Zeal & Ardor – Stranger Fruit

Zeal & Ardor – Stranger Fruit

(Mvka, Radicalis, 2018)

“Se facessi questo tipo di musica e non pensassi affatto all’attualità, questo sarebbe una forma di viltà, nonché qualcosa di sbagliato”. Manuel Gagneux esplicita a parole ciò che nella sua musica è invece velato. La convivenza di stili che rende gli Zeal & Ardor così personali è una dichiarazione di appartenenza politica - e non solo una provocazione storica. Dalla pubblicazione del disco d’esordio (Devil is Fine, aprile 2016) ad oggi, la scena politica occidentale si è sempre più chiusa dietro ad ideologie nazionaliste, spesso esplicitamente razziste e xenofobe. La provocazione ideata da Gagneux (fondere il bianchissimo black metal scandinavo con il nerissimo spiritual degli schiavi d’America, con un accenno di elettronica e neofolk a fare da collante) non basta più. Serve un pensiero maturo in cui la coesistenza dia vita ad una nuova possibile società. Stranger Fruit, il cui titolo richiama una vecchia canzone di protesta di Billie Holiday, è proprio questo. Meno destabilizzante e sorprendente del predecessore, ma più solido e coeso, essendo riuscito ad amalgamare alla perfezione tutte le minoranze ribelli e resistenti che lo compongono, senza per questo snaturarle. Sprazzi di vecchio blues sghembo e polveroso, uniti a qualche pennellata ambient, disegnano nuovi luoghi in cui la convivenza delle differenze è effettivamente possibile, in una terra che supera le contraddizioni tra gelo scandinavo e sudore degli USA del Sud.

[R.T.]

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Zeal & Ardor – Stranger Fruit

(Mvka, Radicalis, 2018)

“If I were making the music I make and not even thinking about current times, that would just be kind of cowardice, and kind of wrong”. Manuel Gagneux makes explicit in words what in his music is veiled. The coexistence of styles that makes Zeal & Ardor so personal is a declaration of political affiliation - and not just a historical provocation. Since the release of the debut album (Devil is Fine, April 2016) to date, the Western political scene has been increasingly closing behind nationalist ideologies, often explicitly racist and xenophobic. The provocation created by Gagneux (melting the white Scandinavian black metal with the black spiritual of the USA slaves, with a hint of electronics and neofolk as a glue) is no longer enough. It is necessary to have a mature thought in which coexistence gives life to a new possible society. Stranger Fruit, whose title recalls an old Billie Holiday protest song, is just that. Less destabilizing and surprising than its predecessor, yet more solid and cohesive, having managed to perfectly blend together all the rebel and resistant minorities that compose it, without distorting them. Flashes of old crooked dusty blues, combined with some ambient brushstrokes, draw new places where the coexistence of differences is actually possible, in a land that overcomes the contradictions between Scandinavian frost and southern USA sweat.

[R.T.]

['selvǝ] - DOMA

['selvǝ] - DOMA

(2018, Overdrive Records, Shove Records)

Due soli brani per il terzo lavoro dei lodigiani ['selvǝ]. Se possibile ancora più intimo ed introspettivo dei precedenti due album, DOMA parte con un intro onirico, sospeso, per poi sfociare in un muro di suono distorto e stridente, scream vocals e furia cieca. Melodie (s)torte ed estremamente dirette al tempo stesso. Su di una batteria tipicamente black-metal, satura fino al punto di non ritorno, chitarra e basso costruiscono melodie dal sapore più post hardcore, a tratti blackgaze. Vi è un perfetto equilibrio fra oscurità e luce: si è accecati da entrambe, e si riesce a vedere solo attraverso i momenti di crepuscolo. Rispetto al precedente eléo, però, la sensazione è che l'ago della bilancia si stia spostando verso il mondo dell'ombra - anche se il finale del secondo brano (joy) sembra poi portare ad una nuova schiarita, ad una pausa di serenità.  In DOMA le composizioni si espandono quanto alla durata, ma si asciugano quanto alla forma e agli arrangiamenti. Si tende ad un'essenzialità carica di emotività. Per sottrazione, si accresce la forza espressiva di una band che già attraverso i precedenti lavori (e dal vivo) aveva fatto di questa caratteristica uno dei suoi tratti distintivi, nonché uno dei suoi punti di forza. Giunti alla terza tappa del loro percorso i ['selvǝ] sembrano avere ben chiaro il percorso che stanno seguendo, e la loro bussola sembra indirizzarli sempre più verso la loro mèta.

[E.R.]

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['selvǝ] - DOMA

(2018, Overdrive Records, Shove Records)

Only two tracks for the third work by ['selvǝ], from Lodi. If possible even more intimate and introspective than the previous two albums, DOMA starts with an oneiric suspended intro, to then flow into a distorted and strident wall of sound, scream vocals and blind fury. Crooked melodies, yet extremely direct at the same time. On typically black-metal drums, saturated to the point of no return, guitar and bass build melodies with a more post-hardcore, at times blackgaze, flavour. There is a perfect balance between darkness and light: you are blinded by both, and you can only see through the twilight moments. Compared to the previous eléo, however, you got the feeling of a shift towards shadow - even if the ending of the second song (joy) seems to lead to a new brightening up, to a pause of serenity. In DOMA compositions expand with regard to duration, but they dry out with regard to form and arrangements. There is a tendency towards an essentiality full of emotionality. By subtraction, it is increased the expressive strength of a band which - already through the previous works (and concerts) - made this characteristic one of its distinguishing features, as well as one of its strengths. Arrived at the third stop-over of their journey, ['selvǝ] seem to have a clear idea of the path they are following, and their compass seems to direct them more and more towards their destination.

[E.R.]

Sólstafir + Myrkur + Árstíðir – 01.12.2017 – Locomotiv Club (Bologna)

 

Sólstafir + Myrkur + Árstíðir – 01.12.2017 – Locomotiv (Bologna)

Il primo giorno del mese che porta al Natale ricevo forse il mio più bel regalo.

In apertura Árstíðir. Il trio islandese, essenzialmente acustico (tastiera/synth e due chitarre), è una vera e propria rivelazione. Quasi in punta di piedi, mi ritrovo nel mezzo di una foresta senza alberi, guidata da tre voci suggestive, che con i loro intrecci e metamorfosi mi accompagnano in un mondo lontano nello spazio e nel tempo. Spicca su tutti Ragnar Ólafsson: vero e proprio pianista classico, dotato di una voce di multiforme bellezza e potenza. Il loro mix di post rock e folk nordico è l'introduzione intima – e perfetta – per una serata che svelerà infine quanto calore si annida sotto queste vaste lande ghiacciate.

È poi il turno di Myrkur. Più elfo che strega, la cantante danese mi colpisce subito per la voce cristallina e da usignolo. Quasi accantonato il black metal atmosferico degli esordi, il set di stasera è incentrato sulle atmosfere nordic folk. Accompagnata da una band solida e compatta, prettamente metal, Myrkur incanta con la nitidezza della sua voce. Pochi i momenti in cui si lascia andare ad uno screaming graffiante e lancinante, in cui però colpisce per la sua naturalezza e versatilità. Grande prova live, che smentisce quei detrattori che parlavano di fenomeno commerciale costruito a tavolino.

Infine Sólstafir. Difficilmente imbrigliabile in un genere rigido e predefinito, la band di Reykjavík, originariamente black metal, spazia oggi su territori ampi e assolutamente personali, che travalicano i confini della loro desertica terra (di cui pure si nutrono) approdando sulle vaste praterie del continente americano. E il concerto di stasera è perfetta espressione di questo universo musicale. In un crescendo di intensità espressiva, il set dei Sólstafir si distingue non solo per capacità tecniche e compositive, ma anche per il denso flusso di suggestioni e sensazioni riversato sull’ascoltatore. Dal palco, la band dialoga costantemente con il suo pubblico. Ed in questo continuo scambio, Aðalbjörn Tryggvason spicca per le sue doti comunicative e di coinvolgimento. Sorta di Nick Cave dell’estremo nord, il leader della band islandese cattura non solo con la sua peculiare voce (squarciante, stridente e piena), ma anche con le sue parole, la sua gestualità, il suo scendere in mezzo al pubblico andando veramente e fisicamente incontro ad esso. Davvero emozionante. A pieno titolo nella mia personale classifica dei migliori concerti di quest'anno.

[E.R.]

 

 

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Sólstafir + Myrkur + Árstíðir – 12.01.2017 – Locomotiv Club (Bologna)

On the first day of the month leading up to Christmas, perhaps I receive my best present.

Árstíðir first of all. Essentially acoustic (keyboard/synth and two guitars), the Icelandic trio is a real revelation. Almost on tiptoe, I find myself in the middle of a forest without trees, guided by three suggestive voices, bringing me in a world far away in space and time through their interweavings and metamorphosis. Ragnar Ólafsson stands out above all: a true classical pianist with a voice of multifaceted beauty and power. Their mix of post rock and Nordic folk is the intimate - and perfect - introduction for an evening that will finally reveal how much heat nestles beneath these vast frozen lands.

Then Myrkur. More elf than witch, the Danish singer strikes me immediately for the crystalline nightingale voice. Almost set aside the atmospheric black metal of the beginnings, tonight's set focuses on Nordic folk atmospheres. Accompanied by a solid compact purely metal band, Myrkur enchants with the clarity of her voice. A few moments when she let herself go to a scathing excruciating screaming, in which however she is impressive for her naturalness and versatility. Great live show, which denies those detractors who were talking about a commercial phenomenon built around a table.

Finally Sólstafir. Hardly to be bridled in a rigid predefined genre, the band from Reykjavík, originally black metal, spans today on vast and absolutely personal territories, that go beyond the confines of their desert land (which whilst they feed on) landing on the vast prairies of the American continent. And tonight's concert is the perfect expression of this musical universe. In a crescendo of expressive intensity, Sólstafir set stands out not only for technical and compositional skills, but also for the dense stream of suggestions and sensations poured on the listener. From the stage, the band constantly talks with its audience. And in this continuous exchange, Aðalbjörn Tryggvason stands out for its communication and involvement skills. Sort of Nick Cave of the far north, the leader of Icelandic band captures not only with his distinctive voice (lacerating, strident and full), but also with his words, his gestures, his descent into the audience going truly and physically towards it. Really exciting. With full rights in my personal chart of 2017 best concerts.

[E.R.]

 

  

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

 

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

05.08.2017 - Giavera del Montello (TV)

La seconda giornata di festival si preannuncia decisamente più intensa della prima, con inizio previsto per le ore 18:00. Nell’estate più calda a memoria d’uomo, l’unica salvezza è l’ombra offerta dagli stand delle distro e dalla birra fresca.

Il primo gruppo, i Die Abete, lo ascolto infatti all’ombra di uno stand. Baciati dal Sole cocente, il gruppo con due batterie (una delle quali suonata solo in certi brani), si lancia in uno screamo/post hardcore bruciante e passionale, preferendo addentrarsi sul versante delle ritmiche spezzate e delle dissonanze noise piuttosto che sul versante emotivo. Non manca la visceralità e il sudore (non solo per la temperatura da altoforno) nella musica di questa band ternana. La cover di “Ragazzo di strada” in salsa post hardcore è una sorpresa davvero divertente e perfettamente a suo agio nel contesto punk del loro concerto. Da approfondire!

Sul main stage, all’ombra dei pochi alberi rimasti in piedi dopo la tempesta dello scorso anno, è il turno dei bergamaschi Hungry Like Rakovitz. Il loro è un assalto brutale e devastante. Un tritacarne inferocito in cui vengono mischiate le sfuriate dell’hardcore e quelle del metal estremo. Suoni possenti e carichi di bassi rimbombanti (testata Sunn) trasformano anche i passaggi più tendenti al black metal in una specie di sludge velocissimo. Il cantante scende in mezzo al pubblico a condividere la sua furia, mentre sul palco gli altri musicisti creano una personale visione dell’Apocalisse.

Il Sole continua ad abbattersi infernale nella zona del palco piccolo, dove salgono i ['selvǝ]. La band lombarda cerca di trasportarci nelle selve autunnali con un post black metal emotivo e coinvolgente, sempre estremamente serrato (evidente la componente post hardcore) e mai esageratamente melodico. Dopo aver settato i suoni della batteria (inizialmente un po’ soffocati dal muro di distorsione generato dalla chitarra) la musica inizia a decollare e vengo letteralmente rapito da questa band, al tempo stesso grandiosa e introspettiva.

Dopo la classica cena vegana mi piazzo nelle prime file, davanti al palco piccolo, per il concerto dei Cough. Il Sole inizia a tramontare, e la band americana (dopo aver recuperato l’assurdo tastierista che era andato a far scorta di birre) lo fa inabissare sotto l’orizzonte con una colata lavica di doom cosmico a dir poco spaventosa. Rimango stupito dai suoni mastodontici. Definirli immensi è riduttivo, da tanto riescono a riempire l’aria delle colline venete con un range di frequenze equilibratissimo, che gonfia lo stomaco e rizza i capelli. Mi perdo dentro le ritmiche iper-rallentate, pesantissime ed ipnotiche, oltre che dentro ai droni di tastiera fusi con quelli di chitarra e basso, e alla fine rimango invischiato nel fango maleodorante prodotto dalla band. Riff dopo riff, feedback dopo feedback, arriva la notte e la band finisce il concerto al buio, senza un riflettore. Strepitosi! Su disco non rendono l’idea delle loro potenzialità (e della loro potenza!). Provare per credere!

Sull’altro palco iniziano a ruota i Crowbar. Barbe lunghe, panzone sudate, riff massicci e atmosfere alcoliche. Il gruppo di Kirk Windstein è un camion con rimorchio che avanza inesorabile, lasciando dietro di sé puzza di diesel. Il pilota ha una voce sporca e potente, tenuta sempre al massimo dei giri. Kirk libera le corde vocali con continui scatarri, e riparte ogni volta verso nuove canzoni, sempre in puro e genuino stile sludge metal made in New Orleans. Musica grossa e grassa, valorizzata da suoni possenti ma al tempo stesso caldi (decisamente più rotondi e meno compressi di quando li vidi al Desertfest londinese). Per me questo è il gran finale di serata. Headbanging e birra, what else?!

[R.T.]

 

 

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Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

08.05.2017 - Giavera del Montello (TV)

The second day of the festival promises to be much more intense than the first, with beginning scheduled for 6 p.m.. In the hottest summer in memory of man, the only salvation is the shade offered by distro booths and cool beer.

Indeed I listen to the first band, Die Abete, in the shade of a stand. Kissed by the burning Sun, the band with two drums (one of which is played only in certain songs) launches itself into a passionate screamo/post hardcore, focusing on broken rhythms and noise dissonances rather than on its emotional side. There is no lack of viscerality and sweat (not just for blast furnace temperature) in the music of this band from Terni. The cover of “Ragazzo di strada” in post-hardcore style is a really funny and perfectly comfortable surprise in the punk context of their concert. To delve deeper!

On main stage, in the shadow of the few trees survived to the storm of last year, is the time for Hungry Like Rakovitz, from Bergamo. Their one is a brutal and devastating assault. An enraged mincer in which hardcore and extreme metal are mixed together. Powerful sounds - full of thundering bassess (Sunn head) - transform also those more black metal passages in a sort of ultra-speedy sludge. The singer down among the audience to share his fury, while on stage the rest of the band create a personal vision of the Apocalypse.

The Sun continues to make red-hot the small stage area, where ['selvǝ] are ready to play. The Lombard band wants to carry us in the autumn woods with its emotional and engaging post black metal, always extremely tight (outstanding the hardcore component) and never exaggeratedly melodic. Once the drum sounds are set (initially someway suffocated by the distortion wall of the guitar), music starts to take off and I feel literally enraptured by this band, both majestic and introspective.

After the classic vegan dinner I place myself in the first rows in front of the small stage, for Cough concert. The Sun begins to set, and the American band (after retrieving their keyboard player who had gone out to get beer) makes it fall into the horizon with a terrific lavish flow of cosmic doom. I am astonished by their mastodontic sounds. Defining them immense is reductive, considering how they can fill the air of the Montello hills with a balanced range of frequencies, swelling your stomach and rising up your hair. I lose myself in the hyper-slowed, extremely heavy and hypnotic rhythms, as well as inside the drones of keyboard fused with those of guitar and bass, and in the end I remain entangled in the smelly mud produced by the band. Riff after riff, feedback after feedback, the night arrives and the band ends the concert in the dark without a reflector. Amazing! On album they do not show the real value of their potential (and their power!). Seeing is believing!

On the other stage is already time for Crowbar. Long beards, sweaty potbellies, massive riffs and alcoholic atmospheres. Kirk Windstein band is a trailer truck inexorably advancing, leaving behind a stench of diesel. The pilot has a dirty and powerful voice, always at full speed. Kirk frees his vocal chords continuously spitting out, and he restarts each time singing new songs, always in pure and genuine sludge metal style made in New Orleans. Big fat music, enhanced by powerful warm sounds (much richer and less compressed than when I saw them at Desertfest London). For me this is the grand finale of the evening. Headbanging and beer, what else?!

[R.T.]

 

 

 

Oathbreaker – Rheia

Oathbreaker – Rheia

(Deathwish, 2016)

Prima seduta di un ciclo di psicoanalisi. Chiudi gli occhi, rilassa i muscoli e inizia a liberare il respiro, troppo a lungo trattenuto. Onde sonore di chitarra fanno avanti e indietro sulla riva, mentre una voce fragile, vulnerabile e nevrotica lascia profondi segni sulla sabbia (10:56). Presto ogni barriera scompare, e la tempesta emotiva esplode, dritta in faccia. Sfuriate post hardcore violentissime, tanto serrate da sfiorare i lidi post black metal esplorati dai Deafheaven. La seconda seduta di terapia (Second Son of R.) termina con un attacco di isteria tanto intenso da far venire i brividi. Sputare fuori tutti sé stessi fino a consumare le corde vocali. Già a questo punto siamo rapiti dall’espressività di Caro Tanghe, la cui voce - a metà strada tra Chelsea Wolfe e Julie Christmas - è sottoposta a continue metamorfosi. Una schizofrenia spaventosamente umana, e per questo toccante. Le profondità più recondite vengono esposte e bruciano come carne viva che si apre un varco da una ferita aperta. Questa è Needles in Your Skin. Epica e commovente. Immortals, con le sue armonizzazioni vocali dissonanti, mostra le diverse personalità della band (in equilibrio precario tra scatti d’ira e attimi di contemplazione introspettiva) che cercano di mettersi in fase, riuscendoci alla perfezione. Tornando sulla solitaria spiaggia iniziale (Begeerte), la giovane band belga porta a termine un percorso terapeutico che attraversa attimi di furia cieca, malinconiche melodie post rock e nebbiose atmosfere shoegaze. Di un'intensità disarmante, Rheia si dimostra un viaggio interiore doloroso, ma indispensabile.

[R.T.]

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Oathbreaker – Rheia

(Deathwish, 2016)

First session of a cycle of psychoanalysis. Close your eyes, relax your muscles and begin to release your breath, too long held. Guitar sonic waves go back and forth on the shore, while a fragile, vulnerable, neurotic voice leaves deep marks on the sand (10:56). Soon every barrier disappears, and the emotional storm explodes, right into the face. Ultra-violent post hardcore outbursts, almost close to post black metal shores explored by Deafheaven. The second session of therapy (Second Son of R.) ends with a hysterical attack so intense that makes you shudder. Spit out all yourself up to consume your vocal cords. Already at this point we are enraptured by Caro Tanghe's expressivity, whose voice - halfway between Chelsea Wolfe and Julie Christmas - is subjected to continuous metamorphosis. A frighteningly human schizophrenia, extremely touching. The more obscure depths are exposed and burn as a living flesh opening a gap from an open wound. This is Needles in Your Skin. Epic and moving. With its dissonant vocal harmonies, Immortals shows the different personalities of the band (which is skating on thin ice between anger and introspective contemplation) trying to be in phase, perfectly succeeding in this effort. Going back to the lonely beach of the opening (Begeerte), the young Belgian band completes a therapeutic journey through moments of blind fury, melancholic post rock melodies and misty shoegaze atmospheres. With its disarming intensity, Rheia is a painful, yet indispensable, inner journey.

[R.T.]

Zeal & Ardor – Devil is Fine

Zeal & Ardor – Devil is Fine

(Reflections Records, 2016)

C’è una strada lunghissima e sconnessa che attraversa i campi di cotone americani del 1800 e giunge fino a noi nel nuovo millennio. Una strada che gran parte della musica popolare odierna ha, in qualche modo, percorso. Manuel Gagneux unisce la partenza (gli intrecci vocali degli spiritual e del gospel) e alcuni dei tanti arrivi possibili (il black metal delle foreste norvegesi, i suoni sintetici dell’elettronica metropolitana, il neofolk notturno) seguendo traiettorie personali, inaspettatamente coinvolgenti nonostante l’apparente incoerenza del percorso. La matrice religiosa degli spiritual si trasforma in invocazioni del demonio, surreale provocazione alla loro stessa natura (dato che la loro ispirazione iniziale, la religione cristiana, era imposta dagli schiavisti), che però ne evidenzia la profonda essenza di musica legata al desiderio di riscatto attraverso la socializzazione. Un’essenza che si dimostra ancora attuale, soprattutto in una musica realmente alternativa come quella di Zeal & Ardor. Una musica in cui convivono e collaborano etnie diverse, in un modo concettualmente affine a quanto fatto dagli Algiers (che fondono “comunità diverse” - come post punk e gospel - per dare vita ad una nuova, moderna, “società”). Zeal & Ardor è un esperimento di integrazione perfettamente riuscito, come dimostra la fluidità della meravigliosa Come on Down (la voce nera di Gagneux diventa una cosa sola con le gelide sfuriate di chitarra nordeuropee e con le malinconiche note di piano britanniche). Non ci resta che estrapolare la lezione e applicare questo esperimento alla società in cui viviamo.

[R.T.]

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Zeal & Ardor – Devil is Fine

(Reflections Records, 2016)

There is a really long and bumpy road crossing 19th Century American cotton fields and reaching us in the new millennium. A road traveled by a great part of today popular music. Manuel Gagneux unites the start point (the vocals of spirituals and gospels) and some of the many possible arrivals (Norwegian black metal, synthetic sounds of metropolitan electronics, nocturnal neofolk), following personal trajectories - unexpectedly engaging in spite of the apparent inconsistency of the path. The religious matrix of spirituals becomes invocation of the devil, surreal provocation to their very own nature (since their initial inspiration, the Christian religion, was imposed by slaveholders), but it highlights its deep essence of music with a desire of redemption through socialization. An essence that is still current and alive, especially in a really alternative music like that of Zeal & Ardor. A music in which different ethnicities coexist and collaborate, in a way conceptually similar to Algiers one (band blending "different communities" - like post punk and gospel - to create a new, modern, "society"). Zeal & Ardor is a perfectly successful experiment of integration, as shown by the fluidity of the wonderful Come On Down (Gagneux black voice becomes one only thing with the Northern European freezing outbursts of guitar and with the British melancholy of piano notes). We just have to extrapolate the lesson and apply this experiment to the society in which we live.

[R.T.]