King Buffalo + Child - 29.06.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

King Buffalo + Child - 29.06.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

Sarà per il caldo infernale di quest’estate, o forse perché sto diventando vecchio, fatto sta che quest’anno i mega concerti estivi con migliaia di persone sotto il Sole li sopporto meno del solito. Molto meglio rifugiarsi nelle campagne piemontesi, per un concerto intimo, tra un tuffo in piscina ed una birra fresca. Una festa tra amici, più che un semplice concerto, anche grazie all’atmosfera che si respira stasera a Cascina Bellaria.

I Child si integrano perfettamente nell’ambiente rilassato e genuinamente hippie della Cascina, con il loro blues rock rovente che arriva dritto dalla fine degli anni '60. Feedback manovrati con abilità fino a trasformarsi in morbide pentatoniche, una batteria fluidissima e trascinante, e riffoni stracarichi di fuzz che mi asciugano i capelli ancora bagnati dalla piscina. Ma i richiami al periodo d’oro del rock non sono mai nostalgici, perché la loro musica ha personalità, è viva, spontanea e perfettamente ancorata al “qui e ora”. Straordinari.

Se la spiritualità dei Child nasce dalle radici, quella dei King Buffalo assorbe energia direttamente dalle foglie. Il loro hard rock psichedelico punta lo sguardo verso l’alto, al di là dell’atmosfera terrestre, e si getta a capofitto tra stelle e pianeti, grazie a riff ciclicamente moltiplicati da riverberi e linee di basso sempre cariche di groove propulsivo. Un caleidoscopio ai limiti dello space/prog, suonato con precisione chirurgica, che non disdegna qualche esplosione stoner. Durante il bis, dopo un concerto impeccabile, il batterista si attacca ad una bottiglia di vino rosso, e gli altri devono fare i salti mortali per stare dietro alle sue traiettorie appannate e rallentate. Un fuoriprogramma che rende ancora più sincera e divertente questa bella serata estiva.

[R.T.]

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King Buffalo + Child - 06.29.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

It may be because of the infernal heat of this summer, or it may be because I'm getting older, the fact is that this year I stand even less than usual those mega summer concerts with thousands of people burning below the sun. Really much better to take shelter in the Piedmontese countryside, for an intimate concert, taking a swim in the pool and having a cold beer. A party with friends, rather than a simple concert, also thanks to the cool atmosphere at Cascina Bellaria.

Child integrate perfectly into the relaxed and genuinely hippie environment of the venue, with their red-hot rock blues coming straight from the late 60s. Skilfully maneuvered feedbacks becoming soft pentatonics, extremely fluid and enthralling drums, and fuzz-loaded riffs drying my hair still wet after the pool. Yet the hints to the golden age of rock are never nostalgic, because their music has got personality: it is alive, spontaneous and perfectly anchored to the "here and now". Amazing.

If Child's spirituality comes from the roots, King Buffalo's one absorbs energy directly from the leaves. Their psychedelic hard rock looks upwards, beyond Earth's atmosphere, and it throws itself headlong among stars and planets, thanks to riffs which are cyclically multiplied by reverberations and bass lines always rich in propelling groove. A kaleidoscope on the edge of space/prog, played with surgical precision, which does not disdain some stoner explosion. During the encore, after an impeccable concert, the drummer linger over a bottle of red wine, and the rest of the band must jump through hoops to keep up with his now fogged and slowed down trajectories. Something unexpected that makes this beautiful summer evening even more sincere and funny.

[R.T.]

The Necromancers – Of Blood and Wine

The Necromancers – Of Blood and Wine

(Ripple Music, 2018)

Negli ultimi anni è nata l’Università degli Studi Occulti. Una scuola di magia (nera) simile a quella in cui studia Harry Potter, ma la cui cattedra è affidata a gente come Ozzy, High Tide, Comus, Coven, oltre ad una numerosa compagine di registi di horror di serie B degli anni '70, e ad innumerevoli musicisti heavy metal. I francesi The Necromancers si laureano nel 2017 con il loro disco d’esordio (Servants of the Salem Girl) e conseguono la specializzazione con Of Blood and Wine (2018). I corsi sull’occult rock degli anni '70, così come quelli sul doom metal e sulla NWOBHM, sono stati seguiti con attenzione. E così pure le lezioni tenute dal conterraneo Jean Rollin, regista che (sempre negli anni 70) mescolava horror nebbioso, erotismo e visioni lisergiche. Vista l’abbondanza di laureati degli ultimi anni, non sarà facile trovare lavoro. Ma questi francesi dimostrano di essere in grado di rielaborare quanto appreso con personalità, componendo melodie originali e coinvolgenti, con occhio sempre attento all’atmosfera. E, cosa non frequente per chi esce da questo ateneo, possiedono un cantante con una voce calda e profonda. Alternando lunghi brani di hard rock progressivo (magistralmente scorrevoli e sempre carichi di groove) e ballate offuscate da uno strato di bruma autunnale, dimostrano di avere tutte le carte in regola per ricoprire un ruolo importante nella società medievale presagita da questo ateneo.

[R.T.]

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The Necromancers – Of Blood and Wine

(Ripple Music, 2018)

In recent years the University of Occult Studies was born. A school of (black) magic similar to the one in which Harry Potter studies, but whose chair is entrusted to people like Ozzy, High Tide, Comus, Coven, as well as to a large group of directors of 70s horror B-movies, and to countless heavy metal musicians. French The Necromancers graduated in 2017 with their debut album (Servants of the Salem Girl) and took a specialization with Of Blood and Wine (2018). Courses on 70s occult rock, as well as those on doom metal and NWOBHM, have been carefully followed. And so were the lectures given by their fellow countryman Jean Rollin, a director who (still in the 70s) mixed foggy horror, eroticism and lysergic visions. Given the plenty of graduates in recent years, it will not be easy to find work. But these French guys prove to be able to rework what they have learned with personality, composing original and engaging melodies, always keeping an eye on the atmosphere. And, not common for those one graduating at this college, they have a singer with a warm deep voice. Alternating long tracks of progressive hard rock (masterfully flowing and always full of groove) and ballads tarnished by a layer of autumn mist, they prove to have all the credentials to play an important role in the medieval society portrayed by this university.

[R.T.]

Crypt Trip - 23.03.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

Crypt Trip - 23.03.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

Prendi il primo weekend di primavera, con un cielo ed un'aria che ti caricano di energia. Prendi un locale tutto di legno sperduto nella campagna dell'Alto Monferrato, nel buio più buio punteggiato di così tante stelle che non riesci neppure a contarle. A questo punto prendi una band che riesca a trascinarti in un viaggio che sa di psichedelia, rock'n'roll, blues e motociclette lanciate lungo infinite strade polverose ed assolate. Fatto? Eccoti servito il concerto dei Crypt Trip alla Cascina Bellaria. Se su disco tutti gli ingredienti della loro musica formano una miscela unica e potente, dal vivo il trio texano ha un tiro ed un impatto davvero incredibili. Musicalmente e tecnicamente sono una macchina heavy psych perfetta ed oliatissima che impedisce (in tutti i sensi) al pubblico di rimanere con i piedi per terra: impossibile rimanere fisicamente immobili, impossibile non volare alto ed altrove con la testa. La batteria di Cameron Martin è l'anima più viscerale e sfrenata della band e prende letteralmente vita attraverso la frenesia e maestria del suo "padrone". Chitarra e basso s'intrecciano con riff trascinanti e carichi di groove, in un magma sonoro che dal palco riempie ogni angolo del locale, impregna il legno delle pareti e del soffitto e sembra voler uscire dalle finestre, per disperdersi sui prati ed accendere il buio della notte. Un concerto che vorresti non finisse mai, che arriva alla sua conclusione senza nemmeno rendersi conto del tempo trascorso, e che lascia un'irresistibile voglia di ripetere quanto prima questo viaggio!

[E.R.]

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Crypt Trip - 03.23.2019 - Cascina Bellaria Rural Music Club! (Sezzadio, AL)

Take the first weekend of spring, with a sky and an air that charge you with energy. Take a venue entirely made of wood lost in the Alto Monferrato countryside, in the darkest darkness dotted with so many stars that you can't even count them. Then take a band able to drag you on a journey that tastes of psychedelia, rock'n'roll, blues and motorcycles launched along endless dusty sunny roads. Done? Here it is Crypt Trip concert at Cascina Bellaria. If on album all the ingredients of their music form a unique and powerful blend, live the Texan trio has a truly incredible groove and impact. Musically and technically they are a perfect and very oiled heavy psych machine that (in all senses) prevents the audience from being down to earth: impossible to remain physically motionless, impossible not to fly high and elsewhere with the head. Cameron Martin's drum is the most visceral and unbridled soul of the band and it literally takes life through the frenzy and prowess of its "master". Guitar and bass intertwine with dragging and groovy riffs, in a sound magma that from the stage fills every corner of the venue, soaks the wood of the walls and ceiling and seems to want to come out of the windows, to disperse on the lawns and light up the darkness of the night. A concert that you would never want to end, which comes to its conclusion without even realizing the time elapsed, and which leaves an irresistible desire to repeat this trip as soon as possible!

[E.R.]

Lucifer – Lucifer II

Lucifer – Lucifer II

(Century Media, 2018)

Lucifer nasce da un rapporto a distanza. Ma necessita di concreta collaborazione per svilupparsi. Tramontata quella tra la chitarra di Gaz Jennings e la voce di Johanna Sadonis, è grazie all’unione concreta tra la cantante e il suo compagno Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) che viene a ricrearsi l’alchimia necessaria affinché venga alla luce il secondo capitolo della saga. Questa nuova unione non può che determinare un risultato estremamente diverso dal precedente. Quasi la sua antitesi. La fascinazione per i misteri e le oscurità dell’antico Egitto (che nel primo album prendevano vita attraverso un doom metal dalle tinte occulte) è accecata stavolta dalla luce abbagliante di un raggio di Sole che più che nordafricano sembra californiano. C’è aria di libertà, più che di catacomba. Dietro un velo enigmatico e oscuro, i Blue Öyster Cult nascondevano una robusta anima rock n’ roll. E proprio a quella si ispirano i nuovi Lucifer che, pur mantenendo un’ambigua componente sulfurea (soprattutto in Phoenix e Faux Pharaoh), la colorano con arcobaleni di melodia e riff morbidi e rotondi. Un blues rock che pare sorgere direttamente dai primi anni '70, con ancora qualche influsso della summer of love. Un atteggiamento fiducioso, romantico e raggiante che nessuno avrebbe mai associato all’angelo caduto, ma che proprio per questo sorprende (o sconcerta, a seconda dei gusti) dimostrando quanto egli sia in grado di cambiare pelle allontanandosi dai cliché di genere.

[R.T]

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Lucifer – Lucifer II

(Century Media, 2018)

Lucifer comes from a long distance relationship. But it needs concrete collaboration to develop. Faded that between Gaz Jennings guitar and Johanna Sadonis voice, it is thanks to the concrete union between the singer and her partner Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) that is recreated the alchemy necessary to the second chapter of the saga to come to light. This new union can only determine a result which is extremely different from the previous one. Almost its antithesis. The fascination for the mysteries and obscurities of ancient Egypt (which in the first album took life through a dark-coloured doom metal) is blinded this time by the dazzling light of a ray of the Sun that seems Californian more than North African. There is air of freedom, more than that of a catacomb. Behind an enigmatic and obscure veil, Blue Öyster Cult hid a robust rock n 'roll soul. And that is what inspired the new Lucifer that, while maintaining an ambiguous sulphurous component (especially in Phoenix and Faux Pharaoh), colour it with rainbows of melody and soft round riffs. A blues rock that seems to rise directly from the early 70s, with still some influence of the summer of love. A confident, romantic and radiant attitude that no one would ever associate with the fallen angel, but exactly for this reason it surprises (or disconcerts, according to taste) proving how much he is able to change skin moving away from genre clichés.

[R.T.]

Mr. Bison - 26.10.2018 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU)

Mr. Bison - 26.10.2018 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU)

Finalmente riesco a sentire i Mr. Bison che suonano il nuovo album. Una serie di coincidenze sfortunate mi aveva fatto sempre mancare l'appuntamento, ma per fortuna stavolta riesco a non perdermeli. La scaletta è giustamente focalizzata su Holy Oak e questa si dimostra una scelta vincente. Perché se Asteroid è un bell'album, l'ultimo prodotto dei tre Matteo è decisamente un balzo in avanti per ciò che riguarda tanto la composizione quanto l'evoluzione della band stessa. Non solo. Ciò che mi colpisce di più è la resa dei nuovi pezzi dal vivo. Se su disco se ne apprezza la  complessità della costruzione e la commistione stilistica che ha portato a spingere l'acceleratore su sonorità più psych e su soluzioni dal retrogusto settantiano, è dal vivo che le nuove canzoni danno il loro meglio, sprigionando una potenza che nelle registrazioni è rimasta imprigionata nei solchi del vinile. La stessa title-track vibra di un'intensità che su disco è presente, ma come con la sordina. E se la batteria si conferma l'asse portante - e non solo da un punto di vista ritmico - dei Mr. Bison, le due chitarre si rivelano due fucine tanto di groove, quanto di atmosfera. La formula del power trio si dimostra ancora una volta vincente: la band di Cecina l'ha fatta sempre più sua e sul palco ne mostra la maturità tanto nei riff, quanto nell'impatto sonoro, guadagnando in incisività e potenza.

[E.R.]

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Mr. Bison - 10.26.2018 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU)

Finally I listen to Mr. Bison playing the new album. A series of unfortunate coincidences had always made me miss the appointment, but luckily this time I succeed in my aim. The setlist is focused on Holy Oak and this proves to be a winning choice. Because if Asteroid is a good album, the last work of the three Matteo is definitely a leap forward for what concerns both the composition and the evolution of the band itself. Not only that. What strikes me the most is how awesome the new songs are when played live. If listening to the record you can appreciate the complexity of the construction and the style mixing that has led to push the accelerator on more psych sounds and solutions with a 70s aftertaste, live the new songs give their best, releasing a power that in the recordings has remained trapped in the grooves of the vinyl. The title-track itself vibrates with an intensity that is present on the record, but as with the mute. And if drums confirm to be Mr. Bison pillar - and not only from a rhythmic point of view -, the two guitars are two forges of both groove and atmosphere. The power trio formula proves once again to be the winning one: the band from Cecina has made it more and more its own and on stage it shows its maturity as much in the riffs as in the sound impact, gaining incisiveness and power.

[E.R.]

Graveyard + Bombus - 29.09.2018 - Bloom (Mezzago, MB)

Graveyard + Bombus - 29.09.2018 - Bloom (Mezzago, MB)

Ci sono band che pensi che non riuscirari mai a vedere dal vivo, ed invece non solo riesci a vederle innamorandotene definitivamente (esattamente un anno fa, al Desertfest Antwerp), ma le rivedi anche a distanza di solo un anno e con un nuovo album all'attivo! Ma procediamo con ordine...

Ad aprire ai Graveyard stasera ci sono i connazionali Bombus. E con i Graveyard condividono sostanzialmente solo la terra di origine. Il loro suono - così come il loro approccio sul palco - è decisamente molto più heavy e "spaccone". Sembra di aver fatto un salto indietro nel tempo e di essere tornati a cavallo fra fine anni '80 e inizio anni '90. Carica a palla. Sudore a litri. E tutta l'attitudine da rocker consumati, esaltatori di folle. Assolutamente divertenti, energici e galvanizzanti, sono un fantastico riscaldamento in attesa della band capitanata da Joakim Nilsson.

I Graveyard attaccano con una bella tripletta dall'ultimo album (Peace) e conquistano subito tutto il Bloom. Le note scorrono fluide come su disco, ma sono decisamente più vibranti, emozionanti e trascinanti. Col suo timbro sempre graffiante ed evocativo, la voce di Nilsson ci mette un po' a scaldarsi (forse a causa di un abbassamento di voce o di un raffreddamento), ma è comunque fin dall'inizio magnetica. E con la stupenda Slowmotion Countdown entra in serata e si apre in tutta la sua bellezza, svelando tutto il suo calore. Rispetto al concerto di un anno fa il nuovo batterista (Oskar Bergenheim) è entrato ancor più in sintonia con il resto della band, e con il basso di Truls Mörck dà vita ad una sezione ritmica decisamente portante e travolgente. La scaletta di stasera ripercorre un po' tutti gli album del quartetto di Göteborg (con l'unica eccezione dell'omonimo album di esordio), ma dedica una buona parte alle canzoni dell'ultimo lavoro, che dal vivo sprigionano tutta la loro forza e bellezza. A distanza di un anno, i Graveyard mi conquistano ancora una volta, dimostrando di non essere solo capaci di scrivere grandi canzoni, bensì di essere anche una grande band live, capace di far (ri)vivere atmosfere e sensazioni dal sapore settantiano, senza però alcuna nota di nostalgia.

[E.R.]

 

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Graveyard + Bombus - 09.29.2018 - Bloom (Mezzago, MB)

There are bands you think you will never see live, and instead not only you manage to see them definitively falling in love with them (exactly a year ago, at Desertfest Antwerp), but you even see them again after only one year and with a new album! But let's proceed with order...

Tonight supporting Graveyard there are compatriot Bombus. And with Graveyard they basically only share the land of origin. Their sound - as well as their approach on stage - is definitely much heavier and "brash". It seems to have taken a step back in time and to be back at the turn of late 80s and early 90s. Energy to the max. Sweat to liters. And all the attitude of worn rockers, exciters of crowds. Absolutely funny, energetic and galvanizing, they are a fantastic warm-up while waiting for the band captained by Joakim Nilsson.

Graveyard attack with a beautiful hat-trick from their latest album (Peace) and they immediately conquer the whole Bloom. Notes flow fluid as on the album, but they are definitely more vibrant, exciting and enthralling. With his always scratchy and evocative timbre, Nilsson's voice takes a while to get warm (perhaps due to a lowering of voice or a cooling), but however it is magnetic from the beginning. And with the beautiful Slowmotion Countdown it opens itself in all its beauty, revealing all its warmth. Compared to last year concert, the new drummer (Oskar Bergenheim) is even more at ease with the rest of the band, and together with Truls Mörck's bass he gives life to a decisively carrying and overwhelming rhythm section. Tonight setlist retraces a bit all the albums of the Göteborg quartet (with the only exception of the homonymous debut album), but it dedicates a good part to the songs of the latest work, which live release all their strength and beauty. After one year, Graveyard conquer me once again, proving not only to be able to write great songs, but also to be a great live band, able to make (re)live atmospheres and sensations with a seventies flavour, but without any note of nostalgia.

[E.R.]

Killer Boogie – Acid Cream

Killer Boogie – Acid Cream

(Heavy Psych Sounds, 2018)

Io ce li vedo benissimo dei capelloni barbuti, con gilet da biker, pantaloni a zampa e stivali texani ai piedi, a ballare il boogie-woogie. Serve solo la musica adatta per riempire la pista da ballo. Una musica che segua una struttura tipicamente blues, ma con una chitarra straripante di fuzz al posto di un pianoforte frenetico. Un blues però leggermente rallentato, anziché velocizzato (d’altronde per vedere ballare dei capelloni come se fossero gli anni '30 serve anche un assaggino di allucinogeno!). Livello di groove spinto al massimo, quello delle seghe mentali al minimo. Puro spirito rock n’ roll, esplicitamente influenzato dal periodo a cavallo tra fine anni '60 e inizio anni '70, come nel precedente Detroit (2015). Ma rispetto all’esordio, la band di Gabriele Fiori (chitarra e voce, come nell’altra sua creatura, i Black Rainbows) diminuisce un po’ la carica distruttiva proto-punk e la mirabolante fantasia hendrixiana in favore di un gustoso gelato alla Cream, con una punta di ammiccante acidità psichedelica. Assaggiare con cautela, e poi buttarsi in pista.

[R.T.]

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Killer Boogie – Acid Cream

(Heavy Psych Sounds, 2018)

I can easily imagine some bearded long-haired, with biker vest, flared trousers and Texan boots, dancing the boogie-woogie. You only need the right music to fill the dance floor. A music following a typically blues structure, but with an overflowing fuzz guitar instead of a frenetic piano. Anyway, a slightly slowed blues rather than a speeded up one (after all, to see a bunch of long-haired ones dancing as if they were jumped back in time to the 30s, it is also necessary a taste of hallucinogen!). Groove level pushed to the maximum, that of bullshits to the minimum. Pure rock n 'roll spirit, explicitly influenced by the late 60s and early 70s, as in the previous Detroit (2015). But compared to the debut, Gabriele Fiori's (guitar and voice, as in his other creature, Black Rainbows) band diminishes the destructive proto-punk charge and the amazing hendrixian fantasy in favour of a tasty Cream ice-cream, with a hint of twinkly psychedelic acidity. Taste carefully, and then jump into the dance floor.

[R.T.]

Graveyard - Peace

Graveyard - Peace

(Nuclear Blast, 2018)

It ain't over yet! I Graveyard ce lo sparano in faccia, senza giri di parole. Con l’orgoglio e la sete di vendetta di chi si riaffaccia fuori dal cimitero nel quale pareva sepolto, per affrontare chi lo dava per spacciato. Una resurrezione che prende la forma di un disco passionale, in cui il delicato calore del blues del passato viene relegato a singoli episodi (See the Day e Bird of Paradise, cantate dal bassista Truls Mörck), in favore di un hard rock rovente che ustiona la pelle. Musica impetuosa che viene convogliata in una forma lineare e immediata. Peace non possiede la flessibilità e l'elasticità del passato (anche per il diverso stile dietro le pelli di Oskar Bergenheim, rispetto a quello del predecessore Axel Sjöberg), ma è un disco compatto in cui i bassi sono pompati con sensibilità da stoner band. Questo non significa che la fantasia del gruppo svedese sia scomparsa, bensì che questa dimora ora tra riff massicci ed esplode in splendide melodie e nel fuoco delle corde vocali di Joakim Nilsson (Cold Love). Dopo lo scioglimento del 2016, lo straordinario ritorno in vita dei Graveyard è la conferma che il rock, nonostante finali annunciati e lutti continui, possiede sette vite come i gatti ed è capace di sorprendenti rinascite. 

[R.T.]

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Graveyard - Peace

(Nuclear Blast, 2018)

It ain't over yet! Graveyards shoot this sentence bluntly. With the pride and thirst for revenge of those who reappear out of that cemetery in which they seemed to have been buried, to face those who gave them as passed off. A resurrection that takes the form of a passionate record, in which the delicate warmth of the blues of the past is relegated to single episodes (See the Day and Bird of Paradise, sung by bassist Truls Mörck), in favor of a burning hard rock. Impetuous music that is conveyed in a linear and immediate form. Peace does not have the flexibility and elasticity of the past (even for the different style of the new drummer - Oskar Bergenheim - compared to that of his predecessor - Axel Sjöberg), but it is a compact album in which basses are pumped with the sensitivity of a stoner band. This does not mean that the creativity of the Swedish band has disappeared, but rather that this dwells now among massive riffs and explodes in beautiful melodies and in the fire of of Joakim Nilsson's vocal chords (Cold Love). After their disbandment in 2016, the extraordinary return to life of Graveyard is the proof that - despite announced finals and continuous mournings - rock has got nine lives like cats and is capable of surprising rebirths.

[R.T.]

High Reeper – High Reeper

High Reeper – High Reeper

(Heavy Psych Sounds, 2018)

Ozzy Osbourne ha seminato innumerevoli figli in giro per il mondo. L’ultimo è nato nel 2016 a Philadelphia e si chiama High Reeper. Ozzy potrà non riconoscerlo, ma non c’è bisogno di un’analisi del DNA per rendersi conto chi sia il vero padre. High Reeper possiede la frenesia tossica dei Black Sabbath di Master of Reality, ma anche l’incedere funereo e lo sguardo oscuro del disco d’esordio della band di Birmingham. Non si sa di preciso chi sia la madre, ma di sicuro doveva avere l’energia e il tiro dello stoner rock californiano e un pizzico di sfrontatezza punk - caratteristiche che rendono il pargolo un’incontenibile fucina di riff divertenti e dal groove travolgente. High Reeper è ancora un bambino e segue fedelmente le orme del padre (e dei vari zii – Pentagram e Saint Vitus in testa), ma la sua fantasia fa presagire ottimi voti alla scuola di proto-metal e retro-rock alla quale è da poco iscritto. Compagno di banco del fratello Beastmaker, High Reeper ha una passione per l’horror rock meno esplicita, ma una più evidente attrazione per rombi di motore e accelerazioni. Sperando che con la crescita la band sviluppi appieno la sua personalità (raccogliendo magari qualche pessimo voto, iniziando a ripudiare i genitori, e gettandosi a capofitto nelle droghe e nelle cattive compagnie), ci godiamo intanto le trascinanti canzoni di questo esordio.

[R.T.]

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High Reeper – High Reeper

(Heavy Psych Sounds, 2018)

Ozzy Osbourne has got countless children around the world. The last one was born in 2016 in Philadelphia and he is called High Reeper. Ozzy may not recognize it, but there is no need for a DNA analysis to realize who the real father is. High Reeper has got the toxic frenzy of Black Sabbath at the time of Master of Reality, but also the funeral gait and the obscure look of Birmingham band's debut album. We do not know exactly who the mother is, but surely she must have the energy and groove of Californian stoner rock and a pinch of punk effrontery - features making the baby an uncontrollable forge of funny riffs with overwhelming groove. High Reeper is still a child and he faithfully follows in the footsteps of his father (and his various uncles - Pentagram and Saint Vitus above all), but his imagination foreshadows excellent grades in the school of proto-metal and retro-rock to which he has just registered. Deskmate of his brother Beastemaker, High Reeper has got a less explicit passion for horror rock, but a more obvious attraction for motorbike rumbles and accelerations. Hoping that with its growth the band will fully develop its personality (maybe collecting some bad grades, starting to repudiate parents, and attending bad friends), in the meantime we enjoy the enthralling songs of this debut.

[R.T.]

The Lords of Altamont - The Wild Sounds of the Lords of Alta­mont

The Lords of Altamont - The Wild Sounds of the Lords of Alta­mont

(Heavy Psych Sounds, 2017)

6 dicembre 1969. Il giorno in cui muore la Summer of Love. L’utopia “peace & lov­e” si frantuma simbo­licamente sotto il palco dei Rolling Sto­nes, dove pistole e coltelli rubano la scena alle chitarre. Da quel risveglio im­provviso e scioccant­e, e dal conseguente ritorno alla cruda realtà, nasce il nome della band di Jake Cavaliere. Un perso­naggio che ha da sem­pre inzuppato il flo­wer power nel nero dei gas di scarico di una Harley, cavalca­ndo l’energia “per niente positiva” del proto punk primordia­le fin dai tempi del­le sue collaborazioni con i Fuzztones e con i Cramps (dei pr­imi è stato cantante su Monster a Go-go, dei secondi roadie e tecnico delle chit­arre). Con il sesto disco della sua band (The Wild Sounds of the Lords of Altamo­nt) Cavaliere dimost­ra di non aver mai parcheggiato la moto in garage, ma anzi si lascia andare ad impennate in puro sti­le Stooges (Going Downtown), acce­lerazioni punk (Death on the Highway) e sgommate con fumata delle gomme sull’as­falto (la stonerosis­sima cover di Evil di Howling Wolf). Nie­nte casco ben allacc­iato in testa, la lo­ro è una corsa sfren­ata in fuga dalla po­lizia. Teppisti del rock n’ roll alla ri­cerca di divertimento puro e semplice. Frequentare certe com­pagnie potrebbe esse­re molto pericoloso, ma anche incredibil­mente eccitante!

[R.T.]

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The Lords of Altamont - The Wild Sounds of the Lords of Alta­mont

(Heavy Psych Sounds, 2017)

December 6, 1969. The day the Summer of Love dies. The "peace & love" utopia is symbolically shattered under The Rolling Stones stage, where guns and knives take the thunder away from guitars. From that sudden and shocking awakening, and from the consequent return to raw reality, it comes the name of Jake Cavaliere's band. A character who has always drenched flower power into the black exhaust of a Harley, riding the "not at all positive" energy of the primordial proto punk since the time of his collaborations with The Fuzztones and with The Cramps (singer on Monster at Go-go for the first ones, roadie and guitar technician for the second ones). With the sixth record of his band (The Wild Sounds of the Lords of Altamont) Cavaliere proves he has never parked his motorcycle in the garage, but he rather lets himself go to wheelies in pure Stooges style (Going Downtown), punk acceleration (Death on the Highway) and screechs of tires on the asphalt (the super-stoner cover of Evil by Howling Wolf). No helmet well tied on the head, their is a wild ride fleeing from the police. Rock n 'roll thugs looking for pure and simple fun. Attending certain companies could be very dangerous, yet also incredibly exciting!

[R.T.]

Monster Magnet – Mindfucker

Monster Magnet – Mindfucker

(Napalm Records, 2018)

I Monster Magnet non sono mai stati un esempio di sobrietà. Dagli eccessi di sostanze psicotrope degli esordi che deviavano l’hard rock verso le galassie più remote con sovrabbondanza di flanger e delay, agli eccessi alcolici e anfetaminici del rock macho che ha caratterizzato la seconda parte della loro carriera, fino al ritorno nel cosmo degli ultimi tempi. Dopo tanti anni (quasi trenta) di carriera, Dave Wyndorf torna al rock primordiale dal quale gran parte della musica “dura” è nata: quel proto punk che come un Big Bang è esploso nei garage di Detroit verso la fine degli anni '60 per generare una stirpe di musicisti ribelli e anticonformisti. Ovviamente Wyndorf reinterpreta la grezza e viscerale energia di Stooges ed MC5 con il suo tipico gusto per l’eccesso. I tarantolati balli di Iggy Pop diventano potenti sfuriate stoner nelle mani di Wyndorf, musicista certamente meno agile, sinuoso e ammiccante dell'iguana del rock, ma comunque esaltante col suo sovraccarico di steroidi. Muscoli pompati a mille, insomma (I'm God), ma anche cervello in pappa (la title track). Ogni eccesso ha le sue conseguenze però: dopo una prima parte sparata a mille, durante la quale si fa fatica a stare fermi, Mindfucker dapprima si lascia andare in un’affascinante malinconia romantica (Drowning), poi inizia a calare il proprio livello energetico fino a sfiorare la stanchezza (nonostante la divertente cover di Ejection degli Hawkwind). Ma la splendida When the Hammer Comes Down chiude il disco spazzando via ogni dubbio sui Monster Magnet attuali: anche se la sregolatezza determinerà un invecchiamento precoce, vale la pena rompere i freni per gustarsi la libertà, almeno un'ultima volta.

[R.T.]

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Monster Magnet – Mindfucker

(Napalm Records, 2018)

Monster Magnet have never been an example of sobriety. From the excesses of psychotropic substances of the beginnings diverting hard rock towards the most remote galaxies with overabundance of flanger and delay, to the alcoholic amphetaminic excesses of that macho rock characterizing the second part of their career, until the return into the cosmos of recent years. After so many years (almost thirty) of career, Dave Wyndorf returns to the primordial rock from which much of the "hard" music was born: that proto punk that like a Big Bang exploded in Detroit garages in the late 60s to generate a lineage of rebel unconventional musicians. Obviously Wyndorf reinterprets the raw and visceral energy of Stooges and MC5 with his typical taste for excess. Iggy Pop's tarantula-like dances become powerful stoner outbursts in Wyndorf's hands, certainly less agile sinuous and flirty musician than the iguana of rock, yet still exciting with his steroid overload. Ultra-pumped muscles, in short (I'm God), but also a damaged brain (the title track). Each excess has its consequences, however: after a first part at full speed, in which it is hard to stand still, Mindfucker first lets itself indulge in a fascinating romantic melancholy (Drowning), then begins to drop its energy level up to touch the tiredness (despite the funny cover of Ejection by Hawkwind). But the wonderful When the Hammer Comes Down closes the record sweeping away any doubt about current Monster Magnet: even if the unruliness will cause premature aging, it is worth breaking the brakes to enjoy freedom, at least one last time.

[R.T.]

Stones From the Hill - V Edition – High Reeper + Tuna de Tierra + Rancho Bizzarro – 01.05.2018 - Secret Show (Cecina, LI)

 

Stones From the Hill - V Edition – High Reeper + Tuna de Tierra + Rancho Bizzarro – 01.05.2018 - Secret Show (Cecina, LI)

Primo maggio: bella giornata di Sole da trascorrere in mezzo alla natura, con amici, grigliata e birra, ad un festival stoner rock. Sembra tutto perfetto. Poi il maltempo stravolge i piani. Per fortuna il festival viene spostato in un luogo riparato, senza che questo danneggi l’atmosfera dell’evento.

Il nostro Stones from the Hill inizia dal Rancho Bizzarro. Il loro desert rock strumentale suona meno secco e asciutto rispetto ai primi concerti ai quali avevamo assistito, e sembra aver assorbito l’umidità presente nell’aria fino a gonfiarsi e aver sviluppato nuove forme vegetali sulla sua superficie, nuove sfumature che certamente ne arricchiscono i contorni. La band suona decisamente più potente e compatta, ma anche più rotonda, come un cactus in continua crescita nel deserto americano. Un cactus dal quale gli assoli di chitarra spuntano come spine acuminate e arroventate, e inaspettate aperture evocative sbocciano come fiori.

Mentre intorno a noi continua imperterrito il diluvio, altri suoni del deserto ci accompagnano. Se il Rancho Bizzarro è un cactus, i Tuna de Tierra sono una pianta di peyote. Psicoattivi tanto nelle parti più morbide e avvolgenti, quanto in quelle robuste e obnubilanti, riescono a sollevare vere e proprie dune con i loro suoni sabbiosi, carichi di frequenze medie. Dune nelle quali sembra di impantanarsi da tanto sono dense, ma dalle quali riusciamo a tirar fuori le caviglie grazie ad una batteria davvero potente e carica di groove (rallentato). Per lo più strumentali, convincono però anche nelle rare parti cantante, più libere e sciolte che su disco. Alla fine del loro concerto l’aria pare diventata secca e asciutta, nonostante continui a piovere. Urge una birra.

La birra ce la offrono gli americani High Reeper, con il loro hard rock alcolico che chiude la giornata con un concerto divertentissimo. Fin dal primo riff si capisce che i cinque di Philadelphia abbracciano pienamente la filosofia “You can only trust yourself and the first six Black Sabbath albums”. Il loro mondo si è fermato a metà anni settanta, e io (che a quei tempi non ero ancora nato!) con loro. Stasera non mi interessa ciò che è successo dopo l’uscita di Ozzy dal primo nucleo dei Sabbath. Quello che conta sono i riff obliqui e sottilmente malvagi, che con estrema semplicità ondeggiano creando un groove travolgente. Purtroppo la voce di Zach Thomas non ha la pienezza che mostra su disco, indebolita da un'influenza, che però non gli impedisce di dimenarsi come fosse posseduto dallo spirito del rock n’ roll. Spirito che si impossessa anche di me, ricordandomi che a volte bisogna prendersi del tempo per scapellare meglio.

[R.T.]

 

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Stones From the Hill - V Edition – High Reeper + Tuna de Tierra + Rancho Bizzarro – 01.05.2018 - Secret Show (Cecina, LI)

May 1st: a beautiful sunny day to be spent in the middle of nature, with friends, grilled food and beer, at a stoner rock festival. Everything seems perfect. Then bad weather distorts our plans. Fortunately, the festival is moved to a sheltered place, without damaging the atmosphere of the event.

Our Stones from the Hill starts at Rancho Bizzarro. Their instrumental desert rock sounds less dry than in the first concerts we attended, and it seems to have absorbed the humidity of the air until it swelled and developed new vegetal forms on its surface, new nuances that certainly enrich its shape. The band sounds decidedly more powerful and compact, like a cactus growing in the American desert. A cactus from which guitar solos sprout like sharp and red-hot spines, and unexpected evocative openings bloom like flowers.

While the flood continues undauntedly around us, other sounds of the desert keep us company. If Rancho Bizarro is a cactus, Tuna de Tierra are a peyote plant. Psychoactive both in the softer enveloping parts, as in the robust mesmerizing ones, they manage to lift real dunes with their sandy sounds, rich in medium frequencies. Dunes so dense that it seems to get bogged down inside them, but from which we can pull out the ankles thanks to a really powerful and full of (slowed down) groove drum. Mostly instrumental, they are effective even in the rare vocal parts, more loose than on record. At the end of their concert the air seems to have become dry, although it continues to rain. I need a beer.

The beer is offered by the American High Reeper, with their alcoholic hard rock ending the day with a ultra-funny concert. Since the first riff we understand that the five from Philadelphia fully embrace the philosophy "You can only trust yourself and the first six Black Sabbath albums". Their world stopped in the mid seventies, and I (who in those days I had not yet been born!) with them. Tonight I do not care what happened after Ozzy left Sabbath. What matters are the slanting and subtly evil riffs, which with extreme simplicity sway creating an overwhelming groove. Unfortunately, Zach Thomas voice does not have the fullness it shows on album, weakened by a flue, that anyway does not prevent him from wriggling as if he was possessed by the spirit of rock n 'roll. Spirit that takes possession of me too, reminding me that sometimes you have to take time to better headbang.

[R.T.]

Fu Manchu – Clone of the Universe

Fu Manchu – Clone of the Universe

(At the Dojo, 2018)

Se esiste un gruppo che è stato in grado di trasformare in musica la sensazione di velocità e libertà provata da uno skater, quel gruppo sono i Fu Manchu. La band californiana ha trasportato su strada la tavola da surf (con tutto il suo armamentario di melodie luminose e sensazioni psichedeliche) con un’accelerazione sfrenata tipica dell’hardcore e l'aggiunta del puzzo del gas di scarico di qualche assurdo dragster sparato a mille. Il tutto con una passione per le fluide e spettacolari acrobazie che solo l’hard rock settantiano poteva regalare alla tavola. Scott Hill dimostra di possedere ancora il coraggio e la spensieratezza di uno skater adolescente, ma anche l’esperienza di un veterano. Con il dodicesimo disco della sua band, Hill si diverte in una serie di tricks spericolati, magari non inediti, ma comunque spettacolari. La tavola flippa in aria durante i pompatissimi riff stoner di Intelligent Worship, corre sparatissima in una discesa hardcore in Don’t Panic, oppure scivola sinuosa su una halfpipe nella psichedelica e gommosa Slower than Light. Se nella sua prima metà Clone of the Universe è un compendio (esaltante) dello stoner rock californiano degli anni '90, nella sua seconda metà possiede anche parte della fantasia di quei tempi, diventando una surreale cavalcata in una piscina deserta. Nei 18 minuti de Il Mostro Atomico c’è la sensazione di esser entrati di nascosto nel giardino di una villa da un buco nella rete, aver acceso qualche canna ed essersi lanciati (al rallentatore) in rilassate acrobazie in una piscina dai bordi morbidi e tondeggianti. L’heavy psych concepito dai californiani è un insieme di riff di cemento tenuti insieme dagli assoli della chitarra di Alex Lifeson dei Rush (uno che di lunghe suite se ne intende), e che, anche grazie a questo ospite d’eccezione, assume le sembianze di un viaggio interstellare a bordo di un disco volante di un qualche B-movie anni 50. E’ in questi 18 minuti che i Fu Manchu dimostrano di essere ancora quei ragazzini che, con una tavola e una chitarra, erano stati in grado di concepire alcuni dei capolavori dello stoner rock.

[R.T.]

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Fu Manchu – Clone of the Universe

(At the Dojo, 2018)

If there is a band that has been able to turn into music the sensation of speed and freedom experienced by a skater, that band is Fu Manchu. The Californian combo transported the surfboard (with all its paraphernalia of luminous melodies and psychedelic sensations) on the road, with an unbridled acceleration typical of hardcore and the addition of the stink of the exhaust fumes of some absurd dragster running at full speed. All this with a passion for the fluid spectacular acrobatics that only Seventies hard rock could give to the board. Scott Hill proves he still has the courage and carefree attitude of a teenage skater, but also the experience of a veteran. With the twelfth record of his band, Hill has fun in a series of daring tricks, maybe not new, yet spectacular. The board flips in the air during the ultra-pumped stoner riffs of Intelligent Worship, runs fast in a hardcore descent in Don't Panic, or slips sinuously on a halfpipe in the psychedelic Slower than Light. If in its first half Clone of the Universe is an (exciting) compendium of the 90s Californian stoner rock, in its second half it also has got part of the fantasy of those times, becoming a surreal ride in a desert swimming pool. In the 18 minutes of Il Mostro Atomico there is the feeling of having secretly entered in the garden of a house through a hole in the net, having lit some joints and having launched (in slow motion) in relaxed acrobatics inside a pool with soft rounded edges . The heavy psych conceived by the Californians is a set of concrete riffs held together by Alex Lifeson (Rush) guitar solos, and that, thanks to this extraordinary guest, takes the appearance of an interstellar voyage aboard a flying saucer from some 50s B-movie. It is in these 18 minutes that Fu Manchu prove to be still those kids who, with a board and a guitar, were able to conceive some stoner rock masterpieces.

[R.T.]

Earthless - Black Heaven

Earthless - Black Heaven

(Nuclear Blast, 2018)

Un negozio di dischi che diventa un punto di riferimento per tutti quelli che si sentono fuori contesto e fuori moda. Questo luogo, dove musicisti ed ascoltatori si incontrano e si scambiano idee, è il primo nucleo di quella scena che nell'arco di pochi anni ha reso San Diego la "nuova alba" della rinascita hard psichedelica. I due gestori del negozio (Mario Rubalcaba e Mike Eginton), insieme ad un talentuoso chitarrista (Isaiah Mitchell), mettono in musica la loro passione per un rock improvvisato, fantasioso, esplosivo e privo di limitazioni, sotto il nome Earthless. Dopo aver riportato il rock alla sua essenza grezza e viscerale, attraverso lunghe divagazioni dilatate, sinuose e lisergiche, ispirando un'intera generazione di musicisti della città californiana, gli Earthless tornano sulla Terra con Black Heaven. Le canzoni perdono quel pulviscolo cosmico che rendeva imprevedibili i contorni dei dischi passati, suonando adesso compatte, decise e robuste (meno Guru Guru e più Led Zeppelin). La traiettoria seguita dalla navicella spaziale è più diretta e lineare che in passato, per quanto i raggi cosmici della chitarra e le esplosioni solari della sezione ritmica deformino costantemente il tragitto. Una tappa intermedia al Rancho de la Luna per respirare l'aria del deserto terrestre e fare il pieno di combustibile heavy blues e poi il trio riparte a tutta velocità (e a tutto groove). Ma la cosa che ha cambiato maggiormente il modo di viaggiare del trio è la presenza di un essere umano alla guida dell'astronave. La splendida voce nasale di Isaiah Mitchell è il segreto che gli Earthless nascondevano negli abissi cosmici (e in passato mostravano solo raramente). Riportare questo comandante sul nostro pianeta significa tornare in quel negozio di dischi, ben piantato in un luogo preciso del pianeta Terra, dal quale tutto è cominciato. Un viaggio di ritorno che possiede la forza e l'ispirazione di chi ha intravisto un mondo diverso al largo dei bastioni di Orione, e corre a dirlo agli amici, ancora intenti a decollare.

[R.T.]

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Earthless - Black Heaven

(Nuclear Blast, 2018)

A record store that becomes a point of reference for all those who feel out of context and out of fashion. This place, where musicians and listeners meet and exchange ideas, is the first nucleus of that scene that in a few years made San Diego the "new dawn" of hard psychedelic rebirth. The two store managers (Mario Rubalcaba and Mike Eginton), along with a talented guitarist (Isaiah Mitchell), bring to music their passion for improvised, imaginative, explosive rock with no limitations, under the name Earthless. After bringing rock back to its raw visceral essence, through long dilated, sinuous and lysergic ramblings, inspiring an entire generation of Californian musicians, Earthless return to Earth with Black Heaven. Songs lose that cosmic dust that made the contours of the past records unpredictable, playing now compact and direct (less Guru Guru and more Led Zeppelin). The trajectory followed by the spacecraft is more direct and linear than in the past, although the cosmic rays of the guitar and the solar explosions of the rhythmic section constantly deform the route. An intermediate stop at Rancho de la Luna to breathe the air of the terrestrial desert and fill up with heavy blues and then the trio leaves again at full speed (and all groove). But what really changed the way the trio travels is the presence of a human being driving the spaceship. Isaiah Mitchell's beautiful nasal voice is the secret Earthless hid in the cosmic abysses (and that in the past they only rarely showed). Bringing this captain back to our planet means going back to that record store, in a specific place on planet Earth, from which it all began. A return journey that has the strength and inspiration of those who have glimpsed a different world off the bastions of Orion, and tell it to friends, still intent on taking off.

[R.T.]

Wedge - 31.03.2018 - Cafè Albatross (Pisa)

Wedge - 31.03.2018 - Cafè Albatross (Pisa)

Chi è rimasto a casa per il maltempo, e chi mancava per le vacanze pasquali, si è davvero perso una fantastica serata di puro rock. Impregnati di tutto quello che di bello ci hanno regalato gli anni '70, i Wedge attualizzano e rendono ancora vivo ed energico un genere che rischierebbe di essere puro revival. E se già nell'appena uscito Killing Tongue tutto questo era chiaramente messo per scritto (anzi per "inciso"), il concerto di stasera ha decisamente enfatizzato la vivacità artistica di questa band sottolineandone valore e bravura. La chitarra di Kiryk Drewinski è l'anima di questo trio e l'essenza delle loro canzoni. Tanto i riffs, quanto i fraseggi e gli assoli, vibrano di pura energia elettrica e rendono impossibile tenere i piedi fermi davanti al palco. E se le tastiere (che si alternano con il basso e a volte lo rimpiazzano alla Doors maniera) impolverano di fascino vagamente psych i pezzi del trio berlinese, la batteria micidiale e carica di tiro di Holger “The Holg” Grosser è quella forza motrice che fa la differenza con molte altre band del genere e dal vivo detta tutto un altro passo al set. Un'ora di musica tutta d'un fiato, in cui i pezzi del nuovo album si alternano con quelli dell'omonimo debut, e a cui si aggiunge un quarto d'ora di boogie come bis premio per il non numeroso, ma certo caloroso, pubblico. Un concerto intimo - per il locale e per il pubblico presente - ma con tutta la bellezza e l'impatto di un set in scaletta al Desertfest. 

[E.R.]

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Wedge - 03.31.2018 - Cafè Albatross (Pisa)

Those who stayed at home for bad weather, and those who were on Easter holidays, really missed a fantastic evening of pure rock. Impregnated with all the beauty that the 70s gave us, Wedge actualize and make alive and energetic a genre that risks being pure revival. And if in the just released Killing Tongue all this was clearly written (or rather "pressed"), tonight's concert has definitely emphasized the artistic liveliness of this band highlighting its value and skill. Kiryk Drewinski's guitar is the soul of this trio and the essence of their songs. Riffs, phrasings and solos vibrate with pure electric energy and make it impossible to keep your feet still in front of the stage. And if keyboards (which alternate with the bass and sometimes replace it as Doors used to do) scatter vaguely psych charm on the songs of the Berlin trio, Holger "The Holg" Grosser killing groovy drums are that driving force that makes the difference with many other bands of the genre and gives a completely different pace to the set. An hour of music all in one breath, in which the tracks of the brand new album alternate with those of the homonymous debut, and to which is added a quarter of an hour of boogie as a prize for the not numerous, but certainly warm, audience. An intimate concert - for the venue and for the spectators - but with all the beauty and impact of a set scheduled at Desertfest.

[E.R.]