity - to integrate its dreamy folk rock. The powerful, flexible and expressive Slick’s voice harmonizes itself perfectly with Balin and Kantner ones, generating a rock that is not individual strength yet community spirit. Unlike other psychedelic bands of that period, there are no studio experiments, nor instrumental delirium or oriental atmospheres (except vocal glissando by Slick) yet a deep sense of melody that expresses itself at its best in vocal (and guitar) weavings. Three voices, three guitars: each of them interdependent, each of them essential in general contest of the music. A truly teamwork, that marks an era: not only from a musical point of view, but from a conceptual one too.

[R.T.]

Steve Von Till - A Life Unto Itself

Steve Von Till – A Life Unto Itself

(Neurot Recordings, 2015)

Abbandonare il fragore della civiltà per rifugiarsi nel cuore dell’ambiente selvaggio, distaccandosi dai ritmi e dalle ossessioni umane, accettando i tempi imposti dalla Natura. Steve Von Till continua nel suo percorso solista, percorrendo con lentezza e contemplazione i sentieri del folk notturno che avevano caratterizzato i suoi precedenti tre album, lasciando da parte le esplosioni apocalittiche della sua band madre, i Neurosis, e gli esperimenti psichedelici a nome Harvestman. Von Till si fa accompagnare nel suo pellegrinaggio da pochi e fidati compagni come Eyvind Kang (viola), Jason Kardong (pedal steel) e Randal Dunn (sintetizzatore). Ma principalmente A Life Unto Itself è un viaggio solitario, un percorso in cui Von Till, ancor più che in passato, lascia che siano la sua profonda e rauca voce (per certi affine a quella di Mark Lanegan) e i suoi arpeggi di chitarra (debitori della malinconia di Nick Drake e Townes Van Zandt) a illuminare il bosco immerso nelle tenebre, con qualche breve lampo elettrico dal sapore onirico. Sette brani che evocano odori di muschio e foglie secche, e immagini di vaste foreste, gelidi laghi e montagne avvolte dalla nebbia autunnale. Von Till conferma la sua intensa poetica tratteggiando un sentiero in cui la fragilità di un uomo a cospetto della Natura è bilanciata dalla sua grande forza interiore nell’affrontarla. Intimo e sciamanico, A Life Unto Itself è il dono che Von Till lascia a tutti gli estimatori dei territori selvaggi.

[R.T.]

***

Steve Von Till – A Life Unto Itself

(Neurot Recordings, 2015)

Leaving the noise of civilization to take refuge into the heart of the wild world, detaching from human obsessions and hustle and bustle, accepting the pace imposed by Nature. Steve Von Till continues his soloist route, slowly and in contemplative mood, going over again the paths of nocturnal folk that characterize his previous three albums, leaving aside the apocalyptic explosions of his main band (Neurosis) and the psychedelic experiments of Harvestman project. Along his pilgrimage Von Till is accompanied by a few trusted friends: Eyvind Kang (viola), Jason Kardong (pedal steel) and Randal Dunn (synth). Yet A Life Unto Itself is mainly a lonely voyage, a journey in which - even more than in the past - Von Till let his deep, hoarse voice (in some ways similar to Mark Lanegan one) and his guitar arpeggios (debtors of Nick Drake and Townes Van Zandt melancholy) brighten the woods surrounded by darkness, with some transitory, dreamlike-tasty electric lightnings. Seven songs evoking the smell of musk and dry leaves, images of vast forests, chill lakes and mountains shrouded by the autumnal fog. Von Till confirms his intense poetics sketching a path in which the frailty of a man in the presence of Nature is balanced by his great interior strength in the attempt to cope with her. Intimate and shamanistic, A Life Unto Itself is the gift that Von Till gives to all the lovers of wild territories.

[R.T.]