Paradise Lost – Obsidian

Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)

Ogni città ha una locanda sicura, aperta fino a notte fonda. Un rifugio sul quale possiamo contare nelle nottate in cui fuori infuria la tempesta. I Paradise Lost sono quel luogo, nell’universo dell’heavy metal. Quando all’esterno è rimasto silenzio e desolazione, e non riconosciamo più nostri simili, la band inglese ci mostra l’entrata attraverso un arpeggio dal sapore antico. In un attimo siamo in un altro mondo, in un’altra epoca. Una taverna di Winterfell, nell'estremo nord di Westeros. Al suo interno non la stanca rassegnazione di un luogo corroso dall’abitudine, bensì il calore appassionato di un covo di partigiani che progettano battaglie. Qui troviamo facce conosciute, vecchi amici che non si vogliono arrendere, e che mostrano un’energia inesauribile, frutto di una riuscita alchimia. Così, mentre una pandemia congela il mondo della musica, non solo  annichilendo i concerti, ma inibendo anche la pubblicazione dei dischi (che in questa epoca digitale non portano nessun guadagno alle band se non sono accompagnati da un tour), i Paradise Lost vanno controtendenza senza paura e pubblicano uno dei loro dischi migliori. Proseguendo il percorso intrapreso con i due - straordinari - predecessori, la band inglese infonde energia ad uno stile musicale decadente e rassegnato per definizione, mostrando ancora una volta nuove strade. Unendo romanticismo darkwave e potenza heavy metal, grazie anche al presioso contributo del giovane batterista Waltteri Väyrynen, i Paradise Lost compongono il loro disco più epico e grandioso, senza mai perdere il focus introspettivo che li ha sempre caratterizzati. La luce della locanda è accesa, in mezzo alla tormenta. Sta a noi entrare e unirsi alla resistenza.

[R.T.]

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Paradise Lost – Obsidian

(Nuclear Blast, 2020)  

Each town has a safe inn, open til late at the night. A shelter we can count on in those nights when  outside the storm is raging. Paradise Lost is that place, in the universe of heavy metal. When outside there are only silence and desolation, and we no longer recognize our fellowmen, the English band shows us the entrance through an arpeggio with an ancient flavour. In a moment we are in another world, in another era. A tavern in Winterfell, in the far north of Westeros. Inside it there isn't the tired resignation of a place corroded by habit, yet the passionate warmth of a hideout of partisans planning battles. Here we find familiar faces, old friends who do not want to give up, and who show inexhaustible energy, result of successful alchemy. So, while a pandemic freezes the world of music, not only annihilating concerts, but also inhibiting the release of records (which, in this digital age, do not bring any profit to the bands if they don't go on tour), Paradise Lost go fearlessly against this trend and release one of their best records. Combining darkwave romanticism and heavy metal power, thanks also to the precious contribution of the young drummer Waltteri Väyrynen, Paradise Lost compose their most epic and grandiose album, without ever losing the introspective focus that has always characterized them. The inn's light is on, amidst the blizzard. It is up to us to come in and join the resistance.

[R.T.]

Candlemass – The Door to Doom

Candlemass – The Door to Doom

(Napalm Records, 2019)

Gli indizi che fanno presagire un epico fallimento ci sono tutti. The Door to Doom si preannuncia autoreferenziale e nostalgico a partire dalla copertina, riciclata dal loro disco più famoso. Il ritorno di Johan Langquist, che di quel disco fu la voce nel 1986 e oggi è nuovamente al microfono del combo svedese dopo anni di completa assenza dall’ambiente musicale, ne è un indizio ancora più evidente. Inserisco il disco nello stereo con i brividi (di paura) sulla schiena e, in un attimo, di fronte ad un intreccio di chitarra maestoso, iniziano a crollare i miei pregiudizi. Quando poi la voce di Langquist si arrampica sui riff possenti come le colonne di un vecchia chiesa, i brividi che ho sulla schiena sono quelli dell’emozione. Il cantante è in formissima e la sua voce - pulita ma al tempo stesso muscolosa - non ha problemi ad inserirsi in una struttura musicale grandiosa e affascinante, eretta da veterani dell’architettura metal. Nelle ampie navate costruite dai Candlemass nel corso di tanti anni di carriera continuano a risuonare echi del passato, ma il destino al quale conduce la nuova porta spalancata, è tutt’altro che già scritto. La benedizione di Tony Iommi - che partecipa ad un brano del disco - sancisce l’epico ritorno dei Candlemass, spazzando via ogni pregiudizio di fallimento.

[R.T.]

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Candlemass – The Door to Doom

(Napalm Records, 2019)

There are all the signs that predict an epic failure. The Door to Doom promises to be self-referential and nostalgic starting from the cover, recycled from their most famous album. The return of Johan Langquist, who was the voice of that album in 1986 and today is again on the microphone of the Swedish combo after years of complete absence from the musical scene, is an even more evident hint. I insert the album into the stereo with the chills (of fear) on my back and, in a moment, in front of a majestic guitar interweaving, my prejudices begin to collapse. Then, when Langquist's voice climbs up on riffs as mighty as the columns of an old church, the chills on my back are those of emotion. The singer is really formidable and his voice - clean but at the same time muscular - has no problem at all in entering the grand and fascinating musical structure erected by veterans of metal architecture. In the wide aisles built by Candlemass over the course of many years of career, echoes of the past continue to resound, but the destiny to which the new wide-open door leads is far from being written. Tony Iommi's blessing - special guest of one of the songs of the album - marks the epic return of Candlemass, wiping out any bias of failure.

[R.T.]

High Reeper + Rancho Bizzarro + Greenkalma – 19.04.2019 – Fuzz n' Roll Fest - Scuola di musica Ritmi (Cecina, LI)

High Reeper + Rancho Bizzarro + Greenkalma – 19.04.2019 – Fuzz n' Roll Fest - Scuola di musica Ritmi (Cecina, LI)

Ormai gli High Reeper sono di casa, a Cecina. Hanno anche le chiavi e ti fanno trovare la pasta pronta. Dopo il concerto del primo maggio dell’anno scorso si sono ambientati talmente bene che il concerto di stasera è una vera e propria rimpatriata tra amici.

Gli onori di casa sono affidati ai Greenkalma. Ci accolgono con i loro riffoni grassi e unti - che puzzano di erba e sudore (quello della pancia di Matt Pike) - e con la potenza della voce di Marco Lo Presti, che si fa largo prepotentemente nella nebbia sabbiosa sollevata dal gruppo. I Rage Against the Machine in versione desertica sono la sorpresa che non ti aspetti, ma che ben si innesta tra i brani massicci del gruppo, che suona ancor più robusto, fluido e sicuro rispetto al concerto di Castagneto Carducci di inizio anno.

I Rancho Bizzarro sono i padroni di casa, e mettono tutti a loro agio con un desert rock che, ogni volta che li vedo all’opera, suona sempre più potente e compatto. Non mancano le dilatazioni lisergiche e gli assoli disinvolti, ma è in direzione dei Riff, con la R maiuscola, che si sta sviluppando la musica della band. Riff che sono come scogli solidi in una musica liquida e in continua trasformazione. In questo arcipelago, i Rancho Bizzarro seminano citazioni e omaggi ai loro padri ispiratori, e ce li presentano con la naturalezza e la sicurezza del padrone di casa che, orgoglioso, ti mostra la sua collezione di quadri (o dischi!) migliori.

A chiudere la serata, sbocciando l’ultima bottiglia, ci pensano i cugini acquisiti (direttamente da Philadelphia) High Reeper. Se i gruppi precedenti avevano portato roba da fumare, gli americani hanno con loro una bella scorta di alcolici. Il loro doom metal elastico e carico di groove è infatti zuppo di birra, e questo lo rende scivoloso. Impossibile non farsi ubriacare dalle melodie oblique e dai riff sabbathiani costantemente ondeggianti. Il loro tour è appena iniziato, ma il nuovo batterista (Justin Di Pinto) dimostra di esser già entrato pienamente nell’oliato ingranaggio della band, anche se ancora non libera tutta la sua frenesia. Frenesia che invece non riescono a contenere gli altri, soprattutto Andrew Price (sinuoso come i suoi riff) e Zach Thomas (la cui voce è decisamente più in forma rispetto ad un anno fa). Dopo una bella serata tra amici come questa, non vediamo l’ora di farci invitare ancora una volta. Alla prossima!

[R.T.]

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High Reeper + Rancho Bizzarro + Greenkalma – 04.19.2019 – Fuzz n' Roll Fest - Scuola di musica Ritmi (Cecina, LI)

By now High Reeper are like at home, in Cecina. They also have the front-door key and let you find pasta ready. After their concert of the first of May last year they set so well that tonight's concert is a real reunion with friends.

Greenkalma do the honours. They welcome us with their fat and greasy riffs - that smell of weed and sweat (that of Matt Pike's belly) - and with powerful Marco Lo Presti's voice, which makes its way overwhelmingly in the sandy fog raised by the band. The desert version of Rage Against the Machine is the surprise that you do not expect, but that fits well among the massive tracks of the band, which sounds even more robust and fluid compared to their concert in Castagneto Carducci at the beginning of the year.

Rancho Bizzarro are the hosts, and they put everyone at ease with a desert rock that, every time I see them at work, it always sounds more powerful and compact. There is no shortage of lysergic openings and flowing solos, but it is in the direction of Riffs, with a capital R, that the band's music is developing. Riffs that are like solid rocks inside a liquid constantly changing music. In this archipelago, Rancho Bizzarro sow quotes and tributes to their inspiring fathers, and present them to us with the naturalness of the landlord who proudly shows you his collection of the best paintings (or records!).

To close the evening, opening the last bottle, there are the American cousins (directly from Philadelphia) High Reeper. If the previous bands had brought smoking stuff, they have a good supply of alcohol with them. Their elastic groovy doom metal is soaked in beer, which makes it slippery. Impossible not to get drunk with the oblique melodies and the constantly swaying Sabbathian riffs. Their tour has just begun, but the new drummer (Justin Di Pinto) proves he has already fully entered the band's oiled gear, even if he still does not release all his frenzy. Frenzy that instead the otherscannot contain, especially Andrew Price (sinuous like his riffs) and Zach Thomas (whose voice is definitely in a better shape than a year ago). After an amazing evening with these friends, we're looking forward to being invited once again. See you next time!

[R.T.]

 

 

Yob – Our Raw Heart

Yob – Our Raw Heart

(Relapse Records, 2018)

Ci sono 3 fasi nella vita degli Yob. Durante la prima, conclusasi con lo scioglimento della band del 2006, la musica era un torrente (di lava) in piena, con la potenza e la portata di una cascata senza alcun senso della misura. Straripava continuamente, modificando il paesaggio grazie ad una personalità colossale. Dopo essersi nascosto nel sottosuolo per 2 anni, quando il fiume è riapparso in superficie ha iniziato a scorrere come un serpente, compiendo ampie e sinuose curve, alla ricerca di un tempio dalla spiritualità magnetica, nascosto nel fitto della giungla e finalmente raggiunto con il capolavoro Clearing the Path to Ascend. Questa seconda fase è stata un percorso tortuoso che ha assorbito energia dall’ambiente circostante, e dalle esperienze artistiche di Mike Scheidt (soliste, ma anche con i Middian e i Vhöl). La terza fase inizia nel gennaio 2017, quando Mike viene ricoverato per una grave forma di diverticolite intestinale. Il primo frutto di questa nuova fase è Our Raw Heart. Il fiume ha raggiunto il mare, e vi sfocia lento con un ampio delta. Non mancano le improvvise e devastanti piene del passato (Original Face), ma nel flusso magmatico di distorsione c’è una ricerca melodica che si nutre di luce nuova, decisamente più emotiva (Beauty in Falling Leaves, Our Raw Heart). Scavarsi un alveo nel dolore puro (The Screen), e riuscire a sfociare nell’oceano (Our Raw Heart). Dopo un’esperienza che lo ha portato ad un passo dalla morte, Mike riversa nella musica degli Yob la grande pace di chi si affaccia in un regno nel quale non era mai stato (o, più precisamente, nel quale non si era mai accorto di vivere) per assorbire ogni nuova esperienza con inedita intensità. Il suo senso di commossa meraviglia di fronte alla vita è ciò che rende Our Raw Heart un’opera tanto intensa e personale da ricollegare la musica degli Yob alla parte più profonda della sfera umana, dopo aver toccato la pura trascendenza con Clearing the Path to Ascend.

[R.T.]

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Yob – Our Raw Heart

(Relapse Records, 2018)

There are 3 phases in Yob's life. During the first one, ended in 2006 with their disbandment, the music was a flood (of lava) with the power and flow rate of a waterfall without any sense of measure. It continually overflowed, changing the landscape thanks to its colossal personality. After hiding in the underground for 2 years, when the river reappeared on the surface it began to flow like a snake, making wide and sinuous curves, looking for a temple with magnetic spirituality, hidden in the thick of the jungle and finally reached with the masterpiece Clearing the Path to Ascend. This second phase was a tortuous path that absorbed energy from the surrounding environment and from Mike Scheidt's artistic experiences (soloists, but also with Middian and Vhöl). The third phase begins in January 2017, when Mike is hospitalized for a severe form of intestinal diverticulitis. The first fruit of this new phase is Our Raw Heart. The river has reached the sea, and it slowly flows into it with a wide delta. There are still the sudden devastating floods of the past (Original Face), but in the magmatic flow of distortion there is a melodic research that feeds on new - definitely more emotional - light (Beauty in Falling Leaves, Our Raw Heart). Digging a riverbed in pure pain (The Screen) and succeeding in flowing into the ocean (Our Raw Heart). After an experience that led him to a step away from death, Mike pours into Yob's music the great peace of the one who look in a kingdom in which he had never been (or, more precisely, in which he had never realized he was living into) to absorb each new experience with unprecedented intensity. His sense of emotional wonder before life is what makes Our Raw Heart so intense and personal that it reconnects Yob's music to the deepest part of the human sphere, after having touched the pure transcendence with Clearing the Path to Ascend.

[R.T.]

Mantar – Ode to the Flame

Mantar – Ode to the Flame

(Nuclear Blast, 2016)

Chitarra e batteria, l’una di fronte l’altra in una sfida all’ultimo sangue. Occhi fissi sull’avversario, come un duello western. Il feedback rumoroso è lo stratagemma che il chitarrista utilizza per far crescere la tensione prima che tutto esploda. L’attesa finisce quando il suo avversario seduto dietro le pelli parte alla carica. In un attimo siamo travolti da una scarica di riff, l’attesa è finita. Ci troviamo nel bel mezzo di una battaglia nella quale verranno versati litri e litri di sudore, molte corde si spezzeranno e bacchette voleranno in aria. Non saranno fatti prigionieri. Un assalto frontale nel quale non manca la spinta propulsiva del groove e quella distruttrice del rumore. E’ nel momento della detonazione che ci accorgiamo che le due armate non sono contrapposte, ma sono alleate tra loro, e il nemico siamo noi. L’assalto nei confronti dell’ascoltatore è diretto come un pugno in faccia. Punk nell’anima, heavy metal nel corpo. Primitivo, bestiale. Come la carica di una cavalleria assetata del sangue dei nemici, con i cavalli ferrati da un certo Lemmy, e con ferri forgiati dai Venom. Anche quando il ritmo rallenta, le mazzate non perdono forza, e sono grondanti di sangue e terra, come se provenissero dalla scena sludge di New Orleans. Tipicamente tedeschi, i due combattenti (Hanno ed Enric) procedono con quell’incedere marziale che è molto più metodico (quasi industrial) di quanto le grezze sfuriate del loro secondo disco farebbero presagire ad un primo impatto. Un heavy metal (al tempo stesso old school e post) cavernicolo e furioso, ma anche divertente. Da affrontare a testa bassa.

[R.T.]

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Mantar – Ode to the Flame

(Nuclear Blast, 2016)

Guitar and drums, face to face in a challenge to the death. Eyes fixed on the rival, like a western duel. Noisy feedback is the trick used by the guitarist to increase tension before everything explodes. The wait ends when his opponent on the drums attacks. In a moment we are overwhelmed by a burst of riffs, the wait is over. We find ourselves in the middle of a battle in which liters and liters of sweat will be poured, many strings will break and drum sticks will fly in the air. No prisoners will be taken. A frontal assault characterized by the propulsive thrust of groove and the destructive force of noise. It is at the moment of detonation that we realize that the two armies are not opposed, yet allied with each other, and we are the enemy. The assault on the listener is direct like a fist in the face. Punk in the soul, heavy metal in the body. Primitive, bestial. Like the attack of a cavalry thirsty for the blood of the enemies, with horses shoed by a certain Lemmy, and with irons forged by Venom. Even when the pace slows, the blows do not lose strength and they are dripping with blood and earth, as if they came from New Orleans sludge scene. Typically Germans, the two fighters (Hanno and Enric) proceed with that martial gait which is much more methodical (almost industrial) than the rough fury of their second record would presage at first listening. Savage and furious (at the same time old school and post) heavy metal, yet also funny. To be faced headlong.

[R.T.]

Paradise Lost – The Plague Within

Paradise Lost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

La fonte dell’eterna giovinezza. I Paradise Lost ne hanno bevuto l'acqua, ritrovando il loro paradiso perduto. Tornati gradualmente già da alcuni anni sul sentiero del death/doom degli esordi, i padri del gothic metal ritornano di colpo ad essere degli adolescenti dalla forza incontenibile con un disco massiccio e muscoloso come The Plague Within. E' però innegabile che le tante esperienze accumulate in più di un quarto di secolo di carriera non sono certo andate perdute. La sensibilità per le melodie romantiche non svanisce dietro ai riff mastodontici, così come la voce pulita di Nick Holmes non è sopraffatta dal suo growl rabbioso - che qui torna protagonista come non accadeva da anni. Mai, però, i Paradise Lost avevano suonato così diretti e impetuosi. La mente matura, in un corpo giovane e forte, genera un disco con lo sguardo rivolto in avanti, mai nostalgicamente ancorato al passato. Dal primo (esaltante!) riff di No Hope In Sight all'epico e tragico crescendo di Return to the Sun, passando per l'oppressivo e funereo incedere di Beneath Broken Earth o per quello devastante di Flesh from Bones, ogni canzone scorre come un fiume - emotivo - in piena, travolgendo qualsiasi cosa incontri lungo il suo percorso. I momenti di riflessione si annidano negli intrecci romantici disegnati dai fraseggi delle due chitarre, ma anche gli istanti più meditativi possiedono una forza e una determinazione che mai ci si aspetterebbe da musicisti da così tanti anni sulla scena. Una rinascita, sotto una veste che è indubbiamente tra le più affascinanti mai indossate dalla band.

[R.T.]

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ParadiseLost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

The fountain of eternal youth. Paradise Lost drunk its water, recovering their lost paradise. Gradually back to the path of their death/doom beginnings, gothic metal fathers suddenly come back to their adolescence with unmanageable strength thanks to a massive muscular album like The Plague Within. But it is undeniable that the many experiences collected in more than a quarter of a century of career are certainly not lost. Sensitivity for romantic melodies does not fade behind mastodontic riffs, just as Nick Holmes clean voice is not overwhelmed by his angry growl - which here comes back protagonist as it has not been for years. Though Paradise Lost had never been so direct and impetuous. In a young and strong body, the mature mind creates an album which looks forward and is never nostalgically anchored to the past. From the first (exciting!) riff of No Hope In Sight to the epic and tragic crescendo of Return to the Sun, through the oppressive and funereal pace of Beneath Broken Earth or the devastating one of Flesh from Bones, each song runs like an overflowing - emotional - river, swamping everything it finds along its path. Moments of reflection nest in the romantic interweavings drawn by the phrasings of the two guitars, but even the most meditative moments have got a strength and determination that would never be expected by musicians for so many years on the scene. A rebirth, under a dress that is undoubtedly one of the most fascinating ever worn by the band.

[R.T.]

Paradise Lost - Medusa

Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Pietrificati. Lo sguardo paralizzante di Medusa s'incarna nei riff pesantissimi e opprimenti del quindicesimo album dei Paradise Lost, e ci immobilizza con ritmi rallentati e distorsioni mastodontiche. Uno sguardo magnetico e nichilista che ci pone di fronte alla deprimente realtà di un universo privo di significato. Fedele ai suoi ideali romantici, la band di Halifax lotta per non incrociare lo sguardo della Gorgone (talvolta appoggiandosi ad antiche divinità pagane, altre volte attraverso una strenua tensione verso l'assoluto), ma il tentativo è destinato a fallire (d'altronde, è una band fedele ai suoi ideali doom). Greg Mackintosh e soci mettono in musica questo scontro titanico tra impotenza cosmica e desiderio di liberazione attraverso l'irrazionale con il disco più estremo da loro mai concepito, un ritorno alle origini death/doom metal in cui convivono sfinimento angosciante e potenza travolgente. Da una parte atmosfere sepolcrali, riff schiaccianti, fraseggi malinconici e growl proveniente dall'Aldilà, dall'altra un'impetuosa energia vitale. Dopo la rinascita, avvenuta attraverso The Plague Within (2015), i Paradise Lost chiudono un cerchio, tornando alle atmosfere dei primi anni '90, ma con una forza e un impeto che sono figli del presente.

[R.T.]

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Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Petrified. Medusa's paralyzing gaze becomes flesh in the heavy oppressive riffs of Paradise Lost fifteenth album, and immobilises us with slow rhythms and mastodontic distortions. A magnetic and nihilistic look lettings us face the depressing reality of a meaningless universe. True to his romantic ideals, the band from Halifax struggles not to cross the Gorgon's gaze (sometimes relying on ancient pagan gods, sometimes through a dogged tension towards the absolute), but the attempt is destined to fail (after all, it is a band faithful to its doom ideals). Greg Mackintosh & co put into music this titanic clash between cosmic impotence and desire for deliverance through the irrational with the most extreme album they ever conceived, a return to the death/doom metal origins where distressing exhaustion and overwhelming power coexist. On the one hand, burial atmospheres, overwhelming riffs, melancholy phrasings and growl coming from the afterworls, on the other a immense vital energy. After the rebirth, through The Plague Within (2015), Paradise Lost close a circle, returning to the atmosphere of the early 90s, yet with a strenght and passion that are sons of the present.

[R.T.]

Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 28.10.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

 

Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 28.10.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

Nella (almeno per me!) sperduta campagna novarese si tiene l'unica data italiana di una delle band fondamentali del doom degli anni '90 - e non solo! - accompagnata da due bands che, con le loro diverse peculiarità, rappresentano le nuove leve e le nuove direttrici di questo genere.

I primi sul palco sono i portoghesi Sinistro. Una grande, emozionante, rivelazione. Capitanata da Patricia Andrade, alla voce e alla recitazione, la band di Lisbona cattura e catalizza lo spettatore. Le melodie doom, dai toni darkwave e dalle suggestioni che richiamano il Fado, prendono forma fisica grazie all'incredibile voce ed interpretazione della incontenibile front-woman. Se ogni colpo di batteria, così come ogni riff di chitarra, è potente e penetrante, altrettanto (e forse ancora di più) lo sono le linee vocali dell'istrionica cantante, che attraverso molteplici percorsi liberano tutto lo spettro espressivo della sua voce. Per chi non li conosce, un primo incontro sotto il palco potrebbe essere il classico colpo di fulmine!

Seconda volta in poco più di sei mesi per i Pallbearer, per confermarli come grande band, anche dal vivo. Così è stato! I 4 di Little Rock mi conquistano anche questa volta. La voce di Brett Campbell risuona potente e praticamente perfetta nella sua particolare timbrica, e si arrampica su tonalità sempre più alte, senza risentire minimamente della vertigine. Notevoli anche i cori e i controcanto di Holt e Rowland: rari nelle band odierne, soprattutto dal vivo. La scaletta è varia, e si sofferma poco sul nuovo - bellissimo - Heartless. Sembra strutturata per porre l'accento sull'onda emotiva e quasi "epica" che i loro riffs sono capaci di suscitare nell'ascoltatore, attraverso un doom che non è appiattito sui cliché del genere, ma che al contrario si nutre ed arricchisce di spunti quasi prog, di aperture dalle atmosfere quasi oniriche. Una band da ricercare dal vivo e da tenere d'occhio per i successivi album.

Ed infine i tanto attesi Paradise Lost. Tanto attesi sia per la band in sé, sia perché rientravano (fino a questo concerto!) fra quelle bands che per un motivo o per un altro non riuscivo mai a vedere dal vivo. Ero sicura che fosse una mancanza cui rimediare quanto prima. Adesso ne ho la certezza. Con 15 album studio all'attivo e una carriera - ormai - trentennale, i Paradise Lost sono a pieno titolo uno dei pilastri del Doom, soprattuto di quello con connotazioni Death e Gothic. Ma la band di Halifax non è solo un'icona della storia recente: il quintetto capitanato da Nick Holmes alla voce è vivo e vegeto e armonizza perfettamente il suo passato ed il suo presente. L'appena pubblicato Medusa e il suo diretto predecessore The Plague Within occupano insieme metà dell'incredibile scaletta di stasera, e si impongono per la loro potenza, il loro tiro e un cantato più aggressivo, graffiante e dalle tonalità più basse. Accanto a loro una selezione da quasi tutta la loro carriera (restano fuori solo i primi due album, Lost Paradise e Gothic), che brilla per la sua tragica e cristallina bellezza, e per il cantato drammatico e quasi recitativo di Holmes. Non è facile continuare ad essere attuali dopo 3 decadi, ed è ancor più difficile riuscire a far convivere dal vivo le varie evoluzioni di 3 decenni di musica. I Paradise Lost ci sono riusciti.

[E.R.]

 

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Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 10.28.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

I travel to the (at least for me!) isolated Novara countryside for the only Italian tour date of one of the fundamental doom bands of the '90s - and not only! - supported by two bands that, with their different peculiarities, represent the new entities and new guidelines of this genre.

First on stage the Portuguese Sinistro. A great, exciting, revelation. Captained by Patricia Andrade, voice and acting, the Lisbon band captures and catalyses the audience. Doom melodies, with darkwave tones and Fado suggestions, take physical shape thanks to the incredible voice and interpretation of the irrepressible front-woman. If every drum shot, as well as any guitar riff, is powerful and penetrating, likewise (and perhaps even more) are the vocal lines of the histrionic singer, releasing all the expressive spectrum of her voice through multiple paths. For those who do not know them, a first encounter under the stage could be the classic love at first sight!

Second time in six months for Pallbearer, to confirm them as a great band, even live. So it was! The four of Little Rock enchant me also this time. Brett Campbell's voice sounds powerful and essentially perfect in its particular timbre, and climbs on ever higher tones, without the slightest of vertigo. Also outstanding are Holt and Rowland's choirs and counter melodies: rare in today's bands, especially live. The setlist is varied, and it focuses little on the new - beautiful - Heartless. It seems structured to emphasize the emotional and almost "epic" wave that their riffs are able to elicit in the listener through a doom that is not flattened on the clichés of the genre, but which on the contrary feeds and enriches itself with almost prog hints, with openings of almost dreamlike atmospheres. A band you should be looking for live shows and a band you should check out for the following albums.

And finally, the long-awaited Paradise Lost. So much for the band itself and because they were (up to this concert!) among those bands that for one reason or another I never managed to see live. I was sure it was a lack to fix as soon as possible. Now I'm sure. With 15 studio albums and a thirty-year-long career, Paradise Lost are one of the pillars of Doom, especially the one with Death and Gothic connotations. But the band from Halifax is not just an icon of the recent history: the quintet headed by Nick Holmes is alive and kicking and perfectly harmonizes its past and present. The newly released Medusa and its direct forerunner The Plague Within occupy half of the incredible setlist, and they stand out for their power, groove, and a singing which is more aggressive, scratching and on lower tones. Next to them a selection from almost all of their career (with the only exception of the first two albums, Lost Paradise and Gothic), which shines for its tragic and crystalline beauty, and for Holmes' dramatic and almost recitative singing. It is not easy to continue to be up-to-date after 3 decades, and it is even harder to be able to bring together live the various evolutions of 3 decades of music. Paradise Lost have succeeded in this task.

[E.R.]

 

Beastmaker – Inside the Skull

Beastmaker – Inside the Skull

(Rise Above Records, 2017)

Dolcetto o scherzetto? I Beastmaker tornano a suonare il campanello di casa nostra per offrirci tutto il loro repertorio di atmosfere horrorifiche degne dei film della Hammer. Li accogliamo con candelabri ricoperti di ragnatele, zucche con ghigno malefico, pipistrelli di plastica. Da bere (e non solo!) lo offrono loro. I loro vestiti sono impregnati più del fumo di marijuana che di quello dell’incenso adoperato durante una messa nera, infatti! Accettiamo con entusiasmo il loro travestimento (volutamente) fuori moda, studiato nei minimi dettagli, a dimostrazione di quanto questi tre ragazzi californiani siano sinceri appassionati dell’orrore d’altri tempi, quando gli effetti speciali erano caratterizzati esclusivamente da litri e litri di sangue finto. La ricetta è la stessa dell’Halloween dello scorso anno, dello splendido disco d’esordio Lusus Naturae. Riff sabbathiani puzzolenti di zolfo e dal tiro esaltante, uniti a melodie sghembe e acide che ondeggiano avanti e indietro come cantilene macabre. Quest’anno ci portano in dono un paio di cori cantati a due voci con Johanna Sadonis dei Lucifer e una dose massiccia di assoli di chitarra fieramente metal. Ma in generale i tre di Fresno hanno preferito lasciare inalterata la formula che l’anno scorso ci ha fatto divertire come dei matti. Canzoni brevi, immediate, con radici conficcate nel doom più classico, ma con un’elasticità e un’energia ai limiti dello stoner. Riff possenti, arpeggi sinistri, ritornelli macabri e ossessivi. I Beastmaker non sono certo un gruppo da effetto sorpresa, colpo di scena e salto sulla sedia, ma si confermano maestri nell’arte di creare atmosfera. I migliori figli dei fiori (del Male) con i quali trascorrere la notte di Halloween. Accendete le candele (e non solo quelle!): ci sarà da divertirsi!

[R.T.]

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Beastmaker – Inside the Skull

(Rise Above Records, 2017)

Trick or treat? Beastmaker come back to ring the doorbell of our home to offer us all their repertoire of horror atmospheres worthy of Hammer's movies. We welcome them with candelabra covered with cobwebs, pumpkins with bad grin, plastic bats. They treat us to drinks (and not only that!). Their clothes smell of marijuana smoke more than that of the incense used during black masses, indeed. We enthusiastically accept their (deliberately) outdated disguise, studied in the slightest detail, showing how much these three Californian guys are sincere passionate about horror movies of the past, when special effects were exclusively characterized by liters and liters of fake blood. The recipe is the same as last year's Halloween, with the wonderful debut album Lusus Naturae. Sulfur smelly sabbathian riffs, with an exciting groove, together with crooked acid melodies swaying back and forth as macabre lullabies. This year they bring us a couple of duets with Johanna Sadonis (Lucifer) and a massive dose of fiery metal guitar solos. But as a whole the three from Fresno preferred to leave unchanged the formula that entertain ourselves a lot last year. Short straightforward songs, rooted in the most classic doom, but with elasticity and energy typical of stoner. Strong riffs, grim arpeggios, macabre and obsessive refrain. Beastmaker are certainly not a band able to create surprise effects, coups de théâtre or jumping on the chair, but they are masters of the art of creating atmosphere. The best sons of the (Evil) flowers with whom to spend Halloween night. Light up the candles (and not just those!): we're going to have fun!

[R.T.]

The Obsessed - Sacred

The Obsessed – Sacred

(Relapse Records, 2017)

Al di là dell’Oceano, lontano dalle brughiere nebbiose e dai cimiteri celtici britannici, oltre che dai selvaggi paesaggi del Nord Europa, il doom metal ha piantato radici nei bassifondi delle metropoli americane grazie a personaggi come Scott “Wino” Weinrich. Vera e propria icona dell’heavy metal più sulfureo fin dalla seconda metà degli 70, Wino è americano fino al midollo, al punto da aver trasmesso ad ogni suo progetto una precisa personalità a stelle e strisce. Nel 2017, con l’aiuto di alcuni suoi compagni degli Spirit Caravan, Wino resuscita (nuovamente, dopo i concerti reunion di qualche anno fa) uno dei suoi gruppi culto, gli Obsessed, e incide un disco che non sarebbe potuto nascere in nessun altro luogo se non nel Nuovo Mondo. Sacred è hard rock tracotante - tanto pieno di sé, quanto pieno di distorsioni grasse, ottimi riff e ritornelli orecchiabili. Wino è la faccia oscura e tenebrosa del classico rocker americano d’annata (alla Lemmy). Una voce sporca e vissuta, nella quale convivono l’anima del motociclista tamarro e la profondità espressiva del crooner. E anche la sua chitarra contrappone esibizionismo adrenalinico e velata oscurità. In Sacred Wino non ha alcuna intenzione di rinnovare il proprio stile, né di ringiovanire un genere perfettamente canonizzato come il doom classico. Vuole invece omaggiarlo (basti pensare al fatto che Sodden Jackal, splendido brano d’apertura, è il rifacimento della prima canzone dell’EP d’esordio), ancorandolo ancor di più alle sue radici settantiane (la cover di It’s Only Money dei Thin Lizzy rende esplicito ciò che è comunque evidente in tutto l’album). Sacred è un omaggio sincero all’odore di alcol e smog nebbioso che satura le periferie statunitensi - da sempre fonte d'ispirazione per Wino ancor più dei paesaggi solitari e dei cimiteri.

[R.T.]

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The Obsessed – Sacred

(Relapse Records, 2017)

Beyond the Ocean, far from foggy moors and British Celtic cemeteries, as well as far from the wild landscapes of Northern Europe, doom metal has planted its roots in the slums of American metropolis thanks to characters like Scott "Wino" Weinrich. Icon of the most sulphurous heavy metal since the second half of the 70s, Wino is American to the marrow, to the point of instilling a specific star and strip personality to all of his projects. In 2017, with the help of some of his Spirit Caravan buddies, Wino resurrects (again, after some reunion shows a few years ago) one of his cult bands, the Obsessed, and records an album that could not be born in any other place other than in the New World. Sacred is "arrogant" hard rock - so full of itself, as full of fat distortions, excellent riffs and catchy refrains. Wino is the obscure and disturbing face of the classic American vintage rocker (as Lemmy was). A dirty veteran voice in which the soul of the motorcyclist and the expressive depth of the crooner coexist. And also his guitar contrasts adrenaline-filled exhibitionism and veiled obscurity. In Sacred Wino has no intention of renewing his own style or rejuvenating a genuinely canonized genre such as the classic doom. Indeed he wants to honour it (just think that Sodden Jackal, amazing opening song, is the remake of the first song of the debut EP), anchoring it even more to its 70s roots (the cover of It's Only Money by Thin Lizzy makes explicit what is clear throughout the album). Sacred is a sincere homage to the smell of alcohol and foggy smog saturating US suburbs - constant source of inspiration for Wino even more than the lonely landscapes and cemeteries.

[R.T.]

Pallbearer - Heartless

Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

Il rito dell'attesa. Come quando un temporale si sta avvicinando. Nuvole nere che si gonfiano e in un attimo percorrono lo spazio che separa l'orizzonte dalle nostre teste. Odore di umidità nell'aria, vento che soffia improvviso. Elettricità. Questo è Heartless. Non un'impetuosa tempesta come il precedente Foundations of Burden, bensì una malinconica e vagamente inquietante quiete, con il fantasma della bufera sempre più vicino. I riff mastodontici dell’album precedente, che lo avevano reso uno dei migliori dischi metal degli ultimi anni, sono qui frammentati, dilatati e rielaborati lungo sentieri melodici più prossimi al metal progressivo che al doom del passato. I fraseggi e gli intrecci delle due chitarre (da sempre marchio di fabbrica della band dell’Arkansas) sono stavolta la vera e propria architettura portante sulla quale sono costruite le sette - imponenti - canzoni, e sulla quale si arrampica, da protagonista, la voce di Brett Campbell, verso tonalità sempre più alte e melodie sempre più epiche e grandiose. L’attesa spasmodica che ha anticipato la terza pubblicazione della band troverà sfogo, per i vecchi fans, in un disco basato proprio sul senso di attesa, e che preferisce scorrere tra atmosfere avvolgenti (l’intro onirico di Dancing in Madness) anziché deflagrare in mazzate di grande impatto e potenza? Per un ambiente underground che in tempi recenti si è raramente esaltato tanto quanto all’ascolto dei primi due dischi della band, non sarà facile sentirsi ricompensato da questa trasformazione, che ha portato al completo abbandono del retrogusto post metal in favore di una sensibilità melodica affine a quella dei Queensrÿche di fine anni '80. Attesa e assenza di frenesia: questo è ciò di cui necessita un disco monumentale come Heartless per essere assorbito. La maturità delle melodie di I Saw the End, Thorns ed Heartless sono la migliore dimostrazione della titanica personalità dei Pallbearer, una band estranea ai generi predeterminati, che si conferma come una delle più capaci nel coniugare classico e moderno.

[R.T.]

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Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

The ritual of waiting. Like when a thunderstorm is approaching. Black clouds swelling, travelling in a moment the space between the horizon and our heads. Smell of moisture in the air, wind suddenly blowing. Electricity. This is Heartless. Not a violent storm like the previous Foundations of Burden, yet a gloomy and vaguely disturbing quiet, with the ghost of the squall costantly nearer. The mastodontic riffs of the previous album, which had made it one of the best metal records in recent years, are fragmented here, dilated and reworked along melodic tracks closer to progressive metal than to the doom of the past. The phrasings and interweavings of the two guitars (always a trademark of the band from Arkansas) are the real load-bearing architecture on which the seven - imposing - songs are built and on which Brett Campbell voice climbs towards ever higher tones and increasingly epic and impressive melodies. The fevering waiting that has anticipated the third release of the band will find vent for old fans in this album based on the sense of wait and preferring to flow among enveloping atmospheres (the dreamlike introduction of Dancing in Madness) rather than deflagrate in blows of great impact and power? For an underground environment that recently has rarely been exalted as much as listening to the first two records of the band, it will not be easy to feel rewarded by this transformation, which has led to the complete abandonment of post metal aftertaste in favour of a melodic sensitivity alike that one of Queensrÿche in the late 80s. Wait and absence of frenzy: this is what a monumental album like Heartless needs to be absorbed. The maturity of the melodies of I Saw the End, Thorns and Heartless are the best demonstration of the titanic personality of Pallbearer, a band out of the predetermined genres, which is confirmed as one of the most capable in combining classic and modern.

[R.T.]

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

 

Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

05.08.2017 - Giavera del Montello (TV)

La seconda giornata di festival si preannuncia decisamente più intensa della prima, con inizio previsto per le ore 18:00. Nell’estate più calda a memoria d’uomo, l’unica salvezza è l’ombra offerta dagli stand delle distro e dalla birra fresca.

Il primo gruppo, i Die Abete, lo ascolto infatti all’ombra di uno stand. Baciati dal Sole cocente, il gruppo con due batterie (una delle quali suonata solo in certi brani), si lancia in uno screamo/post hardcore bruciante e passionale, preferendo addentrarsi sul versante delle ritmiche spezzate e delle dissonanze noise piuttosto che sul versante emotivo. Non manca la visceralità e il sudore (non solo per la temperatura da altoforno) nella musica di questa band ternana. La cover di “Ragazzo di strada” in salsa post hardcore è una sorpresa davvero divertente e perfettamente a suo agio nel contesto punk del loro concerto. Da approfondire!

Sul main stage, all’ombra dei pochi alberi rimasti in piedi dopo la tempesta dello scorso anno, è il turno dei bergamaschi Hungry Like Rakovitz. Il loro è un assalto brutale e devastante. Un tritacarne inferocito in cui vengono mischiate le sfuriate dell’hardcore e quelle del metal estremo. Suoni possenti e carichi di bassi rimbombanti (testata Sunn) trasformano anche i passaggi più tendenti al black metal in una specie di sludge velocissimo. Il cantante scende in mezzo al pubblico a condividere la sua furia, mentre sul palco gli altri musicisti creano una personale visione dell’Apocalisse.

Il Sole continua ad abbattersi infernale nella zona del palco piccolo, dove salgono i ['selvǝ]. La band lombarda cerca di trasportarci nelle selve autunnali con un post black metal emotivo e coinvolgente, sempre estremamente serrato (evidente la componente post hardcore) e mai esageratamente melodico. Dopo aver settato i suoni della batteria (inizialmente un po’ soffocati dal muro di distorsione generato dalla chitarra) la musica inizia a decollare e vengo letteralmente rapito da questa band, al tempo stesso grandiosa e introspettiva.

Dopo la classica cena vegana mi piazzo nelle prime file, davanti al palco piccolo, per il concerto dei Cough. Il Sole inizia a tramontare, e la band americana (dopo aver recuperato l’assurdo tastierista che era andato a far scorta di birre) lo fa inabissare sotto l’orizzonte con una colata lavica di doom cosmico a dir poco spaventosa. Rimango stupito dai suoni mastodontici. Definirli immensi è riduttivo, da tanto riescono a riempire l’aria delle colline venete con un range di frequenze equilibratissimo, che gonfia lo stomaco e rizza i capelli. Mi perdo dentro le ritmiche iper-rallentate, pesantissime ed ipnotiche, oltre che dentro ai droni di tastiera fusi con quelli di chitarra e basso, e alla fine rimango invischiato nel fango maleodorante prodotto dalla band. Riff dopo riff, feedback dopo feedback, arriva la notte e la band finisce il concerto al buio, senza un riflettore. Strepitosi! Su disco non rendono l’idea delle loro potenzialità (e della loro potenza!). Provare per credere!

Sull’altro palco iniziano a ruota i Crowbar. Barbe lunghe, panzone sudate, riff massicci e atmosfere alcoliche. Il gruppo di Kirk Windstein è un camion con rimorchio che avanza inesorabile, lasciando dietro di sé puzza di diesel. Il pilota ha una voce sporca e potente, tenuta sempre al massimo dei giri. Kirk libera le corde vocali con continui scatarri, e riparte ogni volta verso nuove canzoni, sempre in puro e genuino stile sludge metal made in New Orleans. Musica grossa e grassa, valorizzata da suoni possenti ma al tempo stesso caldi (decisamente più rotondi e meno compressi di quando li vidi al Desertfest londinese). Per me questo è il gran finale di serata. Headbanging e birra, what else?!

[R.T.]

 

 

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Disintegrate Your Ignorance Fest – Day 2

Crowbar + Cough + ['selvǝ] + Hungry Like Rakovitz + Die Abete

08.05.2017 - Giavera del Montello (TV)

The second day of the festival promises to be much more intense than the first, with beginning scheduled for 6 p.m.. In the hottest summer in memory of man, the only salvation is the shade offered by distro booths and cool beer.

Indeed I listen to the first band, Die Abete, in the shade of a stand. Kissed by the burning Sun, the band with two drums (one of which is played only in certain songs) launches itself into a passionate screamo/post hardcore, focusing on broken rhythms and noise dissonances rather than on its emotional side. There is no lack of viscerality and sweat (not just for blast furnace temperature) in the music of this band from Terni. The cover of “Ragazzo di strada” in post-hardcore style is a really funny and perfectly comfortable surprise in the punk context of their concert. To delve deeper!

On main stage, in the shadow of the few trees survived to the storm of last year, is the time for Hungry Like Rakovitz, from Bergamo. Their one is a brutal and devastating assault. An enraged mincer in which hardcore and extreme metal are mixed together. Powerful sounds - full of thundering bassess (Sunn head) - transform also those more black metal passages in a sort of ultra-speedy sludge. The singer down among the audience to share his fury, while on stage the rest of the band create a personal vision of the Apocalypse.

The Sun continues to make red-hot the small stage area, where ['selvǝ] are ready to play. The Lombard band wants to carry us in the autumn woods with its emotional and engaging post black metal, always extremely tight (outstanding the hardcore component) and never exaggeratedly melodic. Once the drum sounds are set (initially someway suffocated by the distortion wall of the guitar), music starts to take off and I feel literally enraptured by this band, both majestic and introspective.

After the classic vegan dinner I place myself in the first rows in front of the small stage, for Cough concert. The Sun begins to set, and the American band (after retrieving their keyboard player who had gone out to get beer) makes it fall into the horizon with a terrific lavish flow of cosmic doom. I am astonished by their mastodontic sounds. Defining them immense is reductive, considering how they can fill the air of the Montello hills with a balanced range of frequencies, swelling your stomach and rising up your hair. I lose myself in the hyper-slowed, extremely heavy and hypnotic rhythms, as well as inside the drones of keyboard fused with those of guitar and bass, and in the end I remain entangled in the smelly mud produced by the band. Riff after riff, feedback after feedback, the night arrives and the band ends the concert in the dark without a reflector. Amazing! On album they do not show the real value of their potential (and their power!). Seeing is believing!

On the other stage is already time for Crowbar. Long beards, sweaty potbellies, massive riffs and alcoholic atmospheres. Kirk Windstein band is a trailer truck inexorably advancing, leaving behind a stench of diesel. The pilot has a dirty and powerful voice, always at full speed. Kirk frees his vocal chords continuously spitting out, and he restarts each time singing new songs, always in pure and genuine sludge metal style made in New Orleans. Big fat music, enhanced by powerful warm sounds (much richer and less compressed than when I saw them at Desertfest London). For me this is the grand finale of the evening. Headbanging and beer, what else?!

[R.T.]

 

 

 

Slomatics ‎– Future Echo Returns

Slomatics ‎– Future Echo Returns

(Black Bow Records, 2016)

In un pianeta in cui il tempo scorre al rallentatore e la forza di gravità è talmente intensa che per riuscire a muoversi servono tutte le energie disponibili, gli Slomatics sono sicuramente a loro agio. Il loro doom cosmico ha suoni giganteschi, di una pesantezza indicibile, ma anche di una gommosità davvero "appiccicosa". Si rimane incollati a terra sotto il peso delle distorsioni e si avanza a fatica tra ritmi cadenzati. Due chitarre dall'accordatura ultraribassata (al punto da sembrare due bassi! - anche per la rotondità del suono, manipolato negli Skyhammer Studios di Chris Fielding dei Conan) macinano riff ipnotici per poi aprirsi in passaggi arpeggiati ai limiti del post rock, con il suono dei sintetizzatori ad accentuare l'atmosfera spaziale. Nella lenta passeggiata attraverso questo pianeta fantascientifico, si incontrano evidenti tracce di (Ufo)mammut e altri animali preistorici che hanno segnato la via del genere di riferimento, dagli Electric Wizard agli Sleep, ma anche alcune inattese atmosfere in stile Type O Negative, nella canzone di chiusura dell'album. L'esplorazione condotta dal gruppo nord irlandese non porta a scoperte rivoluzionarie ma un'escursione in questo pianeta risulterà affascinante per tutti gli appassionati del genere.

[R.T.]

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Slomatics ‎– Future Echo Returns

(Black Bow Records, 2016)

In a planet where time slows down and force of gravity is so intense that you need all your energies to be able to move, Slomatics are definitely at ease. Their cosmic doom has gigantic sounds, an indescribable heaviness, but also a really "sticky" gumminess. One remains glued to the ground under the weight of distortions and progresses with enormous effort through monolithic rhythms. Two ultra-low-tuned guitars (to the point they seem two basses! - even for the roundness of the sound, manipulated in Conan's Chris Fielding's Skyhammer Studios) grind hypnotic riffs and then open in arpeggiated phrasings on the edge of post rock with the sound of synthesizers accentuating this space atmosphere. In the slow walk through this sci-fi planet, there are clear tracks of (Ufo)mammoths and other prehistoric animals that marked the path of the genre of reference, from Electric Wizard to Sleep, but also some unexpected atmospheres in Type O Negative style, in the closing song of the album. The exploration carried on by the Northern Irish band does not lead to revolutionary discoveries, but a tour on this planet will be fascinating for all enthusiasts of this genre.

[R.T.]