Marnero + Nero di Marte + Zambra – 10.11.2018 – Il Contro (Prato)

Marnero + Nero di Marte + Zambra – 10.11.2018 – Il Contro (Prato)

Il nero sta bene in ogni occasione. Elegante e mai superfluo, aiuta anche a snellire la figura. Stasera ne abbiamo in abbondanza, perché non c’è abbinamento migliore, per il (Mar)nero, che altro Nero (di Marte) - ma in passato ho assistito anche ad un ottimo accostamento con i Nero(rgasmo).

Arriviamo al Contro sui primi riff degli Zambra. Il loro post hardcore più che nero è color ruggine. Ti lascia in bocca quel sapore di ferro di quando ti spacchi un labbro. Una sensazione sgradevole generata da un misto di dolore e rabbia, dissonanze e ritmi spezzati. La band fiorentina, che da pochissimo ha pubblicato il suo album d’esordio, è un concentrato di riff storti e sgranati, che esaltano tutti gli appassionati (come me) del sadismo sonoro di Botch, Unsane, Helmet e altra gente che si faceva il bidet con la cartavetra per lenire il dolore di vivere. Il cantante, David (che ricordo al microfono dei Disquietedby in mutande sul palco!), stasera mostra ben altra eleganza, alternando urla graffianti a profondissimi vocalizzi che paiono uscire da un didgeridoo. Una scoperta straordinaria!

Che il nero potesse rifrangersi in riflessi colorati me lo avevo dimostrato lo splendido Derivae, album del 2014 dei bolognesi Nero di Marte. Un disco che parte dal buio intenso del metal per mostrare sfumature inedite, a tratti post rock, con puro spirito progressivo. Complessa e ricercata, è una musica ricca di particolari che rischia di perdersi (e di lasciare l’ascoltatore alla deriva) se i suoni non sono perfettamente calibrati. Stasera purtroppo la struttura dei brani tende a collassare su se stessa a causa dei suoni non ottimali (cassa della batteria non pervenuta alle miei orecchie, ad esempio). Sempre emozionanti le note de Il Diluvio, e molto interessanti i nuovi brani (più delicati e atmosferici, e ancora più complessi), ma forse il nero elegante dei Nero di Marte richiederebbe maggior cura sonora per esprimersi al meglio.

La tenuta d’ordinanza del post harcore è il nero che chiude la serata. I Marnero sono solo quattro, ma sembrano un esercito. Non solo quando partono all’assalto (A.C.H.A.B.) ma anche quando dimostrano di saper creare il giusto climax, prima di lanciarsi negli scontri (Le navi non ardono ancora). Una band che costruisce l’attesa e la manipola con arrangiamenti complessi, dilatandola fino al punto di esplosione. Quel che stupisce è come questa ricerca sonora, estremamente matura, non abbia minimamente scalfito la furia hardcore, né l’ironia di JD Raudo (che dai tempi dei Laghetto continua a regalare siparietti esilaranti). Con un concerto incentrato sull’ultimo, straordinario, disco (Quando vedrai le navi in fiamme sarà giunta l’ora) si chiude la “notte nera” del Contro.

[R.T.]

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Marnero + Nero di Marte + Zambra – 11.10.2018 – Il Contro (Prato)

Black is fine on every occasion. Elegant and never superfluous, it also helps to streamline the figure. Tonight we have plenty of it, because there is no better match, for (Mar)nero other than Nero (di Marte) - but in the past I have also witnessed an excellent match with Nero(rgasmo).

We enter Il Contro on Zambra first riffs. Their post hardcore more than black is rust-coloured. It leaves in your mouth that taste of iron typical of when you break a lip. An unpleasant sensation generated by a mixture of pain and anger, dissonance and broken rhythms. The Florentine band, which has just released its debut album, is a concentrate of crooked distorted riffs, which exalt all the fans (like me) of the sonic sadism of Botch, Unsane, Helmet and other people who used to make the bidet with sandpaper towel to soothe the pain of living. The singer, David (who I remember at the microphone of Disquietedby in his underwear on stage!), tonight shows quite another elegance, alternating scratchy screams to deep vocalizations that seem to come out of a didgeridoo. An extraordinary discovery!

That black could refract itself in colored reflections it was shown by the wonderful Derivae, album of the 2014 by the Bolognese Nero di Marte. A record that starts from the intense darkness of metal to reveal unprecedented nuances, at times close to post-rock, with pure progressive spirit. Complex and sophisticated, it is a music full of details that risks getting lost (and leaving the listener drifting) if sounds are not perfectly calibrated. Tonight, unfortunately, the structure of songs tends to collapse on itself due to the non-optimal sounds (bass drum did not reached my ears, for example). The notes of Il Diluvio are always moving, and the new tracks (more delicate and atmospheric, and even more complex) are really interesting, but perhaps the elegant black of Nero di Marte would require greater sound care to express itself at its best.

The post-harcore service uniform is the black that closes the evening. Marnero are only four, but they look like an army. Not only when they start the assault (A.C.H.A.B.) but also when they show they know how to create the right climax, before throwing themselves into the clashes (Le navi non ardono ancora). A band that builds the wait and manipulates it with complex arrangements, dilating it to the point of explosion. What is astonishing is how this extremely mature sound research has not in any way scratched the hardcore fury, nor JD Raudo irony (who, since the times of Laghetto, continues to perform hilarious gags). With a set focused on the latest amazing album (Quando vedrai le navi in fiamme sarà giunta l’ora) it ends the "black night" of Il Contro.

[R.T.]

Yob – Our Raw Heart

Yob – Our Raw Heart

(Relapse Records, 2018)

Ci sono 3 fasi nella vita degli Yob. Durante la prima, conclusasi con lo scioglimento della band del 2006, la musica era un torrente (di lava) in piena, con la potenza e la portata di una cascata senza alcun senso della misura. Straripava continuamente, modificando il paesaggio grazie ad una personalità colossale. Dopo essersi nascosto nel sottosuolo per 2 anni, quando il fiume è riapparso in superficie ha iniziato a scorrere come un serpente, compiendo ampie e sinuose curve, alla ricerca di un tempio dalla spiritualità magnetica, nascosto nel fitto della giungla e finalmente raggiunto con il capolavoro Clearing the Path to Ascend. Questa seconda fase è stata un percorso tortuoso che ha assorbito energia dall’ambiente circostante, e dalle esperienze artistiche di Mike Scheidt (soliste, ma anche con i Middian e i Vhöl). La terza fase inizia nel gennaio 2017, quando Mike viene ricoverato per una grave forma di diverticolite intestinale. Il primo frutto di questa nuova fase è Our Raw Heart. Il fiume ha raggiunto il mare, e vi sfocia lento con un ampio delta. Non mancano le improvvise e devastanti piene del passato (Original Face), ma nel flusso magmatico di distorsione c’è una ricerca melodica che si nutre di luce nuova, decisamente più emotiva (Beauty in Falling Leaves, Our Raw Heart). Scavarsi un alveo nel dolore puro (The Screen), e riuscire a sfociare nell’oceano (Our Raw Heart). Dopo un’esperienza che lo ha portato ad un passo dalla morte, Mike riversa nella musica degli Yob la grande pace di chi si affaccia in un regno nel quale non era mai stato (o, più precisamente, nel quale non si era mai accorto di vivere) per assorbire ogni nuova esperienza con inedita intensità. Il suo senso di commossa meraviglia di fronte alla vita è ciò che rende Our Raw Heart un’opera tanto intensa e personale da ricollegare la musica degli Yob alla parte più profonda della sfera umana, dopo aver toccato la pura trascendenza con Clearing the Path to Ascend.

[R.T.]

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Yob – Our Raw Heart

(Relapse Records, 2018)

There are 3 phases in Yob's life. During the first one, ended in 2006 with their disbandment, the music was a flood (of lava) with the power and flow rate of a waterfall without any sense of measure. It continually overflowed, changing the landscape thanks to its colossal personality. After hiding in the underground for 2 years, when the river reappeared on the surface it began to flow like a snake, making wide and sinuous curves, looking for a temple with magnetic spirituality, hidden in the thick of the jungle and finally reached with the masterpiece Clearing the Path to Ascend. This second phase was a tortuous path that absorbed energy from the surrounding environment and from Mike Scheidt's artistic experiences (soloists, but also with Middian and Vhöl). The third phase begins in January 2017, when Mike is hospitalized for a severe form of intestinal diverticulitis. The first fruit of this new phase is Our Raw Heart. The river has reached the sea, and it slowly flows into it with a wide delta. There are still the sudden devastating floods of the past (Original Face), but in the magmatic flow of distortion there is a melodic research that feeds on new - definitely more emotional - light (Beauty in Falling Leaves, Our Raw Heart). Digging a riverbed in pure pain (The Screen) and succeeding in flowing into the ocean (Our Raw Heart). After an experience that led him to a step away from death, Mike pours into Yob's music the great peace of the one who look in a kingdom in which he had never been (or, more precisely, in which he had never realized he was living into) to absorb each new experience with unprecedented intensity. His sense of emotional wonder before life is what makes Our Raw Heart so intense and personal that it reconnects Yob's music to the deepest part of the human sphere, after having touched the pure transcendence with Clearing the Path to Ascend.

[R.T.]

Neurosis + Converge + Deaf Kids - 17.06.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Neurosis + Converge + Deaf Kids - 17.06.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Inizia l’estate, stagione di festival all’aperto e megaeventi rock, con canzoni che hanno fatto la storia della mia adolescenza, da cantare a squarciagola in mezzo ad un oceano di 60.000 persone. Eppure c’è chi come me si ostina a rifugiarsi nel buio di un locale al chiuso, come se fosse sempre gennaio, per ascoltare musica devastante ed uscirne devastato. C’è qualcosa di mistico e spirituale in tanto masochismo. Sofferenza catartica. 

Appena messo piede all’interno del locale, sulle prime allucinanti note dei Deaf Kids, intuisco che saranno confermate le aspettative. Perderò litri di sudore ed evaporerà ogni energia, mentre schiena e piedi saranno presto a brandelli. La musica dei Deaf Kids non aiuta a rinfrescare e ossigenare la sala. Un assalto in cui un riff alla Motorhead si ripete ossessivo (come se fosse stato messo in loop da una band math rock), mentre una voce “berciata” viene manipolata da delay infiniti e cascate di effetti. Accartocciamenti noise e sfuriate proto-metal talmente deviate da sembrare industrial, per un concerto interessante, ma alla lunga difficile da sostenere. Mentre Dave Edwardson dei Neurosis si dimena sotto il palco, io esco a prendere una boccata di ossigeno. Perché tra poco non ci sarà davvero più tempo per respirare.

Per la terza volta in due mesi vengo travolto dai Converge. Ma, a differenza del Roadburn, stasera non ci sono suoni calibrati al millimetro, band quadrata e impeccabile (ricordando soprattutto il set dedicato a You Fail Me), né pubblico esaltato ma contenuto. Stasera è il massacro. Bastano pochi secondi e le prime file si trasformano in un carnaio. In questo degenero di corpi sudati che si scontrano da ogni angolazione, la band di Salem trae un insano godimento e pesta sempre più pesante, via via che scorrono i minuti. Bannon non calibra la forza e la libera come le esplosioni richiedono, suonando talvolta un po’ sfiatato e rischiando di sgretolarsi contro il muro di suono. Ma l’energia che riesce a sprigionare è comunque dirompente, e l’emotività che trasmette ti penetra dentro. Ogni canzone suona meglio, e più devastante, della precedente (sia dal punto di vista fisico che emotivo). Il loro set - un’ora secca incentrata soprattutto sull’ultimo, bellissimo, The Dusk in Us - è un uragano che ripulisce la mente.

Dopo la tempesta, sudati fradici e spossati, mi ritrovo nell’occhio del ciclone con i Neurosis. In uno stato di calma apparente, tra arpeggi post rock e flussi ambient di synth, ma con l’apocalisse che incombe minacciosa all’orizzonte, sotto forma di riff mastodontici e pesantezza insostenibile. La band di Oakland ha suoni impeccabili e l’impatto delle sue bordate spettina le lunghe barbe presenti tra il pubblico. Dal primo riff che apre il loro concerto (quello di Given to the Rising), all’ultima rullata di quel trip industrial/postmoderno che è Through Silver in Blood (perfetta chiusura di serata), rimango in estasi mistica, assaporando la sofferenza fisica dovuta al caldo soffocante, e trasformandola in visioni celestiali di galassie che collassano ed eruzioni vulcaniche preistoriche. Nel mezzo a tutto questo c’è Burn, cioè la canzone dalla quale il mio amore per questa band è nato, quasi quindici anni fa. Nella sua intimità rovente, nei suoi glaciali momenti di solitudine cosmica, e nelle sue aperture distorte, ringiovanisco di una quindicina di anni. Catarsi completata.

[R.T.]

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Neurosis + Converge + Deaf Kids - 06.17.2018 - Zona Roveri (Bologna)

Summer begins. Season of outdoor festivals and mega-rock-events, with songs that made the history of my adolescence, to be sung loudly in the middle of an ocean of 60,000 people. Yet there are those like me who keep on sheltering in the darkness of an indoor venue, as in an eternal January, to listen to devastating music and get out of it devastated. There is something mystical and spiritual in all this masochism. Cathartic suffering.

As soon as I enter the club, on the first hallucinatory notes of Deaf Kids, I feel that my expectations will be confirmed. I will lose liters of sweat and I will evaporate all my energy, while my back and feet will soon be shredded. Deaf Kids music does not help to refresh and oxygenate the room. An assault in which a Motorhead riff repeats itself obsessively (as if it had been looped by a math rock band), while a screaming voice is manipulated by infinite delays and cascades of effects. Noise crumplings and proto-metal outbursts so devious as to seem industrial, for an interesting concert, but in the long run a bit difficult to sustain. While Dave Edwardson (Neurosis) follows the gig under the stage, I go out for a breath of oxygen. Because soon there will not really be more time to breathe.

For the third time in two months I am overwhelmed by Converge. But, unlike at Roadburn, tonight there are no sounds calibrated to the millimeter, nor an impeccable band (remembering above all the set dedicated to You Fail Me), neither an exalted yet contenaid audience. Tonight it is a massacre. Just a few seconds and the first rows are transformed into a havoc. In this chaos of sweaty bodies colliding from every angle, the band of Salem draws an insane enjoyment and beats heavier and heavier, as the minutes run. Bannon does not calibrate his force and he frees it as the explosions require, sometimes sounding a little out of breath and risking to crumble against the sound wall. But the energy that he manages to unleash is still disruptive, and the emotionality he transmits penetrates you inside. Each song sounds better and more devastating than the previous one (both physically and emotionally). Their set - an exact hour mainly focused on the latest, amazing, The Dusk in Us - is a hurricane that cleanses the mind.

After the storm, sweaty and exhausted, I find myself in the eye of the storm with Neurosis. In a state of apparent calm, between post rock arpeggios and ambient synth fluxes, yet with the apocalypse looming menacingly to the horizon, in the form of mammoth riffs and unbearable heaviness. The band from Oakland has got flawless sounds and the impact of its attacks shakes the many long beards of the audience. From the first riff opening their set (that of Given to the Rising), to the last drum roll of that industrial/post-modern trip that is Through Silver in Blood (perfect closing of the evening), I remain in mystical ecstasy, savouring the physical suffering due to the suffocating heat, and transforming it into celestial visions of collapsing galaxies and prehistoric volcanic eruptions. In the middle of all this there is Burn, the song from which almost fifteen years ago my love for this band was born. In its hot intimacy, in its icy moments of cosmic solitude, and in its distorted openings, I rejuvenate about fifteen years. Catharsis completed.

[R.T.]

Usnea - Portals into Futility

Usnea - Portals into Futility

(Relapse Records, 2017)

Portals into Futility è un funerale che non si svolge in un luogo sacro. Nessun aldilà, né tantomeno divinità, cui affidare i resti mortali. Il lento e pesante incedere della processione funebre conduce sull'orlo dell'abisso. Qui saranno gettate le ceneri. Nel vuoto. Attraverso i portali dai quali tutto è pervenuto, dove tutto è destinato a tornare, inevitabilmente. Gli Usnea si affacciano sulla voragine e gridano il loro  nichilismo cosmico con distorsioni gigantesche e growl cavernoso, con atmosfere opprimenti e urla lancinanti, ma anche con arpeggi malinconici che generano echi infiniti. Cinque lunghi brani di purissimo ed Esoteric(o) funeral doom, con alcuni feedback residui dello sludge apocalittico dei dischi precedenti e gocce progressive in stile Ahab, in cui il tempo si dilata fino ad inghiottire tutto, e la massa sonora si fa così tanto voluminosa da nascondere la voce umana. Non siamo che briciole destinate a scomparire nell'Universo. Gli Usnea (citando Gene Wolfe, Ursula Le Guin, Carl Sagan, Margaret Atwood, Philip Dick e Frank Herbert) ci mettono di fronte questo concetto con un disco profondo come l'abisso.

[R.T.]

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Usnea - Portals into Futility

(Relapse Records, 2017)

Portals into Futility is a funeral that does not take place in a sacred place. No afterlife, nor gods, to whom entrust the mortal remains. The slow heavy gait of the funeral procession leads to the edge of the abyss. The ashes will be thrown here. In the void. Through the portals from which everything has arrived, where everything is destined to return, inevitably. Usnea face the abyss and cry out their cosmic nihilism with gigantic distortions and cavernous growl, with oppressive atmospheres and excruciating screams, but also with melancholic arpeggios that generate infinite echoes. Five long songs of pure Esoteric funeral doom, with some feedbacks (residuals of the apocalyptic sludge of the previous records) and progressive drops in Ahab style, in which time expands to swallow everything, and the sound mass becomes so much voluminous to hide the human voice. We are nothing but crumbs destined to disappear in the Universe. Usnea (citing Gene Wolfe, Ursula Le Guin, Carl Sagan, Margaret Atwood, Philip Dick and Frank Herbert) put us in front of this concept with an album as deep as the abyss.

[R.T.]

Amenra + Boris - 28.02.2018 - Locomotiv Club (BO)

Amenra + Boris - 28.02.2018 - Locomotiv Club (BO)

E' una di quelle serate che passerà alla storia. E non solo per il concerto. Infatti stasera sfidiamo l'allerta meteo della nostra città e le previsioni di neve sicura sull'Appennino e decidiamo di partire lo stesso per questo concerto che aspettavamo tanto tantissimo, e cui avevamo deciso di andare nonostante sapessimo che avremmo perso l'inizio del live dei Boris, a causa dell'anticipo dell'orario di inizio (annunciato solo due giorni prima) dovuto alle due scalette decisamente consistenti e ad un cambio palco non di poco conto.

Il viaggio di andata va alla grande ed entriamo nel locale che i Boris hanno iniziato da quasi mezzora. Per fortuna abbiamo davanti a noi ancora più di metà della scaletta. Un muro di nebbia e luci sul palco, ad abbracciare un muro di suono (quasi) impenetrabile. Il set di stasera prevede il loro ultimo album, DEAR (Sargent House, 2017), nella sua interezza. Droni e sludge a profusione. Ma anche melodie cantilenate dalla voce (a tratti quasi "stonata") di Takeshi, che si affacciano sul mare calmo ed immobile del post-rock. A modo loro epiche - e incredibilmente trascinanti - le parti in cui Atsuo prende possesso del microfono, del palco e dell'immenso gong dietro le sue spalle: un vero mattatore. Emozionanti e stupendi certi passaggi come l'assolo di Wata in Dystopia - Vanishing Point -, in cui note celestiali si sbriciolano in frammenti rumorosi e ronzii di elettricità statica (interruzioni di segnale - ricercate o casuali? - che sono uno dei molti esempi della continua destrutturazione della musica operata dai Boris). Grande concerto, che per me supera quello a cui ho assistito poco più di un anno fa a Livorno.

Mezzora di cambio palco. Le luci che si spengono nuovamente. Un intro quasi in sottofondo. Entra Colin H. Van Eeckhout, che si accuccia sul pavimento del palco, spalle al pubblico e cappuccio della felpa calato sulla testa. A seguire, alla spicciolata, il resto della band. Le percussioni metalliche e penetranti e l'esplosione di Boden. Il concerto degli Amenra è un crescendo di emozione, che scava dentro l'ascoltatore/spettatore, e che finisce - in modo brusco e secco - con l'ultima nota di Silver Needle. Golden Nail, lasciandoci tutti svuotati e spaesati. I suoni sono potenti e perfetti, così come la voce di Van Eeckhout, che ipnotizza sia quando urla tutta la rabbia ed il dolore che libera ed esorcizza, sia nei più rari momenti in cui culla nella disperazione. Le videoproiezioni sono il perfetto commento per immagini del rito di cui siamo tutti al tempo stesso spettatori e partecipanti. Gli Amenra sono i ministri di un concerto che non è solo uno spettacolo, ma è anche un vero e proprio scambio e flusso di emozioni fra le più estreme. Un'evocazione di furia e male che lenisce chi si abbandona alla sua potenza. Catartico e stupendo.

[E.R.]

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Amenra + Boris - 02.28.2018 - Locomotiv Club (BO)

It's one of those nights that will go down in history. And not only for the concert. Indeed tonight we challenge the extremely bad weather alert of our town and the forecasts indicating 100% snow on the Apennines and decide to go at all costs to this concert that we expected so much, having already decided to go despite knowing that we would have lost the first part of Boris live, because of the early start time (announced only two days before) due to the two very consistent setlists and a non-trivial set change.

The outward travel is great and we enter Locomotiv that Boris have been playing almost half an hour. Fortunately, we have more than half of the setlist ahead of us. A wall of fog and lights on the stage, to embrace a wall of (almost) impenetrable sound. Tonight's set includes their latest album, DEAR (Sargent House, 2017), in its entirety. Drones and sludge in profusion. But also melodies singed by (sometimes almost "out of tune") Takeshi voice, giving onto the calm and still sea of post-rock. In their own way epic - and incredibly enthralling - the parts in which Atsuo takes possession of the microphone, the stage and the immense gong behind his shoulders: a true star performer. Exciting and wonderful some passages like Wata solo in Dystopia - Vanishing Point -, in which celestial notes crumble into noisy fragments and buzzing of static electricity (signal interruptions - deliberate or random? - which are one of the many examples of Boris continuous destabilisation of music). Great concert: for me it goes beyond the one I attended just over a year ago in Livorno.

Half an hour set change. Lights turn off again. An intro almost in the background. Colin H. Van Eeckhout gets on stage, he crouches on the floor, shoulders to the audience and the hood of the sweatshirt on his head. To follow, in a few minutes, the rest of the band. Metal and penetrating percussions and the explosion of Boden. Amenra concert is a crescendo of emotion, which digs into the listener/spectator, and ends - abruptly and dryly - with the last note of Silver Needle. Golden Nail, leaving us all emptied and disoriented. Sounds are powerful and perfect, as is Van Eeckhout voice, which hypnotizes both when he screams all the rage and pain that he frees and exorcises, both in the rarest moments when he cradles in despair. The video projections are the perfect commentary for images of the ritual of which we all are at once spectators and participants. Amenra are the ministers of a concert that is not just a show, but it is also a real exchange and flow of emotions among the most extreme ones. An evocation of fury and evil that soothes those who abandon themselves to its power. Cathartic and breathtaking.

[E.R.]

Nudist - 18.11.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU)

 

Nudist - 18.11.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU) 

Chi l'avrebbe detto che l'alluminio potesse suonare così rovente? Che un riff tagliente come l'acciaio potesse bruciarti la carne e strappartela via come se fosse un morso? Le molte sfumature nascoste dietro il post hardcore rumoroso dei Nudist si manifestano attraverso strumenti ideati e costruiti dal chitarrista della band, in cui alluminio e legno convivono e generano un suono che è sintesi dei contrasti tra le sue componenti. Per questo ibrido metallo/materia organica, non può esistere luogo di espressione più adeguato del Ganz of Bicchio. Il minuscolo locale ricavato da un vecchio magazzino è in grado di racchiudere il freddo dell'underground e il calore di una sala familiare con caminetto, con una potenza di fuoco (sonoro) spaventosa e un bilanciamento sempre equilibrato. E' qui che stasera trovano forma le dissonanze disturbanti del trio fiorentino, capace di far convivere con disinvoltura la furia più bestiale e il calore appassionato della melodia. Controtempo stordenti ma sempre carichi di groove, precisione chirurgica, imprevedibilità ritmica e armonica che tanto ricordano il noise rugginoso degli Unsane e delle band di Steve Albini. Il tutto appesantito secondo il moderno verbo post metal. Alla fine della serata scopro che l'alluminio brucia più del legno.

[R.T.]

 

Nudist - 11.18.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU) 

Who could imagine that aluminum could sound so scorching? That a riff, sharp like steel, could burn your flesh and tear it away as if it was a bite? The many shades hidden behind Nudist noisy post-hardcore reveal themselves through tools designed and built by the band guitarist, in which aluminum and wood coexist and create a sound that is synthesis of the contrasts between its components. For this metal/organic matter hybrid, there can be no more suitable place of expression than Ganz of Bicchio. The tiny club born from the ashes of an old warehouse is able to contain the cold of the underground and the warmth of a family room with fireplace, with a terrific (sonic) firepower and with a very good balance. Here, tonight, the disturbing dissonances of the trio from Florence take form. And here the most bestial fury coexist with the passionate heat of the melody. Stunning controtempo, yet always rich in groove, surgical precision, rhythmic and harmonic unpredictability reminiscent of the rusty noise of Unsane and Steve Albini's bands. The whole made heavier in post-metal style. At the end of the night I discover that aluminum burns more than wood.

[R.T.]

 

Celeste - 23.09.2017 - Alchemica (Bologna)

 

Celeste - 23.09.2017 - Alchemica (Bologna)

Buio in sala. Buio sul palco. Tanto fumo a formare una fitta nebbia. Uno, due, tre, quattro frontali dalla luce rossa si accendono in sequenza. E poi è l'apocalisse. C'è molto poco di celestiale nei francesi Celeste. Più che sospesi nell'Empireo, siamo sprofondati sottoterra. Sembra di essere dentro ad un tunnel nel profondo di una miniera. Poca aria, ed un forte senso di oppressione. Quasi di smarrimento. Unica bussola a nostra disposizione i fiochi fasci di luce rossa dei quattro Caronte che ci guidano in quella che ha tutta l'aria di essere un'angusta cavità infernale. Le bordate del quartetto sono implacabili e micidiali. La batteria è al tempo stesso fondamenta e colonne delle composizioni del combo francese. Le due chitarre ed il basso costruiscono mura e ponti di riffs in cui vaghiamo sperduti, schiacciati, ma al tempo stesso ammaliati. Solo 50 minuti, che volano via in un attimo. Finita la musica, accese nuovamente le luci, è come tornare a respirare dopo una lunga apnea. Ci si senti più liberi, leggeri. Uscendo dall'Alchemica, l'oscurità della notte all'improvviso si mostra più celeste.

[E.R.]

   

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Celeste - 09.23.2017 - Alchemica (Bologna)

Dark in the hall. Dark on stage. So much smoke to form a dense fog. One, two, three, four headlamps with red light turn on in sequence. And then it's the apocalypse. There is very little celestial in the French Celeste. More than suspended in the empyrean sky, we are sunk into the underground. It seems to be inside a tunnel in the depths of a mine. Little air, and a strong sense of oppression. Almost of dismay. The one and only compass available are the the dim beams of red light of the four Charon driving us into what seems a narrow infernal cavity. The attacks of the quartet are implacable and deadly. Drums is at the same time the foundations and the columns of the compositions of the French combo. The two guitars and the bass build walls and bridges of riffs in which we wander lost, crushed, but at the same time bewitched. Only 50 minutes, flying away in a moment. The music over, the lights turned on again, it is like breathing again after a long apnoea. It's like feeling more free, lighter. Exiting from Alchemica, the darkness of the night suddenly appears more celestial.

[E.R.]

   

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

 

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

05.08.2017 - Giavera del Montello (TV)

La seconda giornata di festival si preannuncia decisamente più intensa della prima, con inizio previsto per le ore 18:00. Nell’estate più calda a memoria d’uomo, l’unica salvezza è l’ombra offerta dagli stand delle distro e dalla birra fresca.

Il primo gruppo, i Die Abete, lo ascolto infatti all’ombra di uno stand. Baciati dal Sole cocente, il gruppo con due batterie (una delle quali suonata solo in certi brani), si lancia in uno screamo/post hardcore bruciante e passionale, preferendo addentrarsi sul versante delle ritmiche spezzate e delle dissonanze noise piuttosto che sul versante emotivo. Non manca la visceralità e il sudore (non solo per la temperatura da altoforno) nella musica di questa band ternana. La cover di “Ragazzo di strada” in salsa post hardcore è una sorpresa davvero divertente e perfettamente a suo agio nel contesto punk del loro concerto. Da approfondire!

Sul main stage, all’ombra dei pochi alberi rimasti in piedi dopo la tempesta dello scorso anno, è il turno dei bergamaschi Hungry Like Rakovitz. Il loro è un assalto brutale e devastante. Un tritacarne inferocito in cui vengono mischiate le sfuriate dell’hardcore e quelle del metal estremo. Suoni possenti e carichi di bassi rimbombanti (testata Sunn) trasformano anche i passaggi più tendenti al black metal in una specie di sludge velocissimo. Il cantante scende in mezzo al pubblico a condividere la sua furia, mentre sul palco gli altri musicisti creano una personale visione dell’Apocalisse.

Il Sole continua ad abbattersi infernale nella zona del palco piccolo, dove salgono i ['selvǝ]. La band lombarda cerca di trasportarci nelle selve autunnali con un post black metal emotivo e coinvolgente, sempre estremamente serrato (evidente la componente post hardcore) e mai esageratamente melodico. Dopo aver settato i suoni della batteria (inizialmente un po’ soffocati dal muro di distorsione generato dalla chitarra) la musica inizia a decollare e vengo letteralmente rapito da questa band, al tempo stesso grandiosa e introspettiva.

Dopo la classica cena vegana mi piazzo nelle prime file, davanti al palco piccolo, per il concerto dei Cough. Il Sole inizia a tramontare, e la band americana (dopo aver recuperato l’assurdo tastierista che era andato a far scorta di birre) lo fa inabissare sotto l’orizzonte con una colata lavica di doom cosmico a dir poco spaventosa. Rimango stupito dai suoni mastodontici. Definirli immensi è riduttivo, da tanto riescono a riempire l’aria delle colline venete con un range di frequenze equilibratissimo, che gonfia lo stomaco e rizza i capelli. Mi perdo dentro le ritmiche iper-rallentate, pesantissime ed ipnotiche, oltre che dentro ai droni di tastiera fusi con quelli di chitarra e basso, e alla fine rimango invischiato nel fango maleodorante prodotto dalla band. Riff dopo riff, feedback dopo feedback, arriva la notte e la band finisce il concerto al buio, senza un riflettore. Strepitosi! Su disco non rendono l’idea delle loro potenzialità (e della loro potenza!). Provare per credere!

Sull’altro palco iniziano a ruota i Crowbar. Barbe lunghe, panzone sudate, riff massicci e atmosfere alcoliche. Il gruppo di Kirk Windstein è un camion con rimorchio che avanza inesorabile, lasciando dietro di sé puzza di diesel. Il pilota ha una voce sporca e potente, tenuta sempre al massimo dei giri. Kirk libera le corde vocali con continui scatarri, e riparte ogni volta verso nuove canzoni, sempre in puro e genuino stile sludge metal made in New Orleans. Musica grossa e grassa, valorizzata da suoni possenti ma al tempo stesso caldi (decisamente più rotondi e meno compressi di quando li vidi al Desertfest londinese). Per me questo è il gran finale di serata. Headbanging e birra, what else?!

[R.T.]

 

 

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Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

08.05.2017 - Giavera del Montello (TV)

The second day of the festival promises to be much more intense than the first, with beginning scheduled for 6 p.m.. In the hottest summer in memory of man, the only salvation is the shade offered by distro booths and cool beer.

Indeed I listen to the first band, Die Abete, in the shade of a stand. Kissed by the burning Sun, the band with two drums (one of which is played only in certain songs) launches itself into a passionate screamo/post hardcore, focusing on broken rhythms and noise dissonances rather than on its emotional side. There is no lack of viscerality and sweat (not just for blast furnace temperature) in the music of this band from Terni. The cover of “Ragazzo di strada” in post-hardcore style is a really funny and perfectly comfortable surprise in the punk context of their concert. To delve deeper!

On main stage, in the shadow of the few trees survived to the storm of last year, is the time for Hungry Like Rakovitz, from Bergamo. Their one is a brutal and devastating assault. An enraged mincer in which hardcore and extreme metal are mixed together. Powerful sounds - full of thundering bassess (Sunn head) - transform also those more black metal passages in a sort of ultra-speedy sludge. The singer down among the audience to share his fury, while on stage the rest of the band create a personal vision of the Apocalypse.

The Sun continues to make red-hot the small stage area, where ['selvǝ] are ready to play. The Lombard band wants to carry us in the autumn woods with its emotional and engaging post black metal, always extremely tight (outstanding the hardcore component) and never exaggeratedly melodic. Once the drum sounds are set (initially someway suffocated by the distortion wall of the guitar), music starts to take off and I feel literally enraptured by this band, both majestic and introspective.

After the classic vegan dinner I place myself in the first rows in front of the small stage, for Cough concert. The Sun begins to set, and the American band (after retrieving their keyboard player who had gone out to get beer) makes it fall into the horizon with a terrific lavish flow of cosmic doom. I am astonished by their mastodontic sounds. Defining them immense is reductive, considering how they can fill the air of the Montello hills with a balanced range of frequencies, swelling your stomach and rising up your hair. I lose myself in the hyper-slowed, extremely heavy and hypnotic rhythms, as well as inside the drones of keyboard fused with those of guitar and bass, and in the end I remain entangled in the smelly mud produced by the band. Riff after riff, feedback after feedback, the night arrives and the band ends the concert in the dark without a reflector. Amazing! On album they do not show the real value of their potential (and their power!). Seeing is believing!

On the other stage is already time for Crowbar. Long beards, sweaty potbellies, massive riffs and alcoholic atmospheres. Kirk Windstein band is a trailer truck inexorably advancing, leaving behind a stench of diesel. The pilot has a dirty and powerful voice, always at full speed. Kirk frees his vocal chords continuously spitting out, and he restarts each time singing new songs, always in pure and genuine sludge metal style made in New Orleans. Big fat music, enhanced by powerful warm sounds (much richer and less compressed than when I saw them at Desertfest London). For me this is the grand finale of the evening. Headbanging and beer, what else?!

[R.T.]

 

 

 

Komatsu - Recipe for Murder One

Komatsu - Recipe for Murder One 

(Argonauta Records, 2016)

Guidare una ruspa con ruote gigantesche e mastodontica pala meccanica capace di sollevare qualsiasi cosa: il sogno di ogni bambino! Un sogno accarezzato anche da molti adulti, magari per schiacciare con i cingoli le macchine in coda nel traffico o per spostare l’auto del vicino di casa parcheggiata davanti al nostro garage. Sicuramente un sogno coltivato da una band di Eindhoven dedita allo stoner rock più massiccio, che si è data proprio il nome di un marchio di ruspe: Komatsu. Con il suo secondo album - Recipe for Murder One - la band olandese si diverte a guidare un automezzo colossale fatto di distorsioni metalliche unte di grasso, estremamente rotonde per quanto compatte. Undici brani in cui la pesantezza dei riff è pari solo al loro groove, come se il caterpillar fosse lanciato alla massima velocità possibile. Non che il quartetto di Eindhoven inventi la ruota (cingolata!), però il loro rock alternativo è divertente e poderoso, con melodie immediate vicine al grunge, riff energici di scuola stoner e mazzate ai limiti dello sludge/post metal. In canzoni come The Sea is Calm Today o Against All Odds si sentono echi dei Torche e del loro riuscito binomio melodia/potenza, e in Lockdown la voce di Nick Oliveri regala quel pizzico di rozzezza che non guasta mai. Un giro su questa ruspa fa ritornare bambini - e sfoga tanti desideri degli adulti. Assolutamente da provare!

[R.T.]

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Komatsu - Recipe for Murder One 

(Argonauta Records, 2016)

Driving a bulldozer with gigantic wheels and mastodontic mechanical shovel capable of lifting anything: the dream of every child! A dream caressed also by many adults, maybe in order to crash with its tracks all the cars queueing in the traffic jam or to move the neighbor's car parked in front of our garage. Certainly a dream cultivated by a band from Eindhoven devoted to the most massive stoner rock, named with a brand of excavators: Komatsu. With its second album - Recipe for Murder One - the Dutch band enjoys itself driving a colossal vehicle made of greasy metal distortions, extremely full as well as compact. Eleven tracks in which the heaviness of the riffs is matched only by their groove, as if the caterpillar was launched at the highest possible speed. Not that the Eindhoven quartet invents the (track!) wheel, yet their alternative rock is entertaining and powerful with grungy instant melodies, dynamic riffs of stoner school and blows on the edeg of sludge/post metal. In songs such as The Sea is Calm Today or Against All Odds, there are echoes of Torche and their successful melody/power couple, and in Lockdown Nick Oliveri's voice gives that pinch of roughness that never fails. A ride on this bulldozer makes you a child again - and it unloads so many adult desires. Absolutely to try!

[R.T.]

Unearthly Trance – Stalking the Ghost

Unearthly Trance – Stalking the Ghost

(Relapse Records, 2017)

“Lo sludge ha esaurito la sua spinta e non ha più niente da offrire. Ormai è diventato una caricatura di ciò che era in origine, e sopravvive solo per moda. Tutti questi gruppi che fanno a gara a chi ha il suono più grasso, il feedback più fastidioso, la corde vocali maggiormente foderate di catarro hanno rotto i coglioni!” Tutto vero, per carità. Poi metto nello stereo Stalking the Ghost e ci casco nuovamente. Mi ritrovo esaltato a scapellare in giro per casa, tanta è l’intensità che esplode dalle casse. È più forte di me. Perché se con il suo sesto disco il gruppo di New York non apporta particolari novità ad un genere ultimamente sovraffollato, è indubbiamente vero che fa rizzare i peli sul collo da quanto trasuda groove e sporcizia. Come se gli Eyehategod si disintossicassero dall’eroina con tonnellate di marijuana gentilmente offerta dagli Electric Wizard. Come se i Neurosis, tra una visione mistica ed un’esperienza extracorporea, vedessero per qualche attimo quanto fa schifo la realtà, su suggerimento dei primissimi Machine Head. I riff degli Unearthly Trance non basano tutta la loro essenza esclusivamente sui suoni mastodontici (per quanto questi lo siano), ma anche e soprattuto sull’energia, il tiro – rallentato – e l’atmosfera – cupa e allucinata. Pubblicato a sette anni di distanza dal lavoro precedente (tempo impiegato dalla band per concepire 2 dischi a nome Serpentine Path inglobando nella formazione l’ex Electric Wizard Tim Bagshaw), Stalking the Ghost spicca nell’oceano fangoso dello sludge metal perché diretto e coinvolgente, grazie a canzoni con una gran botta, una notevole dose di cattiveria e perversione, ma anche melodie immediate (e non scontate!). Eh sì, ci sono cascato di nuovo! Un altro disco sludge che dimostra che il genere è tutt’altro che morto. 

[R.T.]

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Unearthly Trance – Stalking the Ghost

(Relapse Records, 2017)

“Sludge has exhausted its thrust and has nothing more to offer. It has now become a caricature of what it originally was, and it survives only because of the hype. All these bands who compete to have the fattest sound, the most annoying feedback, the more catarrh-covered vocal cords, they have now fed up everybody!" It’s all true, no doubt. Then I put in the stereo Stalking the Ghost and I find myself headbanging like a teenager so great it is the intensity exploding out of the speakers. I cannot resist. Because if with its sixth album the New York band does not add anything new to a recently overcrowded genre, it is undoubtedly true that it raises the hairs on the neck so much it exudes groove and filth. As if Eyehategod were cleansing themselves of their heroin drug addiction with tons of marijuana kindly offered by Electric Wizard. As if Neurosis, between a mystical vision and an extracorporeal experience, would see for a few moment how disgusting reality is, on suggestion of the early Machine Head. Unearthly Trance riffs do not rely entirely on mammoth sounds (as far as they are so), yet and mostly on energy, (slowed) groove and (gloomy and hallucinated) atmosphere. Released seven years  after their last work (time for the band to conceive 2 albums as Serpentine Path incorporating former Electric Wizard Tim Bagshaw in the band), Stalking the Ghost stands out in the sludge metal muddy ocean because it is direct and engaging, thanks to songs with a great groove, a considerable amount of malice and perversion, and immediate (yet not banal) melodies. Oh yes, I did it again! Another sludge album that proves that the genre is far from dead.

[R.T.]

Subrosa - For This We Fought the Battle of Ages

Subrosa - For This We Fought the Battle of Ages

(Profound Lore, 2016)

Distruggere la personalità dell’individuo, per rendere la collettività un’enorme e fredda macchina, fatta di ingranaggi e parti sostituibili. I Subrosa mettono in musica le distopiche (e rivelatrici) visioni dello scrittore sovietico Yevgeny Zamyatin. Con il suo romanzo We – pubblicato in Inghilterra negli anni '20 – immaginò un mondo in cui emozioni e passioni sono bandite, fatto di vetro - completamente trasparente - affinché il Potere potesse controllare ogni azione individuale. La band di Salt Lake City modella il suo doom metal gotico e apocalittico sulle atmosfere del racconto. La musica è pesantissima e opprimente come la morsa imposta da uno Stato che pretende di controllare ogni azione del singolo. Ma è al tempo stesso emotiva, romantica e calda, come il desiderio di ribellione e dissenso che si insinua in alcuni - isolati - ribelli. Le esplosioni magmatiche in stile Neurosis sono la reazione passionale contro l’annullamento della libertà. Le fiamme vibranti dei violini (che a tratti ricordano il doom gotico e teatrale dei My Dying Bride) sono la liberazione di un’emotività repressa. La felicità non si trova nell’ovattato mondo che preclude l’accesso alle emozioni più profonde (come il dolore), ma nella libertà di scelta, per quanto dolorosa e difficile. La libertà definisce la nostra personalità. La grande libertà artistica dei Subrosa dimostra la loro gigantesca personalità.

[R.T.]

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Subrosa - For This We Fought the Battle of Ages

(Profound Lore, 2016)

Destroying the personality of the individual, to make the community a huge cold-hearted machine, made of replaceable gears and parts. Subrosa puts into music the distopic (and revealing) visions of Soviet writer Yevgeny Zamyatin. With his novel We - published in England in the 20s - he imagined a world where emotions and passions are banned, made of glass - completely transparent - so that the Power could control every individual action. The Salt Lake City band models its gothic and apocalyptic doom metal on the atmospheres of the novel. Music is as heavy and oppressive as the grasp imposed by a state demanding to control every action of any individual. But it is at the same time emotional, romantic and warm, like the desire for rebellion and dissent creeping into some - isolated - rebels. Neurosis magmatic explosions are the passionate reaction for the annihilation of freedom. The vibrant flames of violins (at times reminiscent of the gothic theatrical doom of My Dying Bride) are the release of a repressed emotion. Happiness is not in that muffled world preventing us from accessing deeper emotions (such as pain), but in the freedom of choice, however painful and difficult it could be. Freedom defines our personality. Great Subrosa artistic freedom is proof of their gigantic personality.

[R.T.]