Paradise Lost – Obsidian

Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)

Ogni città ha una locanda sicura, aperta fino a notte fonda. Un rifugio sul quale possiamo contare nelle nottate in cui fuori infuria la tempesta. I Paradise Lost sono quel luogo, nell’universo dell’heavy metal. Quando all’esterno è rimasto silenzio e desolazione, e non riconosciamo più nostri simili, la band inglese ci mostra l’entrata attraverso un arpeggio dal sapore antico. In un attimo siamo in un altro mondo, in un’altra epoca. Una taverna di Winterfell, nell'estremo nord di Westeros. Al suo interno non la stanca rassegnazione di un luogo corroso dall’abitudine, bensì il calore appassionato di un covo di partigiani che progettano battaglie. Qui troviamo facce conosciute, vecchi amici che non si vogliono arrendere, e che mostrano un’energia inesauribile, frutto di una riuscita alchimia. Così, mentre una pandemia congela il mondo della musica, non solo  annichilendo i concerti, ma inibendo anche la pubblicazione dei dischi (che in questa epoca digitale non portano nessun guadagno alle band se non sono accompagnati da un tour), i Paradise Lost vanno controtendenza senza paura e pubblicano uno dei loro dischi migliori. Proseguendo il percorso intrapreso con i due - straordinari - predecessori, la band inglese infonde energia ad uno stile musicale decadente e rassegnato per definizione, mostrando ancora una volta nuove strade. Unendo romanticismo darkwave e potenza heavy metal, grazie anche al presioso contributo del giovane batterista Waltteri Väyrynen, i Paradise Lost compongono il loro disco più epico e grandioso, senza mai perdere il focus introspettivo che li ha sempre caratterizzati. La luce della locanda è accesa, in mezzo alla tormenta. Sta a noi entrare e unirsi alla resistenza.

[R.T.]

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Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)  

Each town has a safe inn, open til late at the night. A shelter we can count on in those nights when  outside the storm is raging. Paradise Lost is that place, in the universe of heavy metal. When outside there are only silence and desolation, and we no longer recognize our fellowmen, the English band shows us the entrance through an arpeggio with an ancient flavour. In a moment we are in another world, in another era. A tavern in Winterfell, in the far north of Westeros. Inside it there isn't the tired resignation of a place corroded by habit, yet the passionate warmth of a hideout of partisans planning battles. Here we find familiar faces, old friends who do not want to give up, and who show inexhaustible energy, result of successful alchemy. So, while a pandemic freezes the world of music, not only annihilating concerts, but also inhibiting the release of records (which, in this digital age, do not bring any profit to the bands if they don't go on tour), Paradise Lost go fearlessly against this trend and release one of their best records. Combining darkwave romanticism and heavy metal power, thanks also to the precious contribution of the young drummer Waltteri Väyrynen, Paradise Lost compose their most epic and grandiose album, without ever losing the introspective focus that has always characterized them. The inn's light is on, amidst the blizzard. It is up to us to come in and join the resistance.

[R.T.]

Kadavar – For the Dead Travel Fast

Kadavar – For the Dead Travel Fast

(Nuclear Blast, 2019)

“Sul bordo di un precipizio terrificante… con una spaccatura profonda in cui vi è un abisso [con] fili d’argento, dove i fiumi si snodano in gole profonde”. Qui, dove la natura selvaggia ha la meglio sulla razionalità umana, si trova il castello al quale Bram Stoker si ispirò per ambientare la storia del suo conte sanguinario. E proprio quel castello, che incombe inquietante sulla copertina del quinto album dei Kadavar, è il luogo in cui la musica della band tedesca si manifesta. Tra quelle mura, e nella mente di chi le abita, aleggia una densa nebbia e danzano i demoni. Distorcendo la percezione come mai fatto prima, i Kadavar creano la loro personale visione del dark sound che in questi anni ha affascinato tante band dedite alla riscoperta del rock anni '70. Ma a differenza di altri che avevano intrapreso questo sentiero prima di loro, il viaggio dei Kadavar verso il lato oscuro non è un’orgiastica messa nera di matrice prog o una spaventosa discesa nelle catacombe del doom, bensì una spirale psichedelica che entra nella mente del malvagio. Una mente assetata di lussuria, ma al tempo stesso romantica, imprigionata negli angoli più bui della notte. Al di là della nebbia che dilata il tempo, oltre l’ultima porta che si trova in fondo al più lungo dei corridoi, i Kadavar nascondono ancora il loro cuore rock, caratterizzato da melodie epiche e riff trascinanti, che in certi momenti si colorano di doom sepolcrale. Ma ciò che rende For the Dead Travel Fast un disco unico, e non solo nella discografia del trio berlinese, è quel senso di mistero, inquietudine e malinconia che si prova cercando di osservare cosa si cela al di là della notte.

[R.T.]

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Kadavar – For the Dead Travel Fast

(Nuclear Blast, 2019)

"On the edge of a terrifying precipice ... with a deep rift in which there is an abyss [with] silver threads, where rivers wind their way through deep gorges." Here, where wild nature prevails over human rationality, there is the castle which inspired Bram Stoker for the set of the story of his bloodthirsty count. And precisely that castle, looming disturbingly on the cover of Kadavar fifth album, is the place where the music of the German band manifests itself. Within those walls, and in the minds of those who live there, a dense fog hovers and demons dance. By distorting perception like never before, Kadavar create their own vision of the dark sound that in recent years has fascinated many bands dedicated to the rediscovery of 70s rock. But unlike others who had taken this path before them, Kadavar's journey to the dark side is not an orgy black mass of prog matrix or a frightening descent into the doom catacombs, yet a psychedelic spiral that enters the mind of the evil. A mind thirsty for lust, but at the same time romantic, imprisoned in the darkest corners of the night. Beyond the fog that expands time, beyond the last door that is at the bottom of the longest of the corridors, Kadavar still hide their rock heart, characterized by epic melodies and enthralling riffs, which at times are colored with sepulchral doom. But what makes For the Dead Travel Fast a unique album, and not only in the discography of the Berlin trio, is that sense of mystery, restlessness and melancholy that is felt trying to observe what is hidden beyond the night.

[R.T.]

Behemoth - I Loved You at Your Darkest

Behemoth – I Loved You at Your Darkest

(Nuclear Blast, 2018)

La Polonia è uno dei baluardi della religione cattolica, che in questa nazione ha un peso specifico elevatissimo sia in ambito sociale che politico. Non poteva esserci terreno più fertile di questo per la nascita e lo sviluppo dei Behemoth, band tra le più esplicite nel manifestare la propria reazione al potere della Chiesa. Per far questo il leader del gruppo (Adam Michał “Nergal” Darski) si è avvalso delle stesse armi del suo “nemico”, cioè un tentativo di evangelizzazione costante e crescente del suo pubblico. L’indottrinamento si avvale di un’approfondita operazione di propaganda nonché di cerimonie teatrali - cosa che, per alcuni, ha reso i Behemoth tanto odiosi quanto la Chiesa da loro combattuta. Il confine tra Paradiso e Inferno è quanto mai labile nella musica della band, e spesso i due regni antitetici si sovrappongono. Basta ascoltare l’ultimo disco, I Loved You at Your Darkest, per rendersi conto che la loro è la proposta di una spiritualità alternativa, e non una semplice lotta a quella cristiana. Teatrale e ricca di pathos tanto nelle sfuriate più violente quanto nelle dissonanze più disturbanti, la musica dei Behemoth è una liturgia che sembra attraversare le tenebre alla ricerca della luce. Nel coro dei bambini che introduce il disco (sorta di Another Brick in the Wall in chiave metal) siamo di fronte a voci bianche che sputano nero profondo. Un nero nel quale Nergal ci invita ad entrare, per assistere ad una cerimonia religiosa che si dimostrerà un vero e proprio viaggio spirituale. Saremo battezzati nell’acqua sporca di fango, per poi affrontare gli abissi del black metal in tempesta (Wolves ov Siberia) e i luoghi misteriosi del metal gotico (Bartzabel), fino alla crocifissione degli idoli e alla presa di coscienza della nostra libertà (We Are the Next 1000 Years). L’iconografia e la liturgia cattoliche sono ribaltate in una cerimonia grandiosa, ricca di cori e arrangiamenti complessi, alla fine della quale si può soltanto essere credenti o atei. Non esistono vie di mezzo. 

[R.T.]

Behemoth – I Loved You at Your Darkest

(Nuclear Blast, 2018)

Poland is one of the bastions of the Catholic religion, which in this nation has a very high specific weight from both a social and a political point of view. There could be no more fertile ground than this for the birth and development of Behemoth, one of the most explicit bands in expressing their reaction to the power of the Church. To do this, their leader (Adam Michał "Nergal" Darski) has used the same weapons as his "enemy", namely a constantly and growing attempt to evangelize his audience. The boundary between Heaven and Hell is so evanescent in the band's music, and often the two antithetical kingdoms overlap. Listening to the latest album, I Loved You at Your Darkest, you can realize that theirs is the proposal of an alternative spirituality, and not a simple fight against the Christian one. Theatrical and full of pathos both in the most violent outbursts and in the most disturbing dissonances, Behemoth music is a liturgy that seems to cross the darkness in search of light. In the children's chorus introducing the album (sort of Another Brick in the Wall in metal key) we are faced with white voices that spit deep black. A black into which Nergal invites us to enter, to attend a religious ceremony that will prove to be a real spiritual journey. We will be baptized in the muddy water, and then we will face the abysses of the stormy black metal (Wolves ov Siberia) and the mysterious places of the gothic metal (Bartzabel), until the crucifixion of the idols and the awareness of our freedom (We Are the Next 1000 Years). Catholic iconography and liturgy are overturned in a grand ceremony, full of choruses and complex arrangements, at the end of which one can only be a believer or an atheist. There is no middle way.

[R.T.]

Graveyard - Peace

Graveyard - Peace

(Nuclear Blast, 2018)

It ain't over yet! I Graveyard ce lo sparano in faccia, senza giri di parole. Con l’orgoglio e la sete di vendetta di chi si riaffaccia fuori dal cimitero nel quale pareva sepolto, per affrontare chi lo dava per spacciato. Una resurrezione che prende la forma di un disco passionale, in cui il delicato calore del blues del passato viene relegato a singoli episodi (See the Day e Bird of Paradise, cantate dal bassista Truls Mörck), in favore di un hard rock rovente che ustiona la pelle. Musica impetuosa che viene convogliata in una forma lineare e immediata. Peace non possiede la flessibilità e l'elasticità del passato (anche per il diverso stile dietro le pelli di Oskar Bergenheim, rispetto a quello del predecessore Axel Sjöberg), ma è un disco compatto in cui i bassi sono pompati con sensibilità da stoner band. Questo non significa che la fantasia del gruppo svedese sia scomparsa, bensì che questa dimora ora tra riff massicci ed esplode in splendide melodie e nel fuoco delle corde vocali di Joakim Nilsson (Cold Love). Dopo lo scioglimento del 2016, lo straordinario ritorno in vita dei Graveyard è la conferma che il rock, nonostante finali annunciati e lutti continui, possiede sette vite come i gatti ed è capace di sorprendenti rinascite. 

[R.T.]

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Graveyard - Peace

(Nuclear Blast, 2018)

It ain't over yet! Graveyards shoot this sentence bluntly. With the pride and thirst for revenge of those who reappear out of that cemetery in which they seemed to have been buried, to face those who gave them as passed off. A resurrection that takes the form of a passionate record, in which the delicate warmth of the blues of the past is relegated to single episodes (See the Day and Bird of Paradise, sung by bassist Truls Mörck), in favor of a burning hard rock. Impetuous music that is conveyed in a linear and immediate form. Peace does not have the flexibility and elasticity of the past (even for the different style of the new drummer - Oskar Bergenheim - compared to that of his predecessor - Axel Sjöberg), but it is a compact album in which basses are pumped with the sensitivity of a stoner band. This does not mean that the creativity of the Swedish band has disappeared, but rather that this dwells now among massive riffs and explodes in beautiful melodies and in the fire of of Joakim Nilsson's vocal chords (Cold Love). After their disbandment in 2016, the extraordinary return to life of Graveyard is the proof that - despite announced finals and continuous mournings - rock has got nine lives like cats and is capable of surprising rebirths.

[R.T.]

Earthless - Black Heaven

Earthless - Black Heaven

(Nuclear Blast, 2018)

Un negozio di dischi che diventa un punto di riferimento per tutti quelli che si sentono fuori contesto e fuori moda. Questo luogo, dove musicisti ed ascoltatori si incontrano e si scambiano idee, è il primo nucleo di quella scena che nell'arco di pochi anni ha reso San Diego la "nuova alba" della rinascita hard psichedelica. I due gestori del negozio (Mario Rubalcaba e Mike Eginton), insieme ad un talentuoso chitarrista (Isaiah Mitchell), mettono in musica la loro passione per un rock improvvisato, fantasioso, esplosivo e privo di limitazioni, sotto il nome Earthless. Dopo aver riportato il rock alla sua essenza grezza e viscerale, attraverso lunghe divagazioni dilatate, sinuose e lisergiche, ispirando un'intera generazione di musicisti della città californiana, gli Earthless tornano sulla Terra con Black Heaven. Le canzoni perdono quel pulviscolo cosmico che rendeva imprevedibili i contorni dei dischi passati, suonando adesso compatte, decise e robuste (meno Guru Guru e più Led Zeppelin). La traiettoria seguita dalla navicella spaziale è più diretta e lineare che in passato, per quanto i raggi cosmici della chitarra e le esplosioni solari della sezione ritmica deformino costantemente il tragitto. Una tappa intermedia al Rancho de la Luna per respirare l'aria del deserto terrestre e fare il pieno di combustibile heavy blues e poi il trio riparte a tutta velocità (e a tutto groove). Ma la cosa che ha cambiato maggiormente il modo di viaggiare del trio è la presenza di un essere umano alla guida dell'astronave. La splendida voce nasale di Isaiah Mitchell è il segreto che gli Earthless nascondevano negli abissi cosmici (e in passato mostravano solo raramente). Riportare questo comandante sul nostro pianeta significa tornare in quel negozio di dischi, ben piantato in un luogo preciso del pianeta Terra, dal quale tutto è cominciato. Un viaggio di ritorno che possiede la forza e l'ispirazione di chi ha intravisto un mondo diverso al largo dei bastioni di Orione, e corre a dirlo agli amici, ancora intenti a decollare.

[R.T.]

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Earthless - Black Heaven

(Nuclear Blast, 2018)

A record store that becomes a point of reference for all those who feel out of context and out of fashion. This place, where musicians and listeners meet and exchange ideas, is the first nucleus of that scene that in a few years made San Diego the "new dawn" of hard psychedelic rebirth. The two store managers (Mario Rubalcaba and Mike Eginton), along with a talented guitarist (Isaiah Mitchell), bring to music their passion for improvised, imaginative, explosive rock with no limitations, under the name Earthless. After bringing rock back to its raw visceral essence, through long dilated, sinuous and lysergic ramblings, inspiring an entire generation of Californian musicians, Earthless return to Earth with Black Heaven. Songs lose that cosmic dust that made the contours of the past records unpredictable, playing now compact and direct (less Guru Guru and more Led Zeppelin). The trajectory followed by the spacecraft is more direct and linear than in the past, although the cosmic rays of the guitar and the solar explosions of the rhythmic section constantly deform the route. An intermediate stop at Rancho de la Luna to breathe the air of the terrestrial desert and fill up with heavy blues and then the trio leaves again at full speed (and all groove). But what really changed the way the trio travels is the presence of a human being driving the spaceship. Isaiah Mitchell's beautiful nasal voice is the secret Earthless hid in the cosmic abysses (and that in the past they only rarely showed). Bringing this captain back to our planet means going back to that record store, in a specific place on planet Earth, from which it all began. A return journey that has the strength and inspiration of those who have glimpsed a different world off the bastions of Orion, and tell it to friends, still intent on taking off.

[R.T.]

Mantar – Ode to the Flame

Mantar – Ode to the Flame

(Nuclear Blast, 2016)

Chitarra e batteria, l’una di fronte l’altra in una sfida all’ultimo sangue. Occhi fissi sull’avversario, come un duello western. Il feedback rumoroso è lo stratagemma che il chitarrista utilizza per far crescere la tensione prima che tutto esploda. L’attesa finisce quando il suo avversario seduto dietro le pelli parte alla carica. In un attimo siamo travolti da una scarica di riff, l’attesa è finita. Ci troviamo nel bel mezzo di una battaglia nella quale verranno versati litri e litri di sudore, molte corde si spezzeranno e bacchette voleranno in aria. Non saranno fatti prigionieri. Un assalto frontale nel quale non manca la spinta propulsiva del groove e quella distruttrice del rumore. E’ nel momento della detonazione che ci accorgiamo che le due armate non sono contrapposte, ma sono alleate tra loro, e il nemico siamo noi. L’assalto nei confronti dell’ascoltatore è diretto come un pugno in faccia. Punk nell’anima, heavy metal nel corpo. Primitivo, bestiale. Come la carica di una cavalleria assetata del sangue dei nemici, con i cavalli ferrati da un certo Lemmy, e con ferri forgiati dai Venom. Anche quando il ritmo rallenta, le mazzate non perdono forza, e sono grondanti di sangue e terra, come se provenissero dalla scena sludge di New Orleans. Tipicamente tedeschi, i due combattenti (Hanno ed Enric) procedono con quell’incedere marziale che è molto più metodico (quasi industrial) di quanto le grezze sfuriate del loro secondo disco farebbero presagire ad un primo impatto. Un heavy metal (al tempo stesso old school e post) cavernicolo e furioso, ma anche divertente. Da affrontare a testa bassa.

[R.T.]

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Mantar – Ode to the Flame

(Nuclear Blast, 2016)

Guitar and drums, face to face in a challenge to the death. Eyes fixed on the rival, like a western duel. Noisy feedback is the trick used by the guitarist to increase tension before everything explodes. The wait ends when his opponent on the drums attacks. In a moment we are overwhelmed by a burst of riffs, the wait is over. We find ourselves in the middle of a battle in which liters and liters of sweat will be poured, many strings will break and drum sticks will fly in the air. No prisoners will be taken. A frontal assault characterized by the propulsive thrust of groove and the destructive force of noise. It is at the moment of detonation that we realize that the two armies are not opposed, yet allied with each other, and we are the enemy. The assault on the listener is direct like a fist in the face. Punk in the soul, heavy metal in the body. Primitive, bestial. Like the attack of a cavalry thirsty for the blood of the enemies, with horses shoed by a certain Lemmy, and with irons forged by Venom. Even when the pace slows, the blows do not lose strength and they are dripping with blood and earth, as if they came from New Orleans sludge scene. Typically Germans, the two fighters (Hanno and Enric) proceed with that martial gait which is much more methodical (almost industrial) than the rough fury of their second record would presage at first listening. Savage and furious (at the same time old school and post) heavy metal, yet also funny. To be faced headlong.

[R.T.]

Paradise Lost - Medusa

Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Pietrificati. Lo sguardo paralizzante di Medusa s'incarna nei riff pesantissimi e opprimenti del quindicesimo album dei Paradise Lost, e ci immobilizza con ritmi rallentati e distorsioni mastodontiche. Uno sguardo magnetico e nichilista che ci pone di fronte alla deprimente realtà di un universo privo di significato. Fedele ai suoi ideali romantici, la band di Halifax lotta per non incrociare lo sguardo della Gorgone (talvolta appoggiandosi ad antiche divinità pagane, altre volte attraverso una strenua tensione verso l'assoluto), ma il tentativo è destinato a fallire (d'altronde, è una band fedele ai suoi ideali doom). Greg Mackintosh e soci mettono in musica questo scontro titanico tra impotenza cosmica e desiderio di liberazione attraverso l'irrazionale con il disco più estremo da loro mai concepito, un ritorno alle origini death/doom metal in cui convivono sfinimento angosciante e potenza travolgente. Da una parte atmosfere sepolcrali, riff schiaccianti, fraseggi malinconici e growl proveniente dall'Aldilà, dall'altra un'impetuosa energia vitale. Dopo la rinascita, avvenuta attraverso The Plague Within (2015), i Paradise Lost chiudono un cerchio, tornando alle atmosfere dei primi anni '90, ma con una forza e un impeto che sono figli del presente.

[R.T.]

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Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Petrified. Medusa's paralyzing gaze becomes flesh in the heavy oppressive riffs of Paradise Lost fifteenth album, and immobilises us with slow rhythms and mastodontic distortions. A magnetic and nihilistic look lettings us face the depressing reality of a meaningless universe. True to his romantic ideals, the band from Halifax struggles not to cross the Gorgon's gaze (sometimes relying on ancient pagan gods, sometimes through a dogged tension towards the absolute), but the attempt is destined to fail (after all, it is a band faithful to its doom ideals). Greg Mackintosh & co put into music this titanic clash between cosmic impotence and desire for deliverance through the irrational with the most extreme album they ever conceived, a return to the death/doom metal origins where distressing exhaustion and overwhelming power coexist. On the one hand, burial atmospheres, overwhelming riffs, melancholy phrasings and growl coming from the afterworls, on the other a immense vital energy. After the rebirth, through The Plague Within (2015), Paradise Lost close a circle, returning to the atmosphere of the early 90s, yet with a strenght and passion that are sons of the present.

[R.T.]

Kadavar – Rough Times

Kadavar – Rough Times

(Nuclear Blast, 2017)

Se si pensa al rock di oggi come al cadavere di quello che fu, questa band tedesca è una delle poche capaci di rimetterlo in piedi e di farlo ballare al ritmo dei primi anni '70. L'incantesimo dei Kadavar in grado di ricomporre la materia musicale in disfacimento e donarle di nuovo vita attraverso canzoni splendide e trascinanti si ripete ancora una volta. Il trio tedesco infonde alla sua creatura musicale un’energia che pochi altri possono vantare in questa epoca di revival dell’hard rock classico. Energia che stavolta si manifesta tanto attraverso la forza fisica (riff possenti, dalle accordature ribassate, ai confini dello stoner) quanto attraverso l’agilità (groove elastico in moto perpetuo) e quella che definirei "forza psichica" (melodie psichedeliche che dilatano e deformano le canzoni). Proprio questa componente "mentale" è il tratto di maggiore personalità di Rough Times, l’aspetto che lo differenzia dai tre album precedenti. La struttura asciutta e scorrevole dei brani è la stessa che aveva reso le canzoni di Berlin degli autentici gioielli. Ma in questo album ci sono anche sviluppi che rifrangono la luce melodica secondo le traiettorie dei Beatles nella seconda parte della loro carriera (non casuale una grezzissima cover di Helter Skelter presente come bonus track). Se per far ballare il cadavere del rock i tre tedeschi si erano inizialmente affidati allo spirito dei Led Zeppelin (che talvolta aleggiava al di sopra dei loro primi due dischi) ormai la personalità dei Kadavar è talmente forte che nuove possessioni spiritiche non fanno che accrescerla.

[R.T.]

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Kadavar – Rough Times

(Nuclear Blast, 2017)

If you think of today's rock as the corpse of what it was, this German band is one of the few that can recover it and make it dance to the rhythm of the early 70s. Kadavar spell, able to recompose the musical material in decomposition and to give it life again through beautiful engaging songs, keeps happening once again. The German trio transmits an energy to its musical creature, which few others in this era of classic hard rock revival can claim. An energy that this time manifests itself through physical force (powerful riffs, lowered tuning, on stoner rock borders) as well as through agility (elastic groove in perpetual motion) and what I could call "psychic force" (psychedelic melodies dilating and deforming songs). Exactly this "mental" component is the most peculiar feature of Rough Times, what differentiates it from the three previous albums. The linear fluid structure of the songs is the same that made Berlin songs real jewels. But in this album there are developments refracting the melodic light according to the trajectories of The Beatles in the second part of their career (the raw mighty cover of Helter Skelter as bonus track is not a mere coincidence). If to make dance the corpse of rock music, in the past the three Germans had been possessed by Led Zeppelin spirit (sometimes floating above their first two records), now Kadavar personality is so strong that any new spirit possessions can only increase it.

[R.T.]

Pallbearer - Heartless

Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

Il rito dell'attesa. Come quando un temporale si sta avvicinando. Nuvole nere che si gonfiano e in un attimo percorrono lo spazio che separa l'orizzonte dalle nostre teste. Odore di umidità nell'aria, vento che soffia improvviso. Elettricità. Questo è Heartless. Non un'impetuosa tempesta come il precedente Foundations of Burden, bensì una malinconica e vagamente inquietante quiete, con il fantasma della bufera sempre più vicino. I riff mastodontici dell’album precedente, che lo avevano reso uno dei migliori dischi metal degli ultimi anni, sono qui frammentati, dilatati e rielaborati lungo sentieri melodici più prossimi al metal progressivo che al doom del passato. I fraseggi e gli intrecci delle due chitarre (da sempre marchio di fabbrica della band dell’Arkansas) sono stavolta la vera e propria architettura portante sulla quale sono costruite le sette - imponenti - canzoni, e sulla quale si arrampica, da protagonista, la voce di Brett Campbell, verso tonalità sempre più alte e melodie sempre più epiche e grandiose. L’attesa spasmodica che ha anticipato la terza pubblicazione della band troverà sfogo, per i vecchi fans, in un disco basato proprio sul senso di attesa, e che preferisce scorrere tra atmosfere avvolgenti (l’intro onirico di Dancing in Madness) anziché deflagrare in mazzate di grande impatto e potenza? Per un ambiente underground che in tempi recenti si è raramente esaltato tanto quanto all’ascolto dei primi due dischi della band, non sarà facile sentirsi ricompensato da questa trasformazione, che ha portato al completo abbandono del retrogusto post metal in favore di una sensibilità melodica affine a quella dei Queensrÿche di fine anni '80. Attesa e assenza di frenesia: questo è ciò di cui necessita un disco monumentale come Heartless per essere assorbito. La maturità delle melodie di I Saw the End, Thorns ed Heartless sono la migliore dimostrazione della titanica personalità dei Pallbearer, una band estranea ai generi predeterminati, che si conferma come una delle più capaci nel coniugare classico e moderno.

[R.T.]

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Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

The ritual of waiting. Like when a thunderstorm is approaching. Black clouds swelling, travelling in a moment the space between the horizon and our heads. Smell of moisture in the air, wind suddenly blowing. Electricity. This is Heartless. Not a violent storm like the previous Foundations of Burden, yet a gloomy and vaguely disturbing quiet, with the ghost of the squall costantly nearer. The mastodontic riffs of the previous album, which had made it one of the best metal records in recent years, are fragmented here, dilated and reworked along melodic tracks closer to progressive metal than to the doom of the past. The phrasings and interweavings of the two guitars (always a trademark of the band from Arkansas) are the real load-bearing architecture on which the seven - imposing - songs are built and on which Brett Campbell voice climbs towards ever higher tones and increasingly epic and impressive melodies. The fevering waiting that has anticipated the third release of the band will find vent for old fans in this album based on the sense of wait and preferring to flow among enveloping atmospheres (the dreamlike introduction of Dancing in Madness) rather than deflagrate in blows of great impact and power? For an underground environment that recently has rarely been exalted as much as listening to the first two records of the band, it will not be easy to feel rewarded by this transformation, which has led to the complete abandonment of post metal aftertaste in favour of a melodic sensitivity alike that one of Queensrÿche in the late 80s. Wait and absence of frenzy: this is what a monumental album like Heartless needs to be absorbed. The maturity of the melodies of I Saw the End, Thorns and Heartless are the best demonstration of the titanic personality of Pallbearer, a band out of the predetermined genres, which is confirmed as one of the most capable in combining classic and modern.

[R.T.]

Blues Pills - Lady in Gold

Blues Pills - Lady in Gold

(Nuclear Blast, 2016)

Mai come negli ultimi anni il ruolo della donna era stato così centrale nel mondo del rock. Spodestati i colleghi maschi dal centro del palcoscenico, sono diventate principali attrici della rinascita del rock "classico" attualmente in atto. Una delle regine più carismatiche di questa nuova ondata è la svedese Elin Larsson, la cui caldissima voce guida la musica dei Blues Pills. Lady in Gold (secondo album della band) si sviluppa lungo le sinuose melodie delle corde vocali della Larsson, le quali possiedono la potenza e la profondità generalmente associate ad una cantante nera afroamericana, anziché ad una bionda svedese. Se a questa evidente componente soul - perfettamente inserita nella matrice blues/hard rock della band - si aggiunge la sensibilità luminosa e piena di energia vitale della Larsson, si comprende subito quanto i Blues Pills si distacchino dalla schiera di band retro rock guidate dal gentil sesso, spesso legate al lato umbratile e misterioso dell'hard rock settantiano e poco inclini a giocare con i chiaroscuri. Proprio l'ambigua miscela di luce e tenebra, invece, rende Lady in Gold un disco incredibilmente affascinante. Nostra signora della luce, al potere!

[R.T.]

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Blues Pills - Lady in Gold

(Nuclear Blast, 2016)

Never as in recent years the role of women had been so central in the rock world. Dethroned the male colleagues from the center of the stage, they have become the main actresses of the rebirth of "classic" rock currently underway. One of the most charismatic queens of this new wave is the Swedish Elin Larsson, whose voice guides the music of the Blues Pills. Lady in Gold (second album of the band) develops along the sinuous melodies of Larsson vocal chords, which have the power and depth usually associated with an African American black singer rather than to a Swedish blonde. Add Larsson bright sensitivity and vital energy to this evident soul music component - perfectly inserted in the blues/hard rock matrix of the band - and it will be immediately clear how much Blues Pills detach from the swarm of retro rock band captained by women, too often linked to the shadowy and mysterious side of seventies hard rock and little inclined to play with light and shade. Precisely the ambiguous mixture of light and darkness, indeed, makes Lady in Gold an incredibly fascinating album. Our Lady of light, rise to power!

[R.T.]

Kadavar - Berlin

Kadavar – Berlin 

(Nuclear Blast, 2015)

Il power trio, com’è implicito nella sua definizione, è sinonimo di potenza. Il power trio berlinese dei Kadavar non fa eccezione. E Berlin – loro terzo full lenght – è la quintessenza della potenza e del tiro. Rock’n’roll allo stato puro, le 11 canzoni che compongono l’album hanno radici ben salde negli anni 70, ma hanno tratto linfa anche delle sonorità più immediate degli anni ’80 e della pesantezza stoner dei ’90. Ma Berlin è tutto fuorché un album derivativo! Partendo dalla fuzzosa Lord of the Sky, passando per alcune groovosissime canzoni - come Last Living Dinosaur e Stolen Dream – e alcune perle blueseggianti – Pale Blue Eyes e The Old Man – per culminare infine con la quasi maideniana Into the Night, l’ultima fatica del trio teutonico è un album che vibra di una sua spiccata personalità e che non suona assolutamente come un revival di sonorità catchy e di filoni di larga fortuna. Il loro hard rock si nutre della sabbia del deserto, si lancia a tutta velocità sull’asfalto di grandi e solitarie strade americane, si bagna con fiumi di birra e strizza l’occhio ad avvenenti ragazze: c’è un grande senso di vitalità e voglia di divertirsi. Christoph “Lupus” Lindemann – chitarra e voce - e Christoph “Tiger” Bartelt – batteria – hanno trovato nel nuovo bassista Simon "Dragon" Bouteloup il tassello che era venuto meno con la dipartita di Philipp "Mammut" Lippitz nel 2010: un basso che è al tempo stesso quasi una seconda chitarra e un contraltare ritmico di tutto rispetto. Reich der Träume di Nico come bonus track è scelta ricercata e azzeccata per chiudere in modo oscuro e psichedeleggiante un album che ha lasciato davvero poco spazio a queste atmosfere occulte, essendo tutto improntato all’immediatezza ed energia sprigionata dalla formula magica di un power trio berlinese che sembra uscito fuori dalla California.

[E.R.]

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Kadavar – Berlin 

(Nuclear Blast, 2015)

Power trio – as implicit in its definition – is synonymous of energy and strenght. Berlin power trio Kadavar is no exception. And Berlin – their third full length – is the quintessence of power and groove. Pure rock’n’roll, the 11 tracks of the album have got deep roots in the 70s, and at the same time they drew the sap out of the more easy-listening sound of the 80s and the stoner heaviness of the 90s. Yet Berlin is no derivative album at all! Starting with the fuzzy Lord of the Sky, going through some super-groovy songs - Last Living Dinosaur and Stolen Dream – and some bluesy pearls – Pale Blue Eyes and The Old Man – to culminate with the almost maidenish Into the Night, the latest work of the Teutonic trio is an album with a distinct personality and it does not sound as a revival of catchy sounds and highly successful trends. Their hard rock feeds on desert sand, it launches itself at full speed on the asphalt of long, solitary American roads, it bathes in rivers of beer and it winks to beautiful girls: there is a great vitality and desire to have fun. Christoph “Lupus” Lindemann – guitar and voice - e Christoph “Tiger” Bartelt – drums – found in their new bassist Simon "Dragon" Bouteloup the piece they lost when Philipp "Mammut" Lippitz bailed out in 2010: a bass which is at the same time almost a second guitar and a remarkable rhythmic counterpart. Nico’s Reich der Träume as a bonus track is the right, sophisticated choice to close in a dark, psychedelic way an album that leaves really little space to these occult atmospheres, being all focused on the immediacy and energy unleashed by the magic formula of a berlin power trio which seems to come out of California.

[E.R.]