Lucifer – Lucifer II

Lucifer – Lucifer II

(Century Media, 2018)

Lucifer nasce da un rapporto a distanza. Ma necessita di concreta collaborazione per svilupparsi. Tramontata quella tra la chitarra di Gaz Jennings e la voce di Johanna Sadonis, è grazie all’unione concreta tra la cantante e il suo compagno Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) che viene a ricrearsi l’alchimia necessaria affinché venga alla luce il secondo capitolo della saga. Questa nuova unione non può che determinare un risultato estremamente diverso dal precedente. Quasi la sua antitesi. La fascinazione per i misteri e le oscurità dell’antico Egitto (che nel primo album prendevano vita attraverso un doom metal dalle tinte occulte) è accecata stavolta dalla luce abbagliante di un raggio di Sole che più che nordafricano sembra californiano. C’è aria di libertà, più che di catacomba. Dietro un velo enigmatico e oscuro, i Blue Öyster Cult nascondevano una robusta anima rock n’ roll. E proprio a quella si ispirano i nuovi Lucifer che, pur mantenendo un’ambigua componente sulfurea (soprattutto in Phoenix e Faux Pharaoh), la colorano con arcobaleni di melodia e riff morbidi e rotondi. Un blues rock che pare sorgere direttamente dai primi anni '70, con ancora qualche influsso della summer of love. Un atteggiamento fiducioso, romantico e raggiante che nessuno avrebbe mai associato all’angelo caduto, ma che proprio per questo sorprende (o sconcerta, a seconda dei gusti) dimostrando quanto egli sia in grado di cambiare pelle allontanandosi dai cliché di genere.

[R.T]

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Lucifer – Lucifer II

(Century Media, 2018)

Lucifer comes from a long distance relationship. But it needs concrete collaboration to develop. Faded that between Gaz Jennings guitar and Johanna Sadonis voice, it is thanks to the concrete union between the singer and her partner Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) that is recreated the alchemy necessary to the second chapter of the saga to come to light. This new union can only determine a result which is extremely different from the previous one. Almost its antithesis. The fascination for the mysteries and obscurities of ancient Egypt (which in the first album took life through a dark-coloured doom metal) is blinded this time by the dazzling light of a ray of the Sun that seems Californian more than North African. There is air of freedom, more than that of a catacomb. Behind an enigmatic and obscure veil, Blue Öyster Cult hid a robust rock n 'roll soul. And that is what inspired the new Lucifer that, while maintaining an ambiguous sulphurous component (especially in Phoenix and Faux Pharaoh), colour it with rainbows of melody and soft round riffs. A blues rock that seems to rise directly from the early 70s, with still some influence of the summer of love. A confident, romantic and radiant attitude that no one would ever associate with the fallen angel, but exactly for this reason it surprises (or disconcerts, according to taste) proving how much he is able to change skin moving away from genre clichés.

[R.T.]

Tribulation - Down Below

Tribulation - Down Below

(Century Media, 2018)

Nel sottobosco metal degli ultimi anni scarseggiano i vampiri. La fauna che oggi abita le foreste nere è caratterizzata da nani barbuti, grezzi e sporchi, spaventati dall'idea di prendersi troppo sul serio. Oppure da vecchie mummie fin troppo seriose - ultimi, incartapecoriti, mostri sacri del genere. Quando dalla bara sorgono band come i Tribulation - capaci di una musica suadente e affascinante - è impossibile non rimanere ipnotizzati dal richiamo delle tenebre. La musica di questi figli della notte possiede tutta la bellezza spettrale e l'energia dell'eterna gioventù (se nutrita con un'adeguata quantità di sangue) e, al tempo stesso, la sofisticata maturità di chi ha vissuto un numero infinito di notti. Con il loro quarto album gli svedesi dipingono una meravigliosa e trascinante danza macabra di metal gotico dalle tinte orrorifiche e cinematografiche, manipolando il colore nero con melodie al tempo stesso ammalianti, inusuali e coinvolgenti, in grado di insinuarsi nella testa come lugubri ossessioni. Se la voce di Johannes Andersson è la caratteristica più facilmente riconducibile al buio delle foreste del metal nord europeo (riportando alla mente quella di Mikael Stanne dei Dark Tranquillity), è con le sbilenche melodie delle chitarre di Jonathan Hultén e Adam Zaars che si percepisce la profondità che si cela all'interno della cassa da morto. In questi ultimi anni solo Pallbearer, Ahab e pochi altri erano riusciti a coniugare atmosfere nebbiose e romantica malinconia con un filo di dissonanza apparentemente fragile, ma in realtà portante. Adesso, fortunatamente, abbiamo nuovi emaciati vampiri ad accompagnare i nostri incubi.

[R.T.]

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Tribulation - Down Below

(Century Media, 2018)

In recent years there have not been many vampires in metal undergrowth. Fauna inhabiting the black forests today is characterized by bearded dwarfs, rough, dirty and frightened by the idea of taking themselves too seriously. Or from old mummies far too serious - last, shrivelled, sacred monsters of this genre. When bands capable of mellow fascinating music like Tribulation arise from the coffin, it is impossible not to be hypnotized by the call of darkness. The music of these children of the night possesses all the spectral beauty and energy of eternal (if nourished with an adequate quantity of blood) youth and, at the same time, the sophisticated maturity of those who have lived an infinite number of nights. With their fourth album, the Swedes paint a marvelous and enthralling ghoulish dance of gothic metal with horror and cinematographic shades, manipulating the black colour with melodies at the same time bewitching, unusual and engaging, able to creep into the head like lugubrious obsessions. If Johannes Andersson voice is the most easily referable to the darkness of the northern European metal forests (calling to mind Mikael Stanne of Dark Tranquility), it is with the lopsided melodies of Jonathan Hultén and Adam Zaars guitars that it is possible to perceive the depth lying within the dead body. In these last years only Pallbearer, Ahab and a few others had managed to combine foggy atmospheres and romantic melancholy with a thread of seemingly fragile, yet so important, dissonance. Fortunately now we have new emaciated vampires to accompany our nightmares.

[R.T.]

Radio Moscow – New Beginnings

Radio Moscow – New Beginnings

(Century Media, 2017)

Raccogliere la scossa elettrica generata cinquanta anni fa da un chitarrista di colore nato a Seattle senza rimanerne fulminati, non è un’impresa facile. Eppure i Radio Moscow dimostrano di saper cavalcare la saetta con naturalezza, e di saperla guidare con personalità. Il trio sale a bordo di un’auto sportiva americana di fine anni '60, spacca i freni e si lancia a rotto di collo, con il volume a palla. La chitarra di Parker Griggs è al volante, mentre la sua voce rovente è sul sedile di fianco, e attraversa rocciosi territori hard rock con tocco morbido e intenso di scuola blues, fino a sfociare nella psichedelia. Con un drumming convulso Paul Marrone si lancia all’inseguimento, lungo i binari disegnati dal basso di Anthony Meier. A bruciare la strada, comunque, è la frenesia incontenibile della chitarra di Griggs, il quale - al suo quinto album - spinge ancor di più sull’acceleratore. Attraversata nel corso di mezzo secolo da centinaia di rocker in cerca di libertà, questa strada viene infuocata per l’ennesima volta da un trio armato solo di chitarra, basso e batteria. Una storia che si ripete, è vero. Ma, se viene interpretata con carattere come in New Beginnings, riesce ad esaltare come ogni volta che riguardiamo Easy Rider, con un poster dei Cream e una lava lamp accanto a noi.

[R.T.]

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Radio Moscow – New Beginnings

(Century Media, 2017)

Collecting the electric shock generated fifty years ago by a black guitarist born in Seattle without being electrocuted, is not an easy task. Yet Radio Moscow prove that they know how to ride the lightning bolt naturally and they know how to drive it with personality. The trio climbs aboard an American sports car of the late 60s, breaks the brakes and launches itself at breakneck speed, turning up the volume to the max. Parker Griggs guitar is behind the wheel, while his hot voice is on the seat next to him, and he crosses stone hard rock territories with a soft intense touch of blues school, until it ends up in psychedelia. With a convulsive drumming, Paul Marrone goes in pursuit, along the tracks designed by Anthony Meier bass. Burning the road, however, it is the uncontrollable frenzy of Griggs guitar, who - on his fifth album - pushes even more on the accelerator. Crossed over half a century by hundreds of rockers in search of freedom, this road is being fired for the umpteenth time by a trio armed only with guitar, bass and drums. A story that repeats itself, it's true. But, if interpreted with character as in New Beginnings, it succeeds in exciting the listener as well as we get excited every time we watch Easy Rider, with a poster of Cream and a lava lamp next to us.

[R.T.]

Nevermore - Dreaming Neon Black

Nevermore - Dreaming Neon Black

(Century Media, 1999)

All play dead. Un suicidio apre le porte della disperazione e la tragedia distrugge ogni sogno per il futuro e ogni certezza con cui era stato costruito il passato. L'impotenza di fronte alla nostra fragilità. E la rabbia diventa l'unica, inutile, liberazione. Incubi ossessivi e ricorrenti in mezzo a delicati momenti di solitudine con i nostri propri fantasmi. Dreaming Neon Black è un concept album sul magnetismo dell'autodistruzione dopo la morte di ogni divinità. Deliberatamente teatrale nella sua interpretazione, Warrel Dane viene ispirato da una storia che lo ha coinvolto. E il suo impeto appassionato lo possiamo respirare in ogni canzone. Atmosfere gotiche, melodie acide e dissonanze stridenti sono protagoniste tanto quanto i riff furiosi ed intricati o i liquidi arpeggi che fanno di questo album un gioiello unico nella storia dell'heavy metal.

[R.T.]

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Nevermore - Dreaming Neon Black

(Century Media, 1999)

All play dead. A suicide opens wide the doors of desperation and the tragedy destroys every dream about the future and every certainty with whom the past had been built. Impotence facing our frailty. And rage becomes the only, useless, deliverance. Recurring obsessive nightmares amongst delicate moments of solitude with our own ghosts. Dreaming Neon Black is a concept album about self-destruction magnetism after the death of every God. Deliberately theatrical in his interpretation, Warrel Dane is inspired by a story that involved him. And his passionate impetus we can breathe in every song. Gothic atmospheres, acid melodies and grinding dissonances are protagonists as much as furious intricate riffs or liquid arpeggios making this album a unique jewel in heavy metal history.

[R.T.]

Paradise Lost – The Plague Within

Paradise Lost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

La fonte dell’eterna giovinezza. I Paradise Lost ne hanno bevuto l'acqua, ritrovando il loro paradiso perduto. Tornati gradualmente già da alcuni anni sul sentiero del death/doom degli esordi, i padri del gothic metal ritornano di colpo ad essere degli adolescenti dalla forza incontenibile con un disco massiccio e muscoloso come The Plague Within. E' però innegabile che le tante esperienze accumulate in più di un quarto di secolo di carriera non sono certo andate perdute. La sensibilità per le melodie romantiche non svanisce dietro ai riff mastodontici, così come la voce pulita di Nick Holmes non è sopraffatta dal suo growl rabbioso - che qui torna protagonista come non accadeva da anni. Mai, però, i Paradise Lost avevano suonato così diretti e impetuosi. La mente matura, in un corpo giovane e forte, genera un disco con lo sguardo rivolto in avanti, mai nostalgicamente ancorato al passato. Dal primo (esaltante!) riff di No Hope In Sight all'epico e tragico crescendo di Return to the Sun, passando per l'oppressivo e funereo incedere di Beneath Broken Earth o per quello devastante di Flesh from Bones, ogni canzone scorre come un fiume - emotivo - in piena, travolgendo qualsiasi cosa incontri lungo il suo percorso. I momenti di riflessione si annidano negli intrecci romantici disegnati dai fraseggi delle due chitarre, ma anche gli istanti più meditativi possiedono una forza e una determinazione che mai ci si aspetterebbe da musicisti da così tanti anni sulla scena. Una rinascita, sotto una veste che è indubbiamente tra le più affascinanti mai indossate dalla band.

[R.T.]

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ParadiseLost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

The fountain of eternal youth. Paradise Lost drunk its water, recovering their lost paradise. Gradually back to the path of their death/doom beginnings, gothic metal fathers suddenly come back to their adolescence with unmanageable strength thanks to a massive muscular album like The Plague Within. But it is undeniable that the many experiences collected in more than a quarter of a century of career are certainly not lost. Sensitivity for romantic melodies does not fade behind mastodontic riffs, just as Nick Holmes clean voice is not overwhelmed by his angry growl - which here comes back protagonist as it has not been for years. Though Paradise Lost had never been so direct and impetuous. In a young and strong body, the mature mind creates an album which looks forward and is never nostalgically anchored to the past. From the first (exciting!) riff of No Hope In Sight to the epic and tragic crescendo of Return to the Sun, through the oppressive and funereal pace of Beneath Broken Earth or the devastating one of Flesh from Bones, each song runs like an overflowing - emotional - river, swamping everything it finds along its path. Moments of reflection nest in the romantic interweavings drawn by the phrasings of the two guitars, but even the most meditative moments have got a strength and determination that would never be expected by musicians for so many years on the scene. A rebirth, under a dress that is undoubtedly one of the most fascinating ever worn by the band.

[R.T.]

Hexvessel - When We Are Death

Hexvessel - When We Are Death

(Century Media, 2016)

Gli Hexvessel sono morti. Il loro trapasso è in realtà una rigenerazione, e si chiama When We Are Death. La nuova incarnazione della band finlandese, giunta al terzo full lenght, affonda sì le sue radici nell’humus del folk notturno del passato, proiettando però le sue foglie verso altre direzioni, alla ricerca di una luce spirituale che richiama la psichedelia americana di fine anni 60, con qualche accenno agli Anathema romantici del presente. D’altra parte per Mat Mc Nerney la vita artistica è continua rigenerazione (basti pensare alle trasformazioni che ha attraversato la sua carriera, dall’avantgarde black metal dei Dødheimsgard al post punk dei Beastmilk/Grave Pleasures). Questa volta il musicista inglese, approdato alcuni anni fa nelle foreste finlandesi per creare gli Hexvessel, rende esplicita la sua filosofia di morte e rinascita, in un ciclo naturale che tutto connette e interrelaziona. When We Are Death è un disco di delicato e malinconico rock psichedelico, in cui si respira il mistero e la meraviglia di chi si trova di fronte all’imprevisto, ma inevitabile, cambiamento. Per tutti coloro che pensano che le trasformazioni radicali siano linfa vitale.

[R.T.]

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Hexvessel - When We Are Death

(Century Media, 2016) 

Hexvessel are dead. Yet their passing is a regeneration and its name is When We Are Death. Reached the third full lenght, the new incarnation of the Finnish band is rooted in the humus of night folk of the past, yet it projects its own leaves towards different directions, in search of a spiritual light recalling the late 60s American psychedelia, with some hints of current romantic Anathema. After all, Mat Mc Nerney's artistic life is a continuous regeneration (just think about the many transformations during his career, from Dødheimsgard avantgarde black metal to Beastmilk/Grave Pleasures post punk). Landed some years ago into the Finnish forests to create Hexvessel, this time the English musician makes explicit his own philosophy of death and rebirth, placed in a natural cycle which connects and interrelates everything. When We Are Death is delicate, melancholic psychedelic rock. Listening to this album you breath the mystery and wonder of those who face the unexpected, yet unavoidable, change. For all those who think that radical changes are lifeblood.

[R.T.]