Paradise Lost – Obsidian

Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)

Ogni città ha una locanda sicura, aperta fino a notte fonda. Un rifugio sul quale possiamo contare nelle nottate in cui fuori infuria la tempesta. I Paradise Lost sono quel luogo, nell’universo dell’heavy metal. Quando all’esterno è rimasto silenzio e desolazione, e non riconosciamo più nostri simili, la band inglese ci mostra l’entrata attraverso un arpeggio dal sapore antico. In un attimo siamo in un altro mondo, in un’altra epoca. Una taverna di Winterfell, nell'estremo nord di Westeros. Al suo interno non la stanca rassegnazione di un luogo corroso dall’abitudine, bensì il calore appassionato di un covo di partigiani che progettano battaglie. Qui troviamo facce conosciute, vecchi amici che non si vogliono arrendere, e che mostrano un’energia inesauribile, frutto di una riuscita alchimia. Così, mentre una pandemia congela il mondo della musica, non solo  annichilendo i concerti, ma inibendo anche la pubblicazione dei dischi (che in questa epoca digitale non portano nessun guadagno alle band se non sono accompagnati da un tour), i Paradise Lost vanno controtendenza senza paura e pubblicano uno dei loro dischi migliori. Proseguendo il percorso intrapreso con i due - straordinari - predecessori, la band inglese infonde energia ad uno stile musicale decadente e rassegnato per definizione, mostrando ancora una volta nuove strade. Unendo romanticismo darkwave e potenza heavy metal, grazie anche al presioso contributo del giovane batterista Waltteri Väyrynen, i Paradise Lost compongono il loro disco più epico e grandioso, senza mai perdere il focus introspettivo che li ha sempre caratterizzati. La luce della locanda è accesa, in mezzo alla tormenta. Sta a noi entrare e unirsi alla resistenza.

[R.T.]

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Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)  

Each town has a safe inn, open til late at the night. A shelter we can count on in those nights when  outside the storm is raging. Paradise Lost is that place, in the universe of heavy metal. When outside there are only silence and desolation, and we no longer recognize our fellowmen, the English band shows us the entrance through an arpeggio with an ancient flavour. In a moment we are in another world, in another era. A tavern in Winterfell, in the far north of Westeros. Inside it there isn't the tired resignation of a place corroded by habit, yet the passionate warmth of a hideout of partisans planning battles. Here we find familiar faces, old friends who do not want to give up, and who show inexhaustible energy, result of successful alchemy. So, while a pandemic freezes the world of music, not only annihilating concerts, but also inhibiting the release of records (which, in this digital age, do not bring any profit to the bands if they don't go on tour), Paradise Lost go fearlessly against this trend and release one of their best records. Combining darkwave romanticism and heavy metal power, thanks also to the precious contribution of the young drummer Waltteri Väyrynen, Paradise Lost compose their most epic and grandiose album, without ever losing the introspective focus that has always characterized them. The inn's light is on, amidst the blizzard. It is up to us to come in and join the resistance.

[R.T.]

Uncle Acid & the Deadbeats – Wasteland

Uncle Acid & the Deadbeats – Wasteland

(Rise Above Records, 2018)

Un bollettino post apocalittico in puro stile John Carpenter ci introduce nel mondo distopico immaginato da Kevin Starrs. Una popolazione sotto continua sorveglianza, con la mente svuotata da messaggi ipnotici trasmessi da una tecnologia al servizio del potere. Per raccontare il “cattivo viaggio” di alcuni dissidenti che riescono a riprogrammare la propria mente e fuggire dalla città, per ritrovarsi poi però in una terra selvaggia governata da violenza inaudita, Starrs colora la sua musica di un rosso sangue talmente brillante da abbagliare. 1997: Fuga da New York e Mad Max assumono i contorni surreali di un remake di Rob Zombie, mantenendo però la patina polverosa dei vecchi film fantascientifici degli anni '50. Giunti al quinto disco e forti di un riconoscimento ormai consolidato, gli Uncle Acid & the Deadbeats continuano a suonare sporchi come un vecchio B movie, anche nel loro album più colorato. Il loro attacco alla tecnologia continua ad avere il suono di una band che compone in un umido scantinato, anche ora che le sinistre atmosfere proto doom sono sempre più vicine ad una psichedelia allucinata che sembra nascere dalla Mansion Family (o dai Black Angels che si sono “calati” un vecchio horror). I riff oscuri e sbilenchi hanno un impatto meno dirompente rispetto al passato, perché protagonista assoluta è ormai la melodia, che segue direzioni inusuali grazie anche a splendide armonizzazioni vocali. Il ritmo e la tensione aumentano con lo scorrere delle canzoni, dimostrando quanto la capacità narrativa di Starrs sia maturata dai tempi di Vol. 1, al quale però questo Wasteland sembra riavvicinarsi da un punto di vista strettamente musicale.

[R.T.]

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Uncle Acid & the Deadbeats – Wasteland

(Rise Above Records, 2018)

A post apocalyptic bulletin in pure John Carpenter style introduces us into the dystopian world imagined by Kevin Starrs. A population under continuous surveillance, with its mind emptied by hypnotic messages transmitted by a technology at the service of power. To tell the "bad trip" of some dissidents who succeeded in reprogramming their mind and escaping from the city, but then found themselves in a wild land ruled by unprecedented violence, Starrs colours his music in a blood-red so much brilliant to be dazzling. Escape from New York and Mad Max take on the surreal contours of a Rob Zombie's remake, while maintaining the dusty coat of the old 50s sci-fi movies. With their fifth album and a consolidated recognition, Uncle Acid & the Deadbeats continue to sound dirty like an old B movie, even in their most colourful release. Their attack against technology still has the sound of a band rehearsing in a damp basement, even now that the sinister proto doom atmospheres are ever closer to a hallucinated psychedelia that seems to come from the Mansion Family (or the Black Angels who "got high" with an old horror). The dark and lopsided riffs have got a less disruptive impact than in the past, because now the absolute protagonist is melody, following unusual directions thanks to beautiful vocal harmonisations. Rhythm and tension increase with the passing of songs, proving how much Starrs' narrative capacity has matured since the times of Vol. 1, to which, however, this Wasteland seems to be near once again, from a strictly musical point of view.

[R.T.]

L’Ira del Baccano – Si Non Sedes Is - Live MMVII

L’Ira del Baccano – Si Non Sedes Is - Live MMVII

(Subsound Records, 2018)

Tutto inizia da qui. La trasformazione alchemica si attua nel corso di due concerti tenutisi nel 2007 a Genzano. E’ qui che i Loosin ‘o’ Frequencies diventano una band strumentale, e immortalano il momento in una registrazione che solo oggi, a più di 10 anni di distanza, assume forma fisica. Ed è proprio con questa registrazione tra le mani, nel 2008, che la band decide di cambiare il proprio nome in L’Ira del Baccano e di rendere la sua musica disponibile a tutti, nella forma liquida di mp3 pubblicati online. Da allora la registrazione di quei concerti si è solidificata nella coscienza di molti appassionati dell’underground, contribuendo a rendere L’Ira del Baccano come uno dei nomi più interessanti in sede live. L’ultima, indispensabile, trasformazione, ci consente di inserire nella nostra discografia, a fianco dei due album in studio, una copia fisica di questo preziosissimo documento, a tutti gli effetti il primo parto della band romana. Attraversiamo la porta alchemica (Si non sedes is è un’epigrafe incisa su tale monumento nascosto nel cuore di Roma) per renderci conto di quanto la band fosse già allora matura per concepire ciò che è venuto dopo. Ovvero una dilatazione e deformazione dei suoni pesanti, a tratti doom e sabbathiani, in ampie e ariose suite progressive dalla struttura fluida e cangiante, ai limiti dello space rock (echi di Coma Divine e Space Ritual al di là della porta). Trasmutazione di piombo in oro, attraverso jam libere e scorrevoli. Musica svincolata da limitazioni di genere che assorbe passato e presente, trasformandoli in un futuro assolutamente personale. Processo alchemico perfettamente riuscito.

[R.T.]

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L’Ira del Baccano – Si Non Sedes Is - Live MMVII

(Subsound Records, 2018)

It all starts here. The alchemical transformation takes place during two concerts in 2007 in Genzano. It is here that Loosin 'o' Frequencies become an instrumental band and capture this moment in a recording that only today, more than 10 years later, takes on physical form. And it is with this recording in its hands, in 2008, that the band decides to change its name in L'Ira del Baccano and to make its music available to everyone, in the liquid form of mp3 published online. Since then the recording of those concerts has solidified in the conscience of many fans of the underground, contributing to make L'Ira del Baccano one of the most interesting names as live act. The last, indispensable, transformation, allows us to insert in our discography, alongside the two studio albums, a physical copy of this precious document, to all effects the first brainchild of the Roman band. We cross the alchemical gate (Si non sedes is is an epigraph engraved on this monument hidden in the heart of Rome) to realize how much the band was already then mature to conceive what came later. That is a dilatation and deformation of heavy sounds, sometimes doom and sabbath influenced, in vast airy progressive suites with a fluid and iridescent structure, on the borders of space rock (echoes of Coma Divine and Space Ritual beyond the door). Transmutation of lead into gold, through free flowing jams. Music freed from genres limitations, able to absorb past and present, transforming them into an absolutely personal future. Perfectly successful alchemical process.

[R.T.]

Electric Wizard + Ufomammut + Humulus – 18.11.2018 – Live Club (Trezzo sull’Adda, MI)

Electric Wizard + Ufomammut + Humulus – 18.11.2018 – Live Club (Trezzo sull’Adda, MI)

Voglio bene agli Electric Wizard e agli Ufomammut come se fossero i miei fratelli maggiori. Sono cresciuto insieme alla loro musica, e, al tempo stesso, loro sono cresciuti davanti ai miei occhi. Mi hanno aperto i timpani a nuovi suoni e mi hanno dato un sacco di consigli indispensabili (soprattutto per quanto riguarda b-movie da non perdere… non certo per rimorchiare, visto che la loro musica non è la più adatta allo scopo). Essere insieme ad entrambi, stasera, è un doveroso ringraziamento nei loro confronti, e per questo decido di essere presente a Trezzo sull’Adda nonostante i concerti di Dark Buddha Rising e Fuoco Fatuo a Bologna e Kikagaku Moyo a Ravenna.

I primi a salire sull’imponente palco del Live Club sono i padroni di casa Humulus. Il loro stoner rock intriso di melodie grunge è il perfetto antipasto ai piatti forti della serata. Un po’ emozionati per la responsabilità di dover scaldare il pubblico che attende i mostri sacri del genere, se la cavano però davvero bene, alternando riffoni sabbiosi e rotondi, arpeggi psichedelici e melodie vocali calde e coinvolgenti. La strada intrapresa è quella giusta (come dimostra l’ultimo disco Reverently Heading into Nowhere) per poter rivaleggiare in futuro con i fratelli maggiori.

Gli Ufomammut mi fanno entrare nella loro cameretta per farmi sentire quanto le basse frequenze facciano tremare le mura. Allucinanti filmati psichedelici ad amplificare l’effetto stordente della musica. Mi assicurano di non aver truccato la mia birra con alcuna droga… o forse dicono così solo perché hanno paura che dica tutto a mamma?! Non capisco come mai i vetri non vadano in frantumi sotto le ondate gommose della distorsione, che si gonfia in una nuvola di rumore fino a riempire ogni spazio, e dalla quale solo la robusta batteria di Vita riesce ad affacciarsi, per mostrarci ritmo e struttura nel caos sonoro. Il concerto degli Ufomammut più fisico e carico, tra quelli ai quali ho assistito (e sono 7!). Una band che guarda negli occhi il pubblico con la sicurezza di chi ha raccolto quello che merita, ma anche con l’umiltà di chi sente che c'è sempre spazio per imparare ancora. Come non voler bene ad un fratello così?

Entro poi nella camera del fratello drogato per davvero, Electric Wizard. Quello che la mamma cerca di non farmi prendere come esempio. I feedback che introducono il riff di Witchcult Today (e che accompagneranno ogni momento di “silenzio”, come un acufene costante indotto da una musica ascoltata a volumi esagerati) sono fumo denso di marijuana, attraverso il quale vedo spezzoni di vecchi film horror, post apocalittici o sex exploitation. Dopo 25 anni di continui cambi di line up, è straordinario sentire come la band di Jus Oborn suoni ancora compatta e travolgente. Con il tempo uno strato di polvere (di origine occulta) ha coperto il vomito con il quale la band aveva insozzato la sua camera fra la fine degli anni '90 e l'inizio degli anni 2000, ma i momenti tossici continuano ad affiorare tra un riff e l’altro. Schizzi di psichedelia pesante macchiano di colori acidi il nero intenso del doom sepolcrale suonato dalla band, come frammenti visionari in un horror degli anni '60. Lungi da essere disintossicata, la musica del fratellone elettrico è però tanto possente e coesa - anche nella manipolazione delle dissonanze e degli effetti larsen - da sembrare, oggi, pienamente in grado di controllare le sue sregolatezze. E grazie a suoni ottimamente bilanciati, mi regala uno dei suoi migliori concerti (stasera è il quinto!). 

[R.T.]

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Electric Wizard + Ufomammut + Humulus – 11.18.2018 – Live Club (Trezzo sull’Adda, MI)

I love Electric Wizard and Ufomammut as if they were my elder brothers. I grew up with their music, and at the same time, they grew up before my eyes. They opened my eardrums to new sounds and gave me indispensable advice (especially with regard to unmissable b-movies... certainly not to pick girls up, since their music is not the most suitable for the purpose). Being together with both, tonight, is a dutiful thanks to them, and for this reason I decide to be present in Trezzo sull'Adda despite the concerts of Dark Buddha Rising and Fuoco Fatuo in Bologna and Kikagaku Moyo in Ravenna.

The first to get on the imposing Live Club stage are the hosts Humulus. Their stoner rock drenched in grunge melodies is the perfect starter before tonight's meaty bits. A little excited for the responsibility of warming up the audience waiting for the legends of the genre, but they are doing very well, alternating sandy huge riffs, psychedelic arpeggios and warm engaging vocal melodies. The road taken is the right one (as evidenced by the latest album Reverently Heading into Nowhere) in order to rival the older brothers in the future.

Ufomammut let me enter their bedroom to make me feel how the low frequencies make the walls tremble. Dazzling psychedelic films to amplify the stunning effect of music. They assure me that they did not fix my beer with any drugs... or maybe they say that just because they're afraid I could say something to mom?! I do not understand why glasses does not shatter under the gummy waves of distortion, which swells in a cloud of noise to fill every space, and from which only Vita robust drums manage to emerge, to show us rhythm and structure in the sound chaos. The most physical and groovy Ufomammut concert among those I attended to (and they are 7!). A band that looks into the eyes its audience with the self-confidence of those who have collected what they deserve, but also with the humility of those who feel that there is always room to learn even now. How not love a brother like that?

Then in the really doped brother's room, Electric Wizard. The one mom fears I would take as an example. Feedbacks introducing Witchcult Today riff (and that will accompany every moment of "silence", like a constant tinnitus induced by music listened to exaggerated volumes) are dense smoke of marijuana, through which I see clips of old horror, post apocalyptic or sex exploitation movies. After 25 years of continuous line-up changes, it's extraordinary to hear how Jus Oborn's band still sounds compact and overwhelming. Over time, a layer of dust (of hidden origin) covered the vomit with which the band had soiled its room between the late 90s and early 2000s, but the toxic moments continue to surface between a riff and the other. Spots of heavy psychedelia stain with acid colours the intense black of the sepulchral doom played by the band, as visionary fragments in a 60s horror movie. Far from being detoxified, the music of the electric big brother is so powerful and cohesive - even in the manipulation of dissonances and larsen effects - to seem, today, fully able to control his excesses. And thanks to perfectly balanced sounds, he gives me as a present one of his best concerts (tonight the fifth!).

[R.T.]

 

Messa - Feast for Water

Messa - Feast for Water

(Aural Music, 2018)

Immersione profonda. Nell'oceano di questa Terra. Nella palude di questa Umanità. Alle sorgenti pure dell'Io. Lungo i fiumi dell'essere. Nei laghi del qui ed ora. L'urgenza espressiva di un imminente immanente ed ineludibile. Il secondo album dei Messa segna una crescita enorme rispetto al già stupendo Belfry (2016). Crescita sia sotto il profilo musicale, sia sotto quello comunicativo ed emotivo. A volte quasi in punta di piedi, come sonnambuli sospesi a mezz'aria, si attraversano paesaggi onirici, tratteggiati con sapienza da poche indispensabili note di tastiera sorrette da una minimalista batteria (come in Leah). Altre volte si è invece trascinati in un turbine di emozioni, come in una corsa attraverso un bosco di paure, con una chitarra che ci comanda come il flauto del pifferaio magico (ad esemprio in The Seer e She knows). I semi più disparati fioriscono nella musica del quartetto di Cittadella. Dagli spazi aperti e vasti del dark ambient, ai profondi antri del doom. Dalle ricercate atmosfere occult rock a passaggi quasi jazz, che aprono scenari da colonna sonora lynchiana (She knows). E spesso queste molteplici anime convivono e si manifestano anche all'interno di una stessa canzone, poiché vi è quasi una struttura progressive rock alla base della loro composizione. In tutto questo, su tutto questo, una voce di una bellezza, potenza e capacità come poche. Una sorta di Orfeo al femminile che incanta l'ascoltatore, portandolo dove vuole, mostrandogli ciò che vuole. A tratti struggente come Anneke Van Giersbergen, in altri momenti con la forza evocativa di Lisa Gerrard. Ma fondamentalmente la voce di Sara è così espressiva ed affascinante proprio perché, estremamente personale, sfugge alle etichette ed al gioco delle somiglianze. Feast for Water è un album dalla forza quasi sciamanica, che si nutre di immagini e sentimenti ancestrali, capace di toccare (e far risuonare) le corde più profonde ed intime. Osate immergervi nelle sue acque, lasciate che il vostro orecchio ascolti il canto delle Sirene.

[E.R.]

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Messa - Feast for Water

(Aural Music, 2018)

Deep immersion. In the ocean of this Earth. In the swamp of this Humanity. At the pure sources of the ego. Along the rivers of being. In the lakes of the here and now. The expressive urgency of an immanent and inescapable imminent. Messa second album marks an enormous growth compared to the already wonderful Belfry (2016). Growth both from a musical point of view and from a communicative and emotional one. Sometimes almost on tiptoe, like sleepwalkers suspended in midair, we go through oneiric landscapes, skillfully sketched by a few indispensable keyboard notes supported by minimalist drums (as in Leah). Sometimes instead we are dragged in a whirlwind of emotions, as in a race through a forest of fears, with a guitar that commands us like the flute of the Pied Piper (for example in The Seer and She knows). The most diverse seeds bloom in the music of the quartet from Cittadella. From the wide open spaces of dark ambient to the deep caves of doom. From the refined occult rock atmospheres to almost jazz passages, opening scenarios which are reminiscent of Lynch soundtracks (She knows). And often these multiple souls coexist and manifest themselves even within the same song, since there is an almost progressive rock structure at the base of their composition. In all this, on all this, a voice of beauty, power and capacity as few. A sort of feminine Orpheus that enchants the listener, taking him where she wants, showing him what she wants. At times as moving as Anneke Van Giersbergen, other times with the evocative power of Lisa Gerrard. But basically Sara's voice is so expressive and fascinating precisely because, extremely personal, it escapes labels and the game of similarities. Feast for Water is an album with an almost shamanic force, which feeds on ancestral images and feelings, capable of touching (and making resonate) the deepest and most intimate strings. Dare to immerse yourself in its waters, let your ear listen to the song of the Sirens.

[E.R.]

Monsternaut – Enter the Storm

Monsternaut – Enter the Storm

(Heavy Psych Sounds, 2018)

La Chevrolet Chevelle che i Monsternaut avevano rubato ai Fu Manchu è stata ora modificata in un pesante camion con rimorchio. L’auto con la quale i tre finlandesi avevano sfrecciato lungo i territori dello stoner più adrenalinico con i due stupendi EP autoprodotti e poi ristampati in unico LP dalla Heavy Psych Sounds nel 2016, è ora un TIR da 20 tonnellate che si muove al rallentatore, e che schiaccia tutto ciò che incontra. Niente più accelerazioni brucianti, né sgommate o testacoda. La libertà di manovra e l’agilità sono drasticamente ridotte in favore di un’andatura possente e decisa che non teme ostacoli. I riff sono sempre pompatissimi grazie al fuzz carico di diesel, ma i gas di scarico sono più densi che mai, di un colore prossimo al nero del doom metal. I Monsternaut hanno preso la patente alla scuola guida di Scott Hill e lo stile di riferimento rimane quello imparato dal biondo chitarrista americano, ma i finlandesi si sono accorti che la capote aperta e gli occhiali da Sole non sono adeguati per tutte le stagioni alle loro latitudini. Si sono dunque attrezzati con un mezzo più solido, forse non il più indicato per portare la tavola da surf in spiaggia o una cassa di birra ad una festa, ma perfetto per fare scorta di legna per l’inverno.

[R.T.]

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Monsternaut – Enter the Storm

(Heavy Psych Sounds, 2018)

The Chevrolet Chevelle that Monsternaut had stolen from Fu Manchu has now been transformed into a heavy truck with a trailer. The car with which the three Finns had raced along the territories of the most adrenaline stoner with two great self-produced EPs then reissued in a single LP by Heavy Psych Sounds in 2016, is now a 20 tons articulated lorry moving in slow motion and crushing everything it meets on its way. No more burning accelerations, or screeching or spinning out. Freedom of movement and agility are drastically reduced in favour of a strong determined pace that does not fear obstacles. Riffs are still ultra-pumped up thanks to a fuzz full of diesel, but the exhaust gas is denser than ever, its colour close to the black of doom metal. Monsternaut took their driving license at Scott Hill's driving school and the style of reference remains the one learned by the blond American guitarist, but the Finns have realized that open folding hood and sunglasses are not suitable for all seasons at their latitudes. Therefore they equipped with a more solid vehicle, perhaps not the most suitable to bring the surf board to the beach or a beer crate to a party, but perfect for storing wood for the winter.

[R.T.]

High Reeper – High Reeper

High Reeper – High Reeper

(Heavy Psych Sounds, 2018)

Ozzy Osbourne ha seminato innumerevoli figli in giro per il mondo. L’ultimo è nato nel 2016 a Philadelphia e si chiama High Reeper. Ozzy potrà non riconoscerlo, ma non c’è bisogno di un’analisi del DNA per rendersi conto chi sia il vero padre. High Reeper possiede la frenesia tossica dei Black Sabbath di Master of Reality, ma anche l’incedere funereo e lo sguardo oscuro del disco d’esordio della band di Birmingham. Non si sa di preciso chi sia la madre, ma di sicuro doveva avere l’energia e il tiro dello stoner rock californiano e un pizzico di sfrontatezza punk - caratteristiche che rendono il pargolo un’incontenibile fucina di riff divertenti e dal groove travolgente. High Reeper è ancora un bambino e segue fedelmente le orme del padre (e dei vari zii – Pentagram e Saint Vitus in testa), ma la sua fantasia fa presagire ottimi voti alla scuola di proto-metal e retro-rock alla quale è da poco iscritto. Compagno di banco del fratello Beastmaker, High Reeper ha una passione per l’horror rock meno esplicita, ma una più evidente attrazione per rombi di motore e accelerazioni. Sperando che con la crescita la band sviluppi appieno la sua personalità (raccogliendo magari qualche pessimo voto, iniziando a ripudiare i genitori, e gettandosi a capofitto nelle droghe e nelle cattive compagnie), ci godiamo intanto le trascinanti canzoni di questo esordio.

[R.T.]

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High Reeper – High Reeper

(Heavy Psych Sounds, 2018)

Ozzy Osbourne has got countless children around the world. The last one was born in 2016 in Philadelphia and he is called High Reeper. Ozzy may not recognize it, but there is no need for a DNA analysis to realize who the real father is. High Reeper has got the toxic frenzy of Black Sabbath at the time of Master of Reality, but also the funeral gait and the obscure look of Birmingham band's debut album. We do not know exactly who the mother is, but surely she must have the energy and groove of Californian stoner rock and a pinch of punk effrontery - features making the baby an uncontrollable forge of funny riffs with overwhelming groove. High Reeper is still a child and he faithfully follows in the footsteps of his father (and his various uncles - Pentagram and Saint Vitus above all), but his imagination foreshadows excellent grades in the school of proto-metal and retro-rock to which he has just registered. Deskmate of his brother Beastemaker, High Reeper has got a less explicit passion for horror rock, but a more obvious attraction for motorbike rumbles and accelerations. Hoping that with its growth the band will fully develop its personality (maybe collecting some bad grades, starting to repudiate parents, and attending bad friends), in the meantime we enjoy the enthralling songs of this debut.

[R.T.]

Electric Wizard – Wizard Bloody Wizard

Electric Wizard – Wizard Bloody Wizard

(Witchfinder Records, Spinefarm Records, 2017)

Tutto è destinato a divenire polvere. Prima o poi, inevitabilmente, tutto si prosciuga e si sgretola come fango secco. La melma sonica degli Electric Wizard aveva già attraversato questo processo ai tempi di Witchcult Today, disidratando il suo grondante sludge cosmico in un secco doom metal primordiale. Ai tempi quella scheletrica essenzialità suonò tanto sconcertante per i fan del lato più estremo della band quanto sconvolgente per un’intera generazione di musicisti pronti a trarne ispirazione. Dopo esser ricaduto in un’overdose di droghe pesanti e bad trip spaziali con i due dischi successivi, lo stregone elettrico scende nuovamente nella cripta e si avventura ancor più in profondità, per respirare l’aria viziata del rock occulto, quando questo non si chiamava ancora doom. Avvolto da ragnatele e coperto da uno spesso strato di polvere, Wizard Bloody Wizard suona ovattato e nebbioso come un disco di heavy psych sotterraneo dei primi anni 70. Una sezione ritmica decisamente più morbida di quelle del passato accentua la sensazione di trovarsi immersi in una nube di marijuana, mentre un tetro blues psichedelico risuona tra le pareti di pietra (Mourning of the Magicians). Il fatto che le profondità della cripta siano abitate oggigiorno da molti altri stregoni (alcuni dei quali, come gli Uncle Acid, con una più profonda e matura sensibilità melodica) non toglie il diritto a Jus Oborn e ai suoi discepoli di far parte del sabba oscuro, da loro stessi riportato in auge con il disco del 2007. Lo stregone è invecchiato, incartapecorito e impolverato, ma se c’è una messa nera da celebrare, sarà certamente il suo sacerdote.

[R.T.]

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Electric Wizard – Wizard Bloody Wizard

(Witchfinder Records, Spinefarm Records, 2017)

Everything is doomed to become dust. Sooner or later, inevitably, everything dries up and crumbles like dry mud. Electric Wizard sonic slime had already gone through this process at the time of Witchcult Today, dehydrating its dripping cosmic sludge in a dry primordial doom metal. At that time that skeletal essentiality sounded so disconcerting for fans of the extreme side of the band as shocking for an entire generation of musicians ready to draw inspiration. After falling into an overdose of heavy drugs and space bad trips with the two following albums, the electric sorcerer descends again into the crypt and ventures even deeper, to breathe the stale air of occult rock, when this was not yet called doom. Wrapped in spiderwebs and covered with a thick layer of dust, Wizard Bloody Wizard sounds muffled and foggy like an underground heavy psych record from the early 70s. A rhythmic section much softer than those of the past accentuates the feeling of being immersed in a cloud of marijuana, while a bleak psychedelic blues resounds among the walls of stone (Mourning of the Magicians). The fact that the depths of the crypt are inhabited today by many other sorcerers (some of whom, like Uncle Acid, with a deeper and more mature melodic sensitivity) does not take away the right of Jus Oborn and his disciples to be part of the dark Sabbath, by themselves brought back into vogue with their 2007 album. The wizard is aged, shrivelled and dusty, but if there is a black mass to be celebrated, he will certainly be its minister.

[R.T.]

Monolord - Rust

Monolord - Rust

(RidingEasy Records, 2017)

Se Empress Rising è stato un esordio col botto e, ad un solo anno di distanza, Vænir aveva confermato (e accresciuto) il valore della band, Rust è l'ulteriore progressione e consacrazione dei Monolord come una delle più interessanti realtà doom attualmente in circolazione. Fermi i capisaldi - il basso costantemente distorto di Mika Häkki, la batteria magistralmente pesante e cadenzata di Esben Willems e la voce spaziale, satura di effetti, di Thomas Jäger - il trio svedese punteggia il suo terzo capitolo di significativi elementi di novità. Ad esempio l'intro di tastiera della title-track, che suona veramente inaspettato. O il violino nell'outro di Wormland, ad immalinconire i possenti, ma comunque sempre carichissimi, riffs tipici della band. E più in generale si può rilevare come la melodia acquisisca importanza e diventi componente assolutamente in primo piano nelle sei canzoni dell'album. Il risultato è un'ora di doom granitico e monolitico, costellato di aperture e divagazioni psych, impreziosito da inserzioni quasi acustiche e arrangiamenti ancora più ricercati che in passato. Summa di tutto questo, la conclusiva At Niceae (quasi una mini-suite con i suoi oltre 15 minuti), in cui trovano spazio tutte le molte sfaccettature e peculiarità della band di Göteborg e del loro ultimo album. Emblema del doom contemporaneo, con tutte le radici ben piantate in ciò che l'ha preceduto, e rami protesi verso nuovi orizzonti (come sembra suggerire la chiusura in acustico, solo chitarra e voce). 

[E.R.]

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Monolord - Rust

(RidingEasy Records, 2017)

If Empress Rising was an astonishing debut and, just one year later, Vænir had confirmed (and increased) the value of the band, Rust is the further progression and consecration of Monolord as one of the most interesting doom reality currently around. Undisputed its cornerstones - the constantly distorted bass by Mika Häkki, the masterfully heavy and rhythmically marked drums by Esben Willems and the space voice, saturated with effects, by Thomas Jäger - the Swedish trio punctuates its third chapter with significant new elements. For example, the keyboard intro of the title track, which sounds really unexpected. Or the violin in the outro of Wormland, growing the melancholy of the mighty, yet always ultra-groovy, riffs typical of the band. And more generally, it can be seen that melody has become increasingly important, an absolutely foreground component in the six songs of the album. The outcome is an hour of granitic monolithic doom, dotted with psych openings and ramblings, embellished with almost acoustic insertions and arrangements even more refined than in the past. Summa of all this, the final At Niceae (almost a mini-suite with its more than 15 minutes), in which they find space all the many facets and peculiarities of the band from Göteborg and its latest album. Emblem of contemporary doom, with all the roots well planted in what preceded it, and branches stretched towards new horizons (as it seems to suggest the acoustic closure, only guitar and voice).

[E.R.]

Disintegrate Your Ignorance Fest 2017 – Day 1

Disintegrate Your Ignorance Fest 2017 – Day 1

Ufomammut + Doom + The Mild

04.08.2017 - Giavera del Montello (TV)

Sono un cliente affezionato. Quando un festival mi piace - sia per la musica, sia per l’atmosfera - è sempre un piacere tornarci. Ad un anno di distanza dalla tromba d’aria che costrinse i Converge a suonare 2 set nella stessa serata per poter garantire a tutti gli spettatori di assistere al loro concerto trasferito al chiuso dopo che il crollo di diversi alberi aveva distrutto il palco, eccomi nuovamente qui, tra le bellissime colline del Montello.

La prima giornata inizia dal palco piccolo (e chi si ricorda il palco di emergenza allestito l’anno scorso, se lo dimentichi: quest’anno anche quello piccolo è un palco vero e proprio!), e dalla musica dei The Mild. Ogni festival che si rispetti deve aprirsi con il botto. E la giovane band veneziana è il botto giusto. La loro musica è sludge cattivo e malato di scuola Eyehategod, che alterna fucilate hardcore a tutta velocità a macigni post metal che colpiscono la nuca, senza disdegnare feedback e dissonanze. Grande scoperta! Non poteva esserci inizio migliore!

Cena vegana e poi di nuovo di fronte al palco piccolo, dove iniziano i Doom. Nome storico del crust punk più grezzo e fangoso, con i loro assalti tipicamente hardcore scatenano subito un pogo violento. Se la band precedente aveva stupito per la devastante forza giovanile della sua musica, i veterani inglesi suonano invece ingolfati e soffocati. Nonostante la velocità, tutto suona vischioso e impantanato. Per chi (come me) viene dalla violenza precisa e calibrata del metal, suona strano sentire un batterista che, pur andando veloce, non distrugge i tamburi ad ogni colpo - o un chitarrista che non ha l’attacco in grado di staccarti i timpani ad ogni riff. Eppure il fascino dei Doom sta proprio in quella orripilante sensazione di ritrovarsi ubriaco in mezzo ad una rissa con la polizia, con i conati in bocca. Merito della voce gutturale, dei suoni sudici e dei ritmi d-beat che inducono a spintonarsi con il vicino che tranquillamente si beve una birra facendosi i cazzi suoi. Anarchia pura.

E dopo il doom di nome, ecco quello di fatto. Sul main stage salgono gli Ufomammut. Il pubblico, numeroso e appassionato, è la dimostrazione che la band di Tortona sta iniziando a raccogliere anche in Italia ciò che all’estero è ormai, giustamente, un dato di fatto. Con suoni inizialmente non perfettamente calibrati, il doom cosmico della band piemontese impiega alcuni minuti a svelarsi in tutta la sua potenza psichedelica. Ma nella seconda parte dello show veniamo rapiti dalle mazzate interstellari del trio. E si conferma la mia teoria astrofisica secondo la quale quando la componente “mammut” (riff) è più in evidenza di quella “ufo” (visioni psichedeliche), si gode di più! All’apice del trip spaziale, l’astronave cade di colpo. Saltata la luce. Sembra di essersi svegliati di soprassalto. Intontiti attendiamo il ritorno dell’energia. Si riparte. Gran finale con pioggia di meteoriti, fulmini cosmici e tempeste di distorsioni. Heavy psychedelic music, made in Italy. DOCG.

[R.T.]

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Disintegrate Your Ignorance Fest 2017 – Day 1

Ufomammut + Doom + The Mild

08.04.2017 - Giavera del Montello (TV)

I am a loyal customer. When I like a festival - both for the music and the atmosphere - it's always a pleasure to come back. One year after the whirlwind that forced Converge to play 2 sets in the same evening to guarantee all the participants to attend their concert (moved indoor after the collapse of several trees had destroyed the stage) here I am again, among the gorgeous Montello hills.

The first day starts from the small stage (and who remembers the emergency stage set up last year, forget about it: this year also this one is a proper stage!) and the music of The Mild. Every festival you respect must open with the bang. And the young Venetian band is the right bang. Their music is a evil sick sludge of Eyehategod school, alternating hardcore at full-speed and post-metal boulders, without disdaining feedbacks and dissonances. Great discovery! There could be no better start!

Vegan dinner and then again in front of the small stage for Doom. With its typically hardcore assaults, the historical name of the roughest and muddiest crust punk immediately triggers a violent mosh. If the first band was astonishing for the devastating youthful strength of its music, the British veterans sounds engulfed and suffocated instead. Despite the speed, everything sounds gunky and bogged. For those who (like me) come from the sharp and calibrated metal violence, it sounds weird to hear a drummer who, while going fast, does not destroy the drums at every turn - or a guitarist who does not have the attack that can break eardrums at every riff. Yet the charm of Doom lies in that horrible feeling of being drunk in the midst of a fight with the police, with retchings in the mouth. Thanks to the guttural voice, the nasty sounds and the d-beat rhythms that induce to push with the neighbor who quietly drinks a beer giving a fuck of the rest. Pure anarchy.

And after doom as a name, doom in fact. Ufomammut on the main stage. The audience, numerous and passionate,is the proof that the band from Tortona has finally gained in Italy the success reached abroad years ago. With sounds initially not perfectly calibrated, the cosmic doom of the trio takes a few minutes to reveal itself throughout its psychedelic power. But in the second part of the show we are abducted by their interstellar blows. And my astrophysical theory gets confirmed: when the "mammoth" component (riffs) is more prominent than the "ufo"  one (psychedelic visions), pleasure increases! At the top of the space trip, the spaceship collapses. The power goes out. It's like waking up with a start. Stunned we all wait for the rest of the show. Grand finale with rain of meteorites, cosmic lightnings and storms of distortions. Heavy psychedelic music, made in Italy. DOCG.

[R.T.]

Ahab + The Foreshadowing – 25.11.2016 – Exenzia Der Club (Prato)

Ahab + The Foreshadowing – 25.11.2016 – Exenzia Der Club (Prato)

Stasera è dedicata ad una “prima assoluta” e ad una seconda “per riconferma”. La serata in realtà propone anche altre bands, ma io ce la faccio ad arrivare soltanto prima dell’inizio di quelle appuntate sulla mia lista di “desiderata”.

I romani The Foreshadowing mi conquistarono letteralmente al concerto al Cycle di Calenzano nel gennaio 2014 (tour di spalla ai danesi Saturnus, insieme a Doomraiser e Shores of Null). Da allora aspettavo con ansia l’occasione per sentirli nuovamente dal vivo e l’uscita del nuovo Seven Heads Ten Horns me ne ha finalmente dato l’opportunità. Viste le alte aspettative e visto che – nonostante sia uscito già da alcuni mesi – non avevo ancora ascoltato il nuovo album, il rischio di rimanere non pienamente soddisfatta era davvero alto. E invece la band romana ha lasciato il segno anche stavolta e si è riconfermata. Molte le canzoni dal nuovo album e su tutte ha spiccato la splendida suite finale Nimrod. Suoni decisamente buoni, con le linee di tutti gli strumenti (tastiere/synth compresi) ben in evidenza. L’unico a rimanere leggermente sotto – non so se per volume/settaggio del microfono o per mal di gola/“serata no” – è Marco Benevento, la cui voce cavernosa regala brividi ed emozioni, ma non risulta profonda e oscura come nel precedente live e come su disco. Peccato veniale, per una formazione che ad una indubbia capacità tecnica affianca canzoni che catturano l’ascoltatore per la loro carica emotiva.

Gli Ahab me li erano tenuti in serbo per questa data perdendomeli al Desertfest Belgium (suonavano in contemporanea con i Pentagram, e – sapendo che per fortuna li avrei recuperati un mese e mezzo dopo in Italia – li avevo lasciati “in sospeso” in attesa del concerto di stasera). Il quartetto tedesco mi travolge fin dalla prima nota con il suo suono profondo, possente e “oceanico”, e resto da subito stordita dalla lentezza e pesantezza doom di ogni singola nota. Se la chitarra di Daniel Droste infila uno dietro l’altro riffs ed assoli di cristallina e oscura bellezza, è sicuramente la batteria di Cornelius Althammer ciò che più di ogni altra cosa cattura lo spettatore. Ogni singolo “colpo” sferrato dal batterista è davvero micidiale ed è una specie di secondo motore della band, capace di aggiungere un imprevisto – pur sempre monolitico – dinamismo ad ogni nota suonata, così come ad ogni canzone nella sua interezza. La voce di Droste è ipnotica, quasi un mantra degli abissi, quando risuona nel suo growl più pieno e fangoso. Spiazzante nelle parti pulite, in cui – forse non sempre perfetta, ma comunque efficace – mi porta alla mente Aaron Stainthorpe per l’incedere teatrale e – a tratti – dolente. Un set incredibile, la cui ora e mezzo è scorsa via in un attimo (e questo può sembrare un paradosso, visto il genere!), e la cui chiusura è affidata ad un estratto dal primo, seminale, The Call of the Wretched Sea.

[E.R.]

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Ahab + The Foreshadowing – 11.25.2016 – Exenzia Der Club (Prato)

Tonight is dedicated to a "première" and a second time "for reconfirmation".There are also other bands playing this evening, but I managed to arrive only before the start of those pinned on my wishlist.

Roman The Foreshadowing literally won me over with their concert at Cycle, in Calenzano, in January 2014 (support tour to Danish Saturnus, along with Doomraiser and Shores of Null). Since then I looked forward to the chance to hear them again live and the release of the new Seven Heads Ten Horns has finally given me this opportunity. Considering the high expectations and the fact that - even though already out a few months ago - I had not heard the new album yet, the risk to remain not completely fulfilled was really high. Yet the Roman band left its mark once again and reconfirmed itself. Many songs from the new album and upon all the wonderful final suite Nimrod really stood out. Definitely good sounds, with the lines of all instruments (keyboards/synths included) well in evidence. The only one to remain slightly below his talent - do not know if for volume/setting of the microphone or sore throat/"bad night" - is Marco Benevento, whose cavernous voice gives chills and emotions, but it does not sound deep and dark as in the previous live and on recordings. Venial sin, for a band that put side by side to an undoubted technical ability songs that capture the listener for their emotional charge.

I lost Ahab gig at Desertfest Belgium to listen to them tonight (they played simultaneously with  Pentagram, and - knowing that luckily I would have recovered them a month and a half later in Italy - I had left them "on hold" pending for this date). The German quartet overwhelms me from their very first note with its deep, powerful and "oceanic" sound and I immediately feel stunned by the doomy slowness and heaviness of every single note. If Daniel Droste guitar puts one behind the other riffs and solos of crystalline and dark beauty, it is definitely  Cornelius Althammer drums what captures the audience more than anything else. Every single stroke of the drummer is really deadly and it is kind of a second engine of the band, able to add an unexpected - still monolithic - dynamism to each note as well as to each song in its entirety. Droste voice is hypnotic, almost a mantra of the deep, when it resonates in his full muddy growl. Surprising in clean parts, in which - perhaps not always perfect, but still effective - he reminds me of Aaron Stainthorpe for his theatrical and - at times - sorrowful gait. An incredible set, whose hour and a half ran away in a moment (and this may seem paradoxical, given the genre!), and whose closing is entrusted to an excerpt from the first, seminal, The Call of the Wretched Sea.

[E.R.]

Deadsmoke - Deadsmoke

Deadsmoke - Deadsmoke

(Heavy Psych Sounds, 2016)

Già dalla copertina, l'omonimo album dei Deadsmoke richiama alla mente un pesante (Ufo)mammut che si aggira ai piedi di un ghiacciaio. Riff pesantissimi e imponenti si muovono con lentezza estenuante, come un pachiderma peloso in cerca di cibo tra distese di rocce moreniche e neve. Il gelo avvolge sia le gigantesche montagne sia le canzoni della band - che proprio alle pendici delle montagne (dell'Alto Adige) si è formata. Siamo ad alta quota, in una notte di Gennaio. Sarà per il freddo - che intorpidisce e fa perdere la sensibilità - o per quel cielo stellato che ipnotizza, fatto sta che l'effetto di questa musica è stordente, con evidenti richiami al doom cosmico di scuola Electric Wizard e Sleep, oltre che Ufomammut.  L'ottundimento è inoltre amplificato da alcuni echi space rock che sembrano risuonare tra quelle montagne (complice anche lo special guest Gabriele Fiori ai synth - Black Rainbows, nonché Heavy Psych Sounds Records, etichetta della band bolzanina). Qualche rovinosa frana di massi, in puro stile post metal (Tornado), dona inoltre movimento ad un disco altrimenti monolitico. Il mammut dei Deadsmoke è un animale estinto e non aggiunge particolari novità alla fauna del presente: ma è talmente vivo da far gola a tutti i cacciatori di queste sonorità. Se poi si pensa che si tratta di un cucciolo (questo è infatti il disco d'esordio del trio) è tanta la curiosità di sapere cosa combinerà "da grande" quando si distaccherà dalle orme dei padri.

[R.T.]

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Deadsmoke - Deadsmoke

(Heavy Psych Sounds, 2016)

The cover itself of Deadsmoke selftitled album is reminiscent of a heavy (UFO)mammoth wandering at the foothills of a glacier. Heavy imposing riffs move with exhausting slowness, like a hairy pachyderm looking for food amongst morainic rocks and snow. Chill envelops both the gigantic mountains and the songs of the band - band formed exactly at the (South Tyrol) mountain slopes. We are at high altitude, in a January night. Maybe for the cold - which numbs and makes you lose sensitivity - or maybe for the hypnotizing starry sky, the fact is that the effect of this music is deafening, with clear references to the cosmic doom of Electric Wizard and Sleep school, as well as Ufomammut. Obtundation is also amplified by some space rock echoes that seem to resonate up in those mountains (also thanks to special guest Gabriele Fiori on synth - Black Rainbows and Heavy Psych Sounds Records, label of the band from Bolzano). And there is also some disastrous landslide of boulders in pure post metal style (Tornado), giving movement to an otherwise monolithic album. Deadsmoke mammoth is an extinct animal and does not add special news to the fauna of the present time: but it is so alive as to be extremely tasty for all the hunters of these sounds. And if you think that it is just a puppy (it is the trio's debut album indeed) you cannot wait to see what it will look like when "grown up" and detached from fathers footsteps.

[R.T.]

Cough – Still They Pray

Cough – Still They Pray

(Relapse Records, 2016)

Cough. Tosse. Non potevano trovare un nome più adeguato alla loro musica, i quattro della Virginia. Il doom cosmico che caratterizza i 67 minuti del loro terzo disco ha infatti la repellente vischiosità del catarro che ingolfa i bronchi. Brani lunghi e fangosi che si trascinano lentamente, trovando a fatica un raggio di luce. La voce di Parker Chandler non è certo il ritratto della salute e, a tratti, raggiunge i versanti più putridi dello sludge (Possession, Masters of Torture). Riff pesantissimi e ossessivi, che, nonostante la loro monoliticità, mantengono un groove sinuoso (come se ondeggiassimo, completamente ubriachi, su un’altalena…prossimi a vomitare…). Non che la loro proposta sia particolarmente originale (l’influsso degli Electric Wizard è più che evidente, e non solo perché l’album è prodotto da Jus Oborn), ma i brani sono avvincenti, sia quando si dilatano in assoli di blues sporco carico di echi psichedelici (Shadow of the Torturer), sia quando si avventurano lungo direttrici maggiormente melodiche (Let It Bleed). Parker Chandler, divenuto bassista dei Windhand, ha portato alla corte dei suoi Cough Garrett Morris (che dei Windhand è chitarrista e produttore) per affiancare Oborn nelle fasi di lavorazione in studio. A differenza dei Windhand, però, qui non c'è alcuna sfumatura luminosa, perché siamo circondati dalle atmosfere tetre e viscide di un vecchio film splatter. Anche se il risultato non si discosta molto dai classici del genere, è sempre piacevole provare la sensazione di Regan MacNeil, posseduta dal demonio, che vomita in faccia a Padre Karras.

[R.T.]

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Cough – Still They Pray

(Relapse Records, 2016)

Cough. They could not find a more appropriate name to their music. The 67 minutes of cosmic doom of their third album owns the repellent stickiness of  mucus choking bronchial tubes. Long and muddy tracks slowly dragging themselves, finding  a ray of light with difficulty. Parker Chandler voice is certainly not the picture of health, and, at times, it reaches the most putrid side of sludge (Possession, Masters of Torture). Despite their monolithicity, the heavy obsessive riffs maintain a sinuous groove (as if we sway, completely drunk, on a seesaw ... close to vomit ...). Their music is not particularly original (the influence of Electric Wizard is evident and not only because the album is produced by Jus Oborn), but songs are compelling, both when dilate themselves in dirty blues solos full of psychedelic echoes (Shadow of the Torturer), and when venturing along melodic roads (Let It Bleed). Becoming Windhand bassist, Parker Chandler brought Garrett Morris (Windhand guitar player and producer) to the court of his Cough, to help Oborn in the processing steps in the recording studio. Differently from Windhand, here there is no shade of light, because we are surrounded by the gloomy and slimy atmosphere of an old splatter film. Although the result is not so different from the classic albums of the genre, it is always nice to experience the feeling of Regan MacNeil, possessed by the devil, vomiting in the face of Father Karras.

[R.T.]

Spider Kitten - Ark of Octofelis

Spider Kitten - Ark of Octofelis

(Undergroove, 2016)

In una sorta di alpha-omega - che è al tempo stesso cerchio e spirale - nello spazio-tempo compreso fra Underestimating The Consequences Of Effective Propaganda (Part I) e Underestimating The Consequences... (Part II), si muove e vive questo nuovo album dei gallesi Spider Kitten. In uno scenario retro-futuribile, sospesi in un non-tempo e nel non-luogo per eccellenza - il deserto -, la componente space e psichedelica del combo capitanato da Chi Lameo prende il sopravvento su ogni cosa e dilata suoni, ritmiche e melodie. Ark of Octofelis si rivela quindi una sorta di sorpresa per tutti quelli che considerano gli Spider Kitten come "band doom del Galles". Infatti soltanto in un paio di pezzi - in particolare One From The Heart - chitarre e distorsioni si appesantiscono, inserendosi nei canoni del genere. Per il resto, tutto ruota attorno al concept di questo album (le macchinazioni - di potere?! - di una band psichedelica attorno ad un culto/non-culto che ruota attorno alla musica in uno spazio/tempo fittizio e "siderale"), a partire dal quasi ipnotico e iper-dilatato mantra di Feline Will, per poi mostrare tutte le sue molteplici facce nell'articolato side two. Punto di forza di Chi Lameo e soci è senz'altro il cantato: sdoppiato, allucinato, dalle melodie torte e al tempo stesso estremamente catchy (alla Alice In Chains maniera), con armonizzazioni davvero sempre perfette (e che anche dal vivo mantengono inalterato il loro fascino, la loro bellezza). Ark of Octofelis è un gran viaggio psichedelico, e in quanto tale richiede la giusta predisposizione e il giusto tempo: prendetevelo tutto, entrate nel loop di questa suite lunga 46', rimaneteci invischiati dentro, e così assaporerete la bellezza del pianeta Octofelis e del culto dello Spider Kitten.

[E.R.]

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Spider Kitten - Ark of Octofelis

(Undergroove, 2016)

Welsh Spider Kitten new album lives in a sort of alpha-omega - that is at once circle and spiral - in the space-time between Underestimating The Consequences Of Effective Propaganda (Part I) and Underestimating The Consequences...(Part II). In a retro-futuristic scenario, suspended in a non-time and in a non-place par excellence - the desert -, the space psychedelic part of the combo captained by Chi Lameo takes over everything and dilates sounds, rhythms and melodies. Therefore Ark of Octofelis becomes some kind of surprise for all those who consider Spider Kitten as a "Welsh doom band". Indeed only in a couple of songs - in particular One From The Heart - guitars and distortions become heavier, fitting in the canons of the genre. Apart from this, everything is focused on the concept of this album (the - power?! - machinations of a psychedelic band around a cult/non-cult revolving around music in a "sidereal" artificial space-time), starting from the almost hypnotic, hyper-dilated Feline Will mantra, then showing all its many sides in the multifaceted side two. Vocals are certainly Chi Lameo & co. strength and added value: doubled, hallucinated, with crooked and at the same time extremely catchy (à la Alice In Chains) melodies, with really always perfect harmonizations (maintaining intact their charm and beauty also in live shows). Ark of Octofelis is a great psychedelic trip, and as such it requires the right aptitude and the right time. Take all the time you need, get into the loop of this 46-minutes-long suite and get stucked inside it: so you will taste the beauty of the planet Octofelis and the cult of The Spider Kitten.

[E.R.]