The Mon – Doppelleben

The Mon – Doppelleben

(Supernatural Cat, 2018)

Riuscire ad evocare un’atmosfera attraverso la musica significa trasmettere sensazioni, più che pensieri e idee compiute. Creare un universo sonoro che stimoli le percezioni affinché queste siano più sensibili, e non abbiano bisogno della parte razionale del nostro cervello per decodificare il messaggio. Apparentemente meno complicato rispetto alla costruzione di architetture musicali basate su ritmo e melodia, in realtà molto complesso perché il musicista necessita di grandi sensibilità e comunicatività. Capacità, queste ultime, che non mancano ad Urlo (basso, voce e synth degli Ufomammut) che con il suo progetto The Mon esplora il lato più sensoriale della sua musica. Se già nel doom cosmico della sua band principale suono e atmosfera rivestono una particolare importanza, in Doppelleben (composto e suonato in solitaria) questi sono assoluti protagonisti. L’ascoltatore si ritrova in un luogo mentale che ha la parvenza di una landa gelata, avvolta nella nebbia del mattino, in cui il Sole inizia ad alzarsi lentamente sulla linea dell’orizzonte, scongelando via via il ghiaccio che avvolge la vegetazione, per poi inabissarsi nuovamente al di là delle montagne, così che tutto torna a congelarsi, assumendo nuove forme. Questo movimento ciclico e perenne è reso da tappeti cosmici di sintetizzatore, pulsazioni sintetiche, muri di distorsione e giri ipnotici di basso, mentre soffusi raggi di melodia indicano una direzione nella nebbia. La direzione diventa evidente, come un tracciato, nella parte centrale dell’album, nella quale si affaccia la voce, e i brani assumono una struttura più quadrata (sorta di versione onirica dei Nine Inch Nails). Ma nel finale tornano le lunghe - sottilmente inquietanti - attese delle colonne sonore di John Carpenter, per ricordarci che lo scorrere del tempo produce trasformazioni apparentemente impercettibili, ma in realtà profondissime. E anche se tutto sembra tornare al punto di partenza, niente sarà più lo stesso.

[R.T.]

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The Mon – Doppelleben

(Supernatural Cat, 2018)

Being able to evoke an atmosphere through music means transmitting sensations, rather than thoughts and completed ideas. It is like creating a sound universe that stimulates perceptions so that they are more sensitive and they do not need the rational part of our brain to decode the message. Apparently less complicated than the construction of musical architectures based on rhythm and melody, on the contrary extremely complex because the musician needs great sensitivity and communicativeness. Abilities, these latter, which are not lacking in Urlo (Ufomammut bass, voice and synth) who explores the more sensory side of his music with his project The Mon. If already in the cosmic doom of his main band sound and atmosphere play a particularly relevant role, in Doppelleben (composed and played solo) these are absolute protagonists. The listener finds himself in a mental place that has the feature of a frozen land, shrouded in the morning fog, in which the Sun begins to rise slowly on the horizon line, gradually thawing the ice that surrounds the vegetation, then sinking back beyond the mountains, so that everything returns to freeze, taking on new forms. This cyclical and everlasting movement is rendered by cosmic synthesizer carpets, synthetic pulsations, walls of distortion and hypnotic bass turns, while suffused rays of melody indicate a direction in the fog. The direction becomes evident, like a path, in the central part of the album, in which the voice appears and songs take on a more square structure (sort of dreamlike version of Nine Inch Nails). But in the final part the long - subtly disturbing - waits of John Carpenter's soundtracks come back, to remind us that the passing of time produces seemingly imperceptible, yet indeed really deep, transformations. And even if everything seems to return to the starting point, nothing will ever be the same again.

[R.T.]

Anna Von Hausswolff – Dead Magic

Anna Von Hausswolff – Dead Magic

(2018, City Slang)

Tende rosse, come quelle di un sipario, e un pavimento dove linee bianche e nere si inseguono a zigzag. In questo luogo metafisico, sorta di sala di attesa, risuona Dead Magic. Tutto nasce sui tasti di un grande organo a canne, in una chiesa di marmo nel cuore di Copenaghen, ma prende vita nel silenzio infinito e sconosciuto delle poesie di Walter Ljungquist e dei film di David Lynch. Laddove i sogni collegano dimensioni diverse della nostra esistenza, lì si sviluppa la musica onirica di Anna Von Hausswolff. Se musiciste a lei contemporanee, come Chelsea Wolfe e Myrkur, indagano la fragile fase transitoria tra sonno e veglia, Anna entra direttamente nella fase del sogno e cerca una strada nel suo surrealismo. Nonostante l’apparenza, l'atmosfera non è esclusivamente quella oscura degli incubi, ma piuttosto quella misteriosa e nebbiosa di un mondo che non conosciamo e che facciamo fatica a comprendere. Nelle lunghe composizioni di Anna si perde l’orientamento e questo genera smarrimento, disagio, tensione, a tratti perfino paura. Tutto questo è inevitabile. Lunghe e soffocanti note di organo e synth, ai limiti del drone (non a caso è Randall Dunn ad aver prodotto il disco), e perfino qualche accenno all’angoscia con la quale i Goblin coloravano i film di Dario Argento. Ma ciò che ci fa paura è l’oscurità in sé o l’idea che qualcosa di malvagio possa nascondersi in essa? Guidandoci attraverso sentieri inusuali, seguendo qualche traccia lasciata lungo la strada da esploratrici dell’aldilà come Lisa Gerrard, Anna Von Hausswolff sembra suggerirci che l’oscurità è spaventosa in quanto a noi ignota, ma che una sensibilità più profonda e sviluppata potrebbe mostrarci inedite realtà al di là della tenda rossa, e non necessariamente terrificanti.

[R.T.]

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Anna Von Hausswolff – Dead Magic

(2018, City Slang)

Red curtains, like those of a theatre, and a floor where black and white lines follow each other like a zigzag. Dead Magic resounds in this metaphysical place, sort of waiting room. It all starts on the keys of a large pipe organ, in a marble church in the heart of Copenhagen, but it comes to life in the infinite and unknown silence of Walter Ljungquist's poems and David Lynch's movies. Where dreams connect different dimensions of our existence, there Anna Von Hausswolff's oneiric music develops itself. If contemporary musicians, like Chelsea Wolfe and Myrkur, investigate the fragile transitional phase between sleep and wakefulness, Anna enters directly into the phase of dream and looks for a way in its surrealism. Despite the appearance, the atmosphere is not exclusively the obscure one of nightmares, but rather the mysterious and foggy one of a world that we do not know and that we find it hard to understand. In Anna's long compositions the orientation is lost and this generates loss, discomfort, tension, at times even fear. All this is unavoidable. Long and suffocating notes of organ and synth, at the limits of drone (not surprisingly it is Randall Dunn who produced the album), and even some hints of the anguish with which Goblins used to colour Dario Argento's movies. But what scares us is the darkness itself or the idea that something evil can hide in it? Leading us through unusual paths, following some trails left along the way by explorers of the afterlife like Lisa Gerrard, Anna Von Hausswolff seems to suggest that darkness is frightening because we do not know it, but that a deeper and more developed sensibility could show us new realities beyond the red curtain, and not necessarily terrifying.

[R.T.]

The Blank Canvas – Vantablack

The Blank Canvas – Vantablack

(Drown Within Records, 2018)

Una tela nera. O, meglio, uno schermo che proietta ossessivamente le stesse immagini. Istantanee fotografiche che si inseguono secondo traiettorie geometriche, come in un labirinto di specchi. I fotogrammi che compongono il video sono riff spigolosi che si incastrano tra loro, in costante movimento, fino ad apparire curvi e rotondeggianti. In questo intreccio straniante brilla la superficie nera metallizzata delle melodie, lucidissime e riflettenti. Mi impegno per non rimanere risucchiato nel vortice visivo, e mi accorgo che questo schermo si trova nel bel mezzo della pista da ballo di un locale di inizio anni 2000, dove si alternano darkwave e progressive metal. Ma l’assenza di qualsiasi eccesso romantico, da una parte, e di ipertecnicismo, dall’altra, mi fa capire che il nuovo millennio è iniziato da un pezzo. Le due anime sono finalmente fuse alla perfezione, senza alcuna caduta di stile (nessuno ha le New Rocks ai piedi), secondo la lezione di band come i Leprous (d’altra parte l’anima dei Blank Canvas proviene dal math rock spaziale dei Karl Marx was a Broker). Non resta che prendere un bel cocktail fluorescente e gettarsi in pista.

[R.T.]

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The Blank Canvas – Vantablack

(Drown Within Records, 2018)

A black canvas. Or, better, a screen that obsessively projects the same images. Photographic snapshots that follow each other according to geometric trajectories, like in a labyrinth of mirrors. The frames composing the video are angular riffs that fit together, constantly moving, until appearing curved and roundish. In this alienating interweaving sparkles the metallized black surface of the melodies, extremely shiny and reflecting. I try not to get sucked into the visual vortex, and I realize that this screen is in the middle of the dance floor of an early 2000s club, where darkwave and progressive metal alternate. But the absence of any romantic excess, on the one hand, and of technical rigidity, on the other one, makes me understand that the new millennium has begun long time ago. The two souls are finally merged to perfection, without any faux pas (no one is wearing New Rocks), according to the lesson of bands like Leprous (after all Blank Canvas soul comes from Karl Marx was a Broker space math rock). You just have to take a nice fluo cocktail and throw yourself on the dance floor.

[R.T.]

Anna Von Hausswolff – The Miraculous

Anna Von Hausswolff – The Miraculous

(Other Music Recording Co., Pomperipossa Records, City Slang, 2015)

Mi sono svegliato nel cuore della notte. Scosso dai brividi di un incubo dal quale non riesco a liberarmi. Ancora troppe ore prima dell’alba. Decido che ad accompagnare questa mia insonne attesa sia The Miraculous. Tappeti di organo a canne e sintetizzatori abissali dilatano lo scorrere delle lancette, e i rintocchi dell’orologio paiono deformarsi tra melodie dissonanti. Come vagare in una casa disabitata da anni. Ho un’attrazione sadica per le tenebre, ma stavolta ho più volte la tentazione di fermarmi lungo il percorso, che pare davvero inquietante (Pomperipossa). La luce non sorge mai, ma pian piano gli occhi si abituano all’oscurità, e danno forma alle ombre, meno terrificanti con il trascorrere del tempo. La casa nella quale mi trovo è la mia, da sempre. Anche se niente è come prima, finalmente percepisco un po’ di calore. Una voce ambigua e deviata, ma che nasconde una profonda umanità (An Oath). Una voce che, attraverso traiettorie inusuali, riesce comunque a condurmi fino all’alba, ma non prima di avermi fatto attraversare droni cosmici e misteriose foreste scandinave avvolte nella nebbia. Solo i Dead Can Dance hanno un potere simile sugli incubi. Amplificarli e poi inghiottirli, fino a farli sparire. Anna Von Hausswolff (figlia del compositore d’avanguardia Carl Michael Von Hausswolff) è una delle poche altre musiciste che riesce nell’impresa. Miracoloso.

[R.T.]

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Anna Von Hausswolff – The Miraculous

(Other Music Recording Co., Pomperipossa Records, City Slang, 2015)

I woke up in the middle of the night. Shaken by the creeps of a nightmare from which I cannot free myself. Still too many hours before dawn. I choose The Miraculous as soundtrack for my sleepless waiting. Pipe organ carpets and abyssal synthesizers dilate the flow of the hands, and the tolls of the clock seem to warp among dissonant melodies. It is like wandering in a house uninhabited for years. I have a sadistic attraction for darkness, but this time I have several times the temptation to stop along this path which seems really disturbing (Pomperipossa). Light never rises, but slowly my eyes become accustomed to darkness and they give shape to the shadows, less terrifying with the passage of time. I am in what has always been my home. Even if nothing is like before, I finally feel a bit of heat. An ambiguous and deviant voice, yet hiding a profound humanity (An Oath). A voice that, through unusual trajectories, still manages to lead me until dawn, yet not before letting me cross cosmic drones and mysterious Scandinavian forests shrouded in fog. Only Dead Can Dance have got a similar power over nightmares. Amplifying them and then swallowing them, until they disappear. Anna Von Hausswolff (daughter of the avant-garde composer Carl Michael Von Hausswolff) is one of the few other musicians who succeeds in the enterprise. Miraculous.

[R.T.]

Wear Your Wounds – WYW

Wear Your Wounds – WYW

(Deathwish, 2017)

Qualche sera fa mi son ritrovato a cercare una musica che accompagnasse la sensazione galleggiante tra malinconica nostalgia e fragile speranza che mi si era appiccicata addosso. Ho spulciato i vinili, con un’idea precisa di quello che volevo provare, ma senza aver la minima idea di chi avrebbe potuto trasmettermelo. Ho messo sul piatto il disco d’esordio dei Wear Your Wounds, progetto con il quale Jacob Bannon esplora il suo lato umbratile e romantico, a metà tra post rock e darkwave. Memore del concerto al quale avevo assistito al Roadburn 2017, durante il quale il numero dei presenti era veramente ridotto a pochi intimi, ho pensato che questo album fosse un perfetto accompagnamento per la solitudine di quella afosa serata di piena estate, in cui la luce delle stelle quasi non riusciva a farsi largo attraverso lo scudo di umidità. Ho vestito le mie ferite con la fragilità che Bannon aveva fatto solo intuire nei brani più melodici dei Converge, e le ho avvolte con complesse costruzioni atmosferiche, molto più stratificate della nebbia lo-fi che pare coprire i solchi del disco. Ho lasciato che la musica mi facesse immergere nei ricordi senza che però mi annegasse in essi, e che - attraverso climax melodici disegnati dal piano e da una chitarra suonata con l’e-bow - mi aprisse al rallentatore le porte per un futuro misterioso e oscuro, ma comunque velato di speranza (Shine, Fog, Wear You Wounds, lo splendido assolo di Breaking Point). Una sincera serata di solitudine, magari non sempre a fuoco (come i pensieri di chi ha tagliato tutti i contatti con l’esterno), ma certamente indispensabile per venire a patti con la propria vulnerabilità.

[R.T.]

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Wear Your Wounds – WYW

(Deathwish, 2017)

A few nights ago I found myself looking for a music that would accompany the floating feeling between gloomy nostalgia and fragile hope that had stuck on me. I go over my vinyls with a fine tooth comb, with a precise idea of what I wanted to feel, but without having the slightest idea of who could transmit it to me. I put on the turntable Wear Your Wounds debut album - a project through which Jacob Bannon explores his shadowy and romantic side, halfway between post rock and darkwave. Mindful of the concert I attended at Roadburn 2017, during which the audience was really reduced to a few close friends, I thought this album was a perfect soundtrack to the loneliness of that midsummer sultry evening, when starlight almost could not make its way through the damp shield. I dressed my wounds with the fragility that Bannon had only hinted at in Converge most melodic songs, and I wrapped them with complex atmospheric constructions, much more stratified than the lo-fi fog that seems to cover the grooves of the record. I let the music make me immerse in the memories without make me drown myself in them, and - through melodic climaxes drawn by the piano and a guitar played with the e-bow - I opened in slow motion the doors to a mysterious murky future, yet still veiled with hope (Shine, Fog, Wear You Wounds, the amazing solo of Breaking Point). A sincere evening of solitude, maybe not always in focus (like the thoughts of those who cut all contacts with the outer world), but certainly essential to come to terms with our own vulnerability.

[R.T.]

Nick Cave & The Bad Seeds - 17.07.2018 - Lucca Summer Festival

 

Nick Cave & The Bad Seeds - 17.07.2018 - Lucca Summer Festival

Nel 2013, sempre al Lucca Summer Festival, Nick Cave con i suoi The Bad Seeds mi ha letteralmente folgorata. La prima volta che lo sentivo e vedevo dal vivo. Un'emozione grandissima. Talmente grande, che avevo quasi paura di ripetere l'esperienza. Paura che non avrei provato le stesse sensazioni. Paura che questo ricordo avrebbe perso la sua aura luccicante. Per fortuna ha prevalso la parte di me che voleva rivivere quei momenti. Non soltanto hanno brillato della stessa luce, ma sono addirittura diventati ancora più forti e potenti.

Quasi due ore e mezzo di musica e passione. Il concerto di Nick Cave non è solo uno spettacolo, ma è pura visceralità. Si creano un'unione e comunione fra il palco ed il pubblico, fra l'artista e chi lo ascolta, che non ho mai trovato in nessun altro concerto. Cave è istrionico ed è uno stregone che incanta - quasi ipnotizza - tutti i presenti. E' come trovarsi immersi in una sorta di rito quasi ancestrale. Lui dà tutto se stesso al pubblico, ed il pubblico riversa tutto se stesso su colui che non è esagerato chiamare "idolo". La sua voce e le sue parole sono quasi un mantra che si insinua nella testa di chi ascolta. Lui ne è consapevole e apostrofa costantemente i suoi discepoli richiamandoli all'attenzione, ripetendo più volte il monito "Listen! Listen!". La magia della sua voce e della sua incontenibile carica è esaltata dai The Bad Seeds, musicisti incredibili, che manipolano la materia sonora dando vita ad un flusso emotivo che è il perfetto contraltare - complementare - di Nick Cave. Su tutti spicca come un gigante Warren Ellis, col suo violino e gli altri mille strumenti cui dà un'anima. La scaletta scorre avanti ed indietro il nastro del tempo della lunga carriera della band, con molte canzoni dall'ultimo - stupendo e tristissimo - Skeleton Tree, cui è affidata l'apertura e la chiusura del set. E c'è anche spazio per una canzone richiesta dal pubblico - Deanna. Per me, però, due sono gli apici della serata: Jubilee Street - con il suo crescendo di pathos, distorsione e "distruzione" - e Push the Sky Away - intimità che diventa un'onda umana, struggente e liberatoria. In tutto questo, non mancano il bagno di folla di Cave attraverso il pubblico (per arrivare al centro della piazza, sotto la statua centrale, ed innalzarsi al di sopra del suo pubblico per dirigere il battito delle mani su The Weeping Song) e l'ormai rituale "invasione" del palco da parte di una trentina di fortunati, che guardano al loro guru fra lacrime e stordimento. 

Dal concerto di Nick Cave & The  Bad Seeds non si può uscire indifferenti. Né dal punto di vista musicale, né da quello emotivo. Probabilmente o lo si ama, o lo si odia. Personalmente trovo che sia un'esperienza musicale ed emotiva difficilmente eguagliabile. E ora che ho fatto il bis, sono pronta a replicare nuovamente.

[E.R.]

   

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Nick Cave & The Bad Seeds - 07.17.2018 - Lucca Summer Festival

In 2013, at Lucca Summer Festival, Nick Cave with his Bad Seeds literally blew me away. The first time I listened and saw him live. A great emotion. So great, I was almost afraid to repeat the experience. Fear that I would not have felt the same feelings. Fear that this memory would have lost its shimmering aura. Fortunately, the part of me wanting to live once again those moments prevailed. Not only they shone with the same light, but they became even stronger and more powerful.

Almost two and a half hours of music and passion. Nick Cave's concert is not just a show, but it's pure viscerality. There's an union and communion between the stage and the audience, between the artist and the listener, that I have never found in any other concert. Cave is histrionic and is a sorcerer who enchants - almost hypnotizes - everyone present. It is like being immersed in a sort of almost ancestral rite. He gives his whole self to the audience, and the audience pours all of itself onto the one who is not exaggerated to call "idol". His voice and his words are almost a mantra creeping into the head of the listener. He is aware of it and constantly appeals to his disciples, calling them to attention, repeating the warning "Listen! Listen!" several times. The magic of his voice and his uncontrollable energy is enhanced by The Bad Seeds, incredible musicians, who manipulate the sonic matter giving life to an emotional flow that is the perfect - complementary - Nick Cave's counterpart. On all stands out like a giant Warren Ellis, with his violin and the other thousand instruments he gives a soul. The setlist slides back and forth the time tape of the long career of the band, with many songs from the last - stupendous and extremely sad - Skeleton Tree, which is entrusted with the opening and closing of the set. And there is also room for a song requested by the audience - Deanna. For me, however, two are the highlights of the evening: Jubilee Street - with its crescendo of pathos, distortion and "destruction" - and Push the Sky Away - intimacy that becomes a moving and liberating human wave. In all this, Cave crowd bathing through the audience (to get to the middle of the square, under the central statue, and rise above its listeners to direct the clapping of hands on The Weeping Song) and the now ritual "invasion" of the stage by more or less thirty lucky, who look at their guru with tears and dizziness.

Nick Cave & The Bad Seeds' concert can not leave you indifferent. Neither from the musical point of view, nor from the emotional one. Probably either you love it, or you hate it. Personally I find it to be a musical and emotional experience hardly equaled. And now that I attended it twice, I am ready to reply again.

[E.R.]

 

Chelsea Wolfe – Hiss Spun

Chelsea Wolfe – Hiss Spun

(Sargent House, 2017)

Ho alzato il volume, fino al punto in cui credevo la stanza si sarebbe saturata. Ma la profondità degli strati sonori di Hiss Spun è talmente elevata che non ne vedi mai il fondo. Me ne sono andato dall’altra parte della casa. La voce di Chelsea Wolfe, deviata dai muri e incanalata attraverso le porte, pareva provenire da un’altra dimensione. Per potersi sviluppare, la musica necessita di spazio. Soprattutto quando chi la compone reclama un’immersione, fisica e mentale, in essa. Con l’aiuto di Kurt Ballou e Ben Chisholm, Chelsea Wolfe ha creato uno spazio tridimensionale, capace di modificarsi in base ai diversi metodi di ascolto, senza mai perdere fascino. Nuotare in questo oceano che si nutre di  fascinazioni gotico-industriali e post metal, significa lasciarsi rapire dal canto da sirena dell'artista californiana e fluttuare ovunque lei decida di portarci, come meduse alla deriva nella corrente. In certi momenti sembra di averla accanto che ci bisbiglia in un orecchio (come una sorta di lato oscuro di Pj Harvey), in altri la vediamo riflessa e deformata dietro un vetro di effetti e distorsioni. Ed anche se la guida del nostro naufragare è Chelsea Wolfe, è evidente quanto questa musica sia il frutto di una collaborazione, nel calore di una sala prove ingombrata da muri di amplificatori. Una vecchia amica alla batteria (Jess Gowrie) e il fidato Ben Chisholm impegnato in tutto il resto (oltre ad alcuni ospiti di eccellenza come Aaron Turner e Troy Van Leeuwen). Al di là delle ondate di distorsione e rumore generate dalla band, c'è un voce sospirata, un respiro trattenuto. Ma quando questo viene liberato, siamo letteralmente inghiottiti dalle voragini che si spalancano di fronte a noi e sembrano condurci nelle intime profondità della loro autrice.

[R.T.]

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Chelsea Wolfe – Hiss Spun

(Sargent House, 2017)

I turned up the volume, up to the point I thought the room would be saturated. But the depth of the sound layers of Hiss Spun is so high that you never see the bottom. I moved to the other side of the house. Diverted from the walls and channeled through the doors, Chelsea Wolfe voice seemed to come from another dimension. To develop itself, music needs space. Especially when its composers claim a physical and mental immersion in it. With the help of Kurt Ballou and Ben Chisholm, Chelsea Wolfe has created a three-dimensional space, able to change according to different listening methods, without losing its charm. Swimming in this ocean that feeds on gothic-industrial and post-metal fascinations, means letting yourself be carried away by the mermaid song of the Californian artist and floating everywhere she decides to take us, like jellyfish adrift in the current. At times it seems to have her beside whispering in one ear (like a sort of Pj Harvey dark side), in other moments we see her reflected and deformed behind a glass of effects and distortions. And even if the guide of our shipwreck is Chelsea Wolfe, it is clear that this music is the result of a collaboration, in the warmth of a rehearsal room cluttered with walls of amplifiers. An old friend on drums (Jess Gowrie) and the trustworthy Ben Chisholm engaged in everything else (in addition, some excellent guests like Aaron Turner and Troy Van Leeuwen). Beyond the waves of distortion and noise generated by the band, there is a sighed voice, a stifled breath. But when this is freed, we are literally engulfed by the chasms that open up before us and lead us into the intimate depths of their author.

[R.T.]

Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 28.10.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

 

Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 28.10.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

Nella (almeno per me!) sperduta campagna novarese si tiene l'unica data italiana di una delle band fondamentali del doom degli anni '90 - e non solo! - accompagnata da due bands che, con le loro diverse peculiarità, rappresentano le nuove leve e le nuove direttrici di questo genere.

I primi sul palco sono i portoghesi Sinistro. Una grande, emozionante, rivelazione. Capitanata da Patricia Andrade, alla voce e alla recitazione, la band di Lisbona cattura e catalizza lo spettatore. Le melodie doom, dai toni darkwave e dalle suggestioni che richiamano il Fado, prendono forma fisica grazie all'incredibile voce ed interpretazione della incontenibile front-woman. Se ogni colpo di batteria, così come ogni riff di chitarra, è potente e penetrante, altrettanto (e forse ancora di più) lo sono le linee vocali dell'istrionica cantante, che attraverso molteplici percorsi liberano tutto lo spettro espressivo della sua voce. Per chi non li conosce, un primo incontro sotto il palco potrebbe essere il classico colpo di fulmine!

Seconda volta in poco più di sei mesi per i Pallbearer, per confermarli come grande band, anche dal vivo. Così è stato! I 4 di Little Rock mi conquistano anche questa volta. La voce di Brett Campbell risuona potente e praticamente perfetta nella sua particolare timbrica, e si arrampica su tonalità sempre più alte, senza risentire minimamente della vertigine. Notevoli anche i cori e i controcanto di Holt e Rowland: rari nelle band odierne, soprattutto dal vivo. La scaletta è varia, e si sofferma poco sul nuovo - bellissimo - Heartless. Sembra strutturata per porre l'accento sull'onda emotiva e quasi "epica" che i loro riffs sono capaci di suscitare nell'ascoltatore, attraverso un doom che non è appiattito sui cliché del genere, ma che al contrario si nutre ed arricchisce di spunti quasi prog, di aperture dalle atmosfere quasi oniriche. Una band da ricercare dal vivo e da tenere d'occhio per i successivi album.

Ed infine i tanto attesi Paradise Lost. Tanto attesi sia per la band in sé, sia perché rientravano (fino a questo concerto!) fra quelle bands che per un motivo o per un altro non riuscivo mai a vedere dal vivo. Ero sicura che fosse una mancanza cui rimediare quanto prima. Adesso ne ho la certezza. Con 15 album studio all'attivo e una carriera - ormai - trentennale, i Paradise Lost sono a pieno titolo uno dei pilastri del Doom, soprattuto di quello con connotazioni Death e Gothic. Ma la band di Halifax non è solo un'icona della storia recente: il quintetto capitanato da Nick Holmes alla voce è vivo e vegeto e armonizza perfettamente il suo passato ed il suo presente. L'appena pubblicato Medusa e il suo diretto predecessore The Plague Within occupano insieme metà dell'incredibile scaletta di stasera, e si impongono per la loro potenza, il loro tiro e un cantato più aggressivo, graffiante e dalle tonalità più basse. Accanto a loro una selezione da quasi tutta la loro carriera (restano fuori solo i primi due album, Lost Paradise e Gothic), che brilla per la sua tragica e cristallina bellezza, e per il cantato drammatico e quasi recitativo di Holmes. Non è facile continuare ad essere attuali dopo 3 decadi, ed è ancor più difficile riuscire a far convivere dal vivo le varie evoluzioni di 3 decenni di musica. I Paradise Lost ci sono riusciti.

[E.R.]

 

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Paradise Lost + Pallbearer + Sinistro - 10.28.2017 - Phenomenon (Fontaneto d'Agogna, NO)

I travel to the (at least for me!) isolated Novara countryside for the only Italian tour date of one of the fundamental doom bands of the '90s - and not only! - supported by two bands that, with their different peculiarities, represent the new entities and new guidelines of this genre.

First on stage the Portuguese Sinistro. A great, exciting, revelation. Captained by Patricia Andrade, voice and acting, the Lisbon band captures and catalyses the audience. Doom melodies, with darkwave tones and Fado suggestions, take physical shape thanks to the incredible voice and interpretation of the irrepressible front-woman. If every drum shot, as well as any guitar riff, is powerful and penetrating, likewise (and perhaps even more) are the vocal lines of the histrionic singer, releasing all the expressive spectrum of her voice through multiple paths. For those who do not know them, a first encounter under the stage could be the classic love at first sight!

Second time in six months for Pallbearer, to confirm them as a great band, even live. So it was! The four of Little Rock enchant me also this time. Brett Campbell's voice sounds powerful and essentially perfect in its particular timbre, and climbs on ever higher tones, without the slightest of vertigo. Also outstanding are Holt and Rowland's choirs and counter melodies: rare in today's bands, especially live. The setlist is varied, and it focuses little on the new - beautiful - Heartless. It seems structured to emphasize the emotional and almost "epic" wave that their riffs are able to elicit in the listener through a doom that is not flattened on the clichés of the genre, but which on the contrary feeds and enriches itself with almost prog hints, with openings of almost dreamlike atmospheres. A band you should be looking for live shows and a band you should check out for the following albums.

And finally, the long-awaited Paradise Lost. So much for the band itself and because they were (up to this concert!) among those bands that for one reason or another I never managed to see live. I was sure it was a lack to fix as soon as possible. Now I'm sure. With 15 studio albums and a thirty-year-long career, Paradise Lost are one of the pillars of Doom, especially the one with Death and Gothic connotations. But the band from Halifax is not just an icon of the recent history: the quintet headed by Nick Holmes is alive and kicking and perfectly harmonizes its past and present. The newly released Medusa and its direct forerunner The Plague Within occupy half of the incredible setlist, and they stand out for their power, groove, and a singing which is more aggressive, scratching and on lower tones. Next to them a selection from almost all of their career (with the only exception of the first two albums, Lost Paradise and Gothic), which shines for its tragic and crystalline beauty, and for Holmes' dramatic and almost recitative singing. It is not easy to continue to be up-to-date after 3 decades, and it is even harder to be able to bring together live the various evolutions of 3 decades of music. Paradise Lost have succeeded in this task.

[E.R.]

 

Moon Duo – Occult Architecture Vol. 1

Moon Duo – Occult Architecture Vol. 1

(Sacred Bones Records, 2017)

Esperti viaggiatori (mentali), i Moon Duo. Stavolta ci accompagnano in un trip che inizia dopo il tramonto per concludersi quando il Sole sarà ben alto sopra le nostre teste. Dal buio profondo della notte, illuminato solo dai neon della metropoli, alla luce accecante del giorno. Il percorso di maturazione e trasformazione compiuto dalla band è un viaggio di pop psichedelico alchemico diviso in due volumi: Occult Architecture Vol. 1 e 2. Un viaggio che inizia dalle nebbie darkwave e si conclude nel cielo azzurro della neo-psichedelia. Lo Yin è il primo volume, registrato nella più dark delle città (Berlino) e pubblicato nel più freddo dei mesi (Febbraio). La droga (sintetica) generata dal gruppo è una musica caratterizzata da distorsioni fuzzose (disciolte in flanger liquidi) e da un labirinto di ritmi ossessivi che si inseguono, ipnotici, senza fine. In questa atmosfera claustrofobica tipicamente berlinese ci sono degli splendidi raggi di luce lunare: le melodie. Sono loro a rendere canzoni come Cold Fear e Will of the Devil delle autentiche perle di pop lisergico. Dream pop che diventa nightmare pop.

[R.T.]

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Moon Duo – Occult Architecture Vol. 1

(Sacred Bones Records, 2017)

Moon Duo: expert (mental) travellers. This time they take us on a trip that begins after the sunset to end when the Sun will be high above our heads. From the deep dark of the night, illuminated only by the neons of the metropolis, to the blinding light of the day. The path of growth and transformation carried out by the band is a journey of alchemic psychedelic pop divided into two volumes: Occult Architecture Vol. 1 and 2. A journey that begins with the darkwave fog and ends in the neo-psychedelic blue sky. Yin is the first volume, recorded in the darkest of the cities (Berlin) and published in the coldest of the months (February). The (synthetic) drug generated by the band is a music characterized by fuzzy distortions (dissolved in liquid flanger) and a labyrinth of obsessive, hypnotic, rhythms chasing one another endlessly. In this typically Berlin claustrophobic atmosphere, there are beautiful rays of lunar light: their melodies. They makes songs as Cold Fear and Will of the Devil authentic pearls of lysergic pop. Dream pop that becomes nightmare pop.

[R.T.]

Josefin Öhrn + The Liberation - Horse Dance

Josefin Öhrn + The Liberation - Horse Dance

(Rocket Recordings, 2015)

Quando salirono alla ribalta (fra la fine degli anni '60 e gli anni '80) le macchine fotografiche Polaroid raccolsero un grande successo per l’immediatezza con la quale le fotografie venivano sviluppate, direttamente tra le mani di chi le aveva scattate. Tecnologia futuribile alla portata di tutti. Adesso che le Polaroid sono diventate obsolete e che la condivisione in tempo reale di scatti  della nostra vita è la norma, le vecchie macchine per fotografie istantanee affascinano ancor di più, essendosi ammantate di un’atmosfera nostalgica. Per questo un’applicazione per smartphone come Instagram, che si basa sul taglio quadrato dell’inquadratura e su foto ritoccabili con filtri che simulano gli effetti dell’usura del tempo ha così tanto successo ultimamente. Horse Dance - album della svedese Josefin Öhrn e della sua band The Liberation - segue lo stesso principio di Instagram (guarda caso la foto di copertina, con il soggetto al centro, pare manipolata con l’applicazione in questione). La musica della band svedese recupera infatti, con senso nostalgico e vagamente malinconico, suoni e atmosfere del synth-pop/darkwave di inizio anni '80, oltre che del pop psichedelico di fine '60 e del krautrock dei 70, e lo rilegge nell’ottica del nuovo millennio, con la sensibilità di una band indie. Il senso di distacco dal presente è trasmesso con un incedere annoiato, pur essendo una musica pienamente inserita nella contemporaneità. Otto bozzetti pop in cui ripetizioni ipnotiche di synth e ritmiche pre-elettroniche ossessive di batteria si inseguono lungo le autostrade care ai Kraftwerk e ai Can, miscelandosi con accenni analogici (l’energia e il calore di una chitarra - ora riverberata, ora fuzzosa - e di un basso gommoso ed elastico). Il tutto mentre la voce sospirata, ipnotica, sensuale della Öhrn ci porta in territori sognanti e onirici. Il risultato è un bel disco psichedelico e caleidoscopico, affascinante come una vecchia Polaroid (o almeno come una bella foto rielaborata con Instagram!).

[R.T.]

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Josefin Öhrn + The Liberation - Horse Dance

(Rocket Recordings, 2015)

When they came into the limelight (between the late 60s and the 80s) Polaroid cameras gathered a great success for the immediacy with which photos were developed, right into the hands of those who shot them. Futuristic technology available to everyone. Now that Polaroid cameras have become obsolete and that the sharing of real-time shots of our life is the norm, the old machines for instant photographs have become even more fascinating, cloaked in a nostalgic atmosphere. This is why a smartphone app like Instagram, based on cut square framing and photos retouchable with filters simulating the effects of time wear, it is so successful lately. Horse Dance - album of the Swedish Josefin Öhrn and her band The Liberation - follows the same principle of Instagram (coincidentally, with the subject at its center, the cover photo seems manipulated by this app). Indeed, with a nostalgic, vaguely melancholy sense, the music of the Swedish band recovers the sounds and atmospheres of the eraly 80s synth-pop/darkwave, as well as the late 60s psychedelic pop and 70s krautrock, and it rereads it in the light of the new millennium, with the sensitivity of an indie band. The sense of detachment from the present is transmitted with a bored gait, despite being a music fully seated in the contemporary world. Eight pop sketches in which hypnotic synth repetitions and obsessive pre-electronic drum rhythms chase one each other along those highways dear to Kraftwerk and Can, mixing themselves with analog hints (the energy and warmth of a - now reverberated now fuzzy - guitar and a gummy elastic bass). All this while Josefin Öhrn hypnotic, sensual voice takes us intodreamy and dreamlike territories. The result is a beautiful psychedelic and kaleidoscopic album, charming as an old Polaroid (or at least as a nice picture reworked with Instagram!).

[R.T.]

Alcest - Kodama

Alcest - Kodama

(Prophecy, 2016)

Gelida mattina d’inverno, il Sole che splende tra i rami. Il bosco è addormentato sotto un sottilissimo strato di neve. La luce accarezza i cristalli di ghiaccio facendoli risplendere. Il fusto degli alberi libera il calore accumulato sciogliendo la neve intorno a sé. Assaporare la spiritualità di questo luogo, in silenzio. Questo è Kodama. Il quinto disco degli Alcest è un tributo agli spiriti degli alberi e alle loro voci risuonanti nel cuore delle foreste giapponesi. La delicatezza di una chitarra arpeggiata - malinconica, ma carica di speranza - fronteggia la furia dell’impetuoso vento black metal. Forza e fragilità si fondono in un bosco tanto intimo quanto maestoso e vasto. Non c’è mai oscurità. Neppure nei passaggi in cui le distorsioni travolgono tutto. La forza della Natura, per quanto incontenibile, non è mai oppressiva. Chiede solo il completo abbandono dentro di essa. Se nel disco precedente (Shelter) gli Alcest si erano gettati nelle melodie solari e delicate del dream pop e dello shoegaze, mettendo quasi completamente da parte il sottobosco metal dal quale erano nati, con Kodama si riallacciano al cammino intrapreso nei primi 3 album, all'intreccio di black metal, darkwave e shoegaze. Ma l’atmosfera evocata dalla musica del duo francese conduce ora l’ascoltatore dall’altra parte del mondo: in Giappone. Talvolta in modo esplicito, talvolta in modo più velato. Un Giappone fantastico, tra leggenda, spiritualità e sogno. In questo luogo dell’anima, dove i contrasti si equilibrano alla perfezione, è possibile sentire la voce degli spiriti degli alberi, che cantano nella foresta. Un canto meraviglioso, di totale e assoluta libertà. 

[R.T.]

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Alcest - Kodama

(Prophecy, 2016)

Frosty winter morning, the sun shining through the branches. The forest is asleep under a thin layer of snow. Light caresses the ice crystals making them shine. The trunks of the trees free the heat they stored melting the snow around them. Relish the spirituality of this place, in silence. This is Kodama. The fifth Alcest album is a tribute to the spirits of the trees and their voices resounding in the hearts of the Japanese forests. The lightness of an arpeggiated guitar - melancholic, yet full of hope - faces the fury of the impetuous black metal wind. Strength and fragility come together in a forest so intimate as majestic and vast. There is never darkness. Even in those passages where distortions overwhelm everything. Even though irrepressible, the force of Nature is never oppressive. It only asks the complete abandonment in it. If in the the previous album (Shelter) Alcest had thrown themselves into the solar delicate melodies of dream pop and shoegaze, putting almost completely aside the black metal undergrowth from which they were born, with Kodama they look - and go - back to the direction taken in theirs first three albums, to the interweaving of black metal, shoegaze and darkwave. But the atmosphere evoked by the music of the French duo now leads the listener to the other side of the world: in Japan. Sometimes explicitly, sometimes in a more veiled way. A fantastic Japan, made of legend, spirituality and dream. In this place of the soul, where contrasts are balanced to perfection, you can hear the voice of the spirits of the trees singing in the forest. A wonderful song, of absolute freedom.

[R.T.]

Swans + Anna Von Hausswolff - 05.11.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

Swans + Anna Von Hausswolff - 05.11.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

Un concerto degli Swans non è un "semplice" concerto: è "un'esperienza". Di quelle che lasciano il segno. Chi vi ha assistito sa quanto intensa ed estrema possa essere. L'occasione di viverla in teatro è assolutamente imperdibile. E lo è ancora di più se si pensa che la band è già destinata a stravolgere la propria formazione (e probabilmente il proprio stile) alla fine di questo tour, e che si trova alla conclusione di un ciclo - assolutamente straordinario - durato 7 anni.

Ad accogliermi nel Teatro Manzoni di Bologna, è la musica spirituale di Anna Von Hausswolff. La musicista svedese sale sul palco silenziosamente - quasi sommessamente - e prende per mano il pubblico, accompagnandolo in un viaggio attraverso luoghi gelidi e oscuri. Varchi di umanità si aprono però nel flusso cosmico generato dai tappeti di tastiere e synth, dagli arpeggi di chitarra grondanti di echi, nonché dalla sognante slide guitar di Christoph Hahn degli Swans. Questi varchi sono generati dalla calda e potente voce della Von Hausswolff, che sale lungo scale a chiocciola in un percorso che ricorda quello di Lisa Gerrard. Si rimane affascinati e si stenta a comprendere come tale forza luminosa riesca a stare tutta dentro a quella esile musicista, capace di trasformare il Teatro in “un mondo a parte” per tutta la durata del suo set. E dopo gli applausi finali rimane un grande senso di liberazione e pace che pochi artisti riescono ad offrire al proprio pubblico.

Liberazione e pace non appartengono invece a Michael Gira. Nonostante The Glowing Man - l'ultimo album degli Swans - offra qualche raggio di luce - come a voler tracciare un nuovo orizzonte - quello cui assisto dal vivo è pura negatività. L'estasi (annichilente e totalizzante al tempo stesso) che mi aveva sconvolto ed elettrizzato durante il concerto del 2013 si trasforma stasera in tensione, nervosismo e cattive vibrazioni. Le mostruose tempeste soniche che si abbattono sul pubblico stordiscono e spossano. Ogni spazio all'interno del teatro è divorato da volumi mastodontici e da muri di distorsione assolutamente spaventosi. C'è spazio per alcuni passaggi dal groove avvolgente e per ritmi schiaccianti come martellate, ma gran parte delle oltre due ore di concerto sono ingoiate da droni impenetrabili. Per chi è nelle prime file (come me) la massa sonora è davvero impressionante. Per lo più tratte dall'ultimo album, le canzoni sono ancor più dilatate e rumorose che su disco, e vengono alternate a mostruose creature inedite (come un impressionante oceano di distorsione di circa 40 minuti, che apre il concerto), dimostrando quanto Gira sia ancora intenzionato a sperimentare. Il musicista newyorkese è completamente estraniato dalla realtà e ormai è un tutt'uno con la sua musica, completamente rapito dalle onde elettriche che escono come colate laviche dagli amplificatori, e si scaglia a più riprese contro chiunque non riesca a seguire le sue direttive (che probabilmente è convinto di impartire per via telepatica). Oltre a qualche battibecco con i tecnici e con qualcuno del pubblico, se la prende con i suoi musicisti (soprattutto con bassista e batterista). Nonostante questi manipolino suoni e distorsioni con incredibile maestria (senza lo scheletro ritmico imposto dal bassista il flusso sonoro si perderebbe nel caos assoluto, e senza le divagazioni liquide del tastierista non ci sarebbe l'indispensabile imprevedibilità), Gira non pare soddisfatto dall'eccessiva libertà che i suoi musicisti si concedono. Completamente accecato dalla sua musica apocalittica (oltre che dal suo Ego) trasforma il concerto in una continua sfida tra se stesso e il resto del Mondo, utilizzando le distorsioni come vere e proprie armi. Una delle ultime battaglie prima della conclusione di questa formazione a nome Swans. Un'esperienza che lascia spossati ed esterrefatti, mai indifferenti. Genialità e follia. Questo è Michael Gira, prendere o lasciare.

[R.T.]

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Swans + Anna Von Hausswolff - 11.05.2016 - Teatro Manzoni (Bologna)

A Swans concert is not simply a "concert": it is an "experience". One of those experiences that leave their mark. Those ones who attended one of their concerts perfectly know how much intense and extreme it can be. The chance to live it inside a theatre is absolutely unmissable. Even more if one thinks about the fact that the band is going to upset its lineup (and possibly its style) at the end of this tour and that it is at the end of a - definitely amazing - 7 years long cycle.

It is Anna Von Hausswolff spiritual music to welcome me in Teatro Manzoni in Bologna. The Swedish musician gets on stage silently - quietly - and she joins hands with the audience, bringing it into a journey through cold and dark places. Yet gates of humanity opens into the cosmic flow generated by carpets of synths and keyboards, by dripping echoes guitar arpeggios, as well as by Christoph Hahn (Swans) dreamy slide guitar. These gates are generated by Von Hausswolff warm powerful voice, going up spiral staircases along a path reminiscent of Lisa Gerrard one. It is fascinating and it is hard to understand how such a bright force manages to be all inside that minute musician, capable of transforming the Theatre in "a World apart" for the whole duration of her set. And after the final applause there is an incredible sense of deliverance and peace that few artists are able to offer to their audience.

Deliverance and peace do not belong to Micheal Gira instead. Even though The Glowing Man - Swans latest album - offers some ray of light - as if to draw a new horizon - what I see in this live show is pure negativity. The (annihilating and totalizing at the same time) ecstasy that thrilled and upset me during their concert in 2013 tonight turns into tension, nervousness and bad vibes. The monstrous sonic storms striking the audience are stunning and exhausting. Every space in the theater is devoured by gigantic volumes and absolutely appalling walls of distortions. There is space for some captivating groovy phrasings and for hammering rhythms, but the greatest part of the concert is swallowed by impenetrable drones. For those in the first rows (like me!) the sound mass is really impressive. Mostly taken from the latest album, songs are even more dilated and noisy than on recordings and they alternate with monstruous unreleased creatures (as a striking 40 minutes long ocean of distorsions opening the concert), showing how much Gira is still willing to experiment. The New York musician is completely estranged from reality and he is definitely all one with his music, completely enraptured by the electric waves gushing out of the amps as pouring lava, and he  frequently inveighs against anyone who fails to follow his directives (possibly thinking he is imparting them telepathically). Besides quarrels with music engineers and someone in the audience, he also picks on his musicians (especially on drummer and bassist). Even though they handle sounds and distortions with amazing mastery (without the rhythmic skeleton imposed by the bassist the sonic flow would get lost in the absolut chaos, and without the liquid digressions of the keyboard player there would not be the necessary unpredictability), Gira does not seem satisfied by the excessive freedom to which his musicians indulge. Totally blinded by his apocalyptic music (as well as from his Ego), he turns the concert into a continuous challenge between himself and the rest of World, using distortions as veritable weapons. One of the last battles before the end of this lineup under the name Swans. An experience that leaves exhausted and stunned, never indifferent. Genius and madness. This is Michael Gira, take or leave.

[R.T.]

Desertfest Antwerp 2016 - Day 2

Desertfest Antwerp 2016 – Day 2

[Pentagram + Weedeater + Colour Haze + Årabrot + Giöbia + Purson + Wolvennest]

Dopo la pioggia della sera prima, un bel Sole primaverile ci accoglie nel giardino del Trix, in questa seconda giornata di Desertfest. Ma il Sole non splende certo dentro al Canyon Stage - palco situato al secondo piano, dall’aspetto di una discoteca rock piuttosto oscura - dove i Wolvennest inaugurano la nostra giornata musicale con un mix di darkwave, black metal atmoferico e psichedelia. Candelabri e teschi addobbano il palco, mentre i fumi dell’incenso invadono la stanza. Un colpo di teatro che richiama esplicitamente l’immaginario black metal, anche se la band belga utilizza le atmosfere glaciali del genere in combinazione con ritmiche rallentate, effetti spaziali e voci degne della darkwave più eterea. Al centro del palco, l’ipnotica presenza della cantante (nonché addetta a synth e tastiere) è il punto di convergenza della tempesta generata da 3 chitarre, perfettamente calibrate e avvolgenti. Una sorpresa decisamente affascinante che richiama i Wolves in the Throne Room e gli Oranssi Pazuzu, e che dimostra quanto questo festival non si limiti soltanto alle sonorità prettamente stoner e doom.

Con un balzo emotivo degno di un bipolare passiamo dal teatro gotico dei Wolvennest a quello colorato e gioioso dei Purson, che hanno appena iniziato ad esibirsi nel Desert Stage. Il loro rock multiforme e caleidoscopico trasmette una ventata di solarità in contrapposizione all’area plumbea respirata al piano superiore. Tecnicamente preparatissimi, i Purson si lanciano in surreali costruzioni progressive volutamente kitsch, ma mai ridondanti, anche se non così tanto psichedeliche come farebbero presagire i loro acidissimi album. Rosalie Cunningham (cantante e chitarrista) guida il gruppo lungo i suoi strepitosi saliscendi vocali, ricordando le grandi interpreti femminili di fine anni 60. A malincuore (visto che eravamo ormai rapiti dall’orgia di colori e note!) ci perdiamo gli ultimi minuti del loro concerto per passare al Vulture Stage, dove sta per esibirsi una gran band italiana.

La psichedelia dei Giöbia è completamente diversa rispetto a quella dei Purson: ipnotici brani strumentali focalizzati sul groove ossessivo di basso e batteria, su cui chitarra e synth si lasciano andare a divagazioni spaziali creando vere e proprie bolle di suono dal sapore shoegaze. Suoni decisamente migliori rispetto al concerto al Lo Fi di qualche mese fa, e una prestazione ricca di energia, inficiata solo da qualche problema tecnico su un paio di brani, nei quali sparisce la voce del cantante e il suono del suo bouzouki. La band milanese conferma di saper maneggiare il lato oscuro e ossessivo della psichedelia con naturalezza, come era balzato alle orecchie con il loro ultimo splendido album, Magnifier.

Sullo stesso palco seguono gli Årabrot. In contemporanea suonano Elder e Cough: dispiace davvero perderseli, ma i norvegesi sono una delle band che attendiamo con più trepidazione, dopo la pubblicazione dello straordinario The Gospel, e il loro concerto supererà perfino le nostre già alte aspettative. Da subito mostrano un incedere ancor più marziale che su disco, reinterpretando i brani in modo più scarno e scheletrico, e al tempo stesso più potente. Solenni come il loro post punk rumoroso richiede, ma anche folli (non solo per i copricapi assurdi che indossano, ma soprattutto per le pose e l’atteggiamento di Kjetil Nernes), sono un vero e proprio uragano in grado di catturare il pubblico con uno dei concerti più intensi dei tre giorni. Sbattuti dalle bordate dissonanti e dai rantoli di Nernes, con ancora nelle orecchie l’energia catartica di brani come Tall Man, usciamo dal Vulture Stage un po’ rapiti e sospesi, come dopo il concerto degli Yob.

La musica dei Colour Haze, nella quale ci immergiamo poco dopo entrando nel Desert Stage, è il perfetto contraltare alla prova di forza degli Årabrot. Sembra di essere entrati in una piscina termale da tanto ci sentiamo avvolti e coccolati dalle lunghe jam blues-psichedeliche della band tedesca. Dopo un inizio estremamente soft i suoni valvolari del trio mostrano tutto il loro calore, lasciandosi andare a riff desertici e sabbiosi. Lontani da qualsiasi teatralità (cui invece quest’oggi abbiamo assistito più volte), i tre suonano la musica genuina di chi non ha niente da dimostrare, ed è in pace con se stesso grazie ad una chitarra, un ampli valvolare, qualcosa da fumare e un bel panorama di libertà sterminata da contemplare. Le lunghe canzoni scorrono affascinanti, anche se prive di particolari sussulti, e lasciano solo sensazioni positive. Grande live per la band inserita in cartellone all’ultimo tuffo dopo la notizia dello scioglimento dei Graveyard.

I Weedeater (come suggerisce il nome) invece di fumare devono aver mangiato una torta con una concentrazione di hashish troppo elevata. La loro musica è infatti sporca, marcia e ubriaca (non a caso il cantante/bassista Dave “Dixie” Collins sventola continuamente con orgoglio una bottiglia di Jack Daniel’s). Il loro stoner doom fangoso odora di muffa e umidità, e la voce stridente di Dixie trasmette le cattive vibrazioni del dopo-sbornia. Nonostante siano evidentemente dei pazzi (il batterista si diletta a suonare il charleston prendendolo a calci) suonano decisamente bene. Il loro sludge basso-centrico è una sequela di riffs gonfi dal groove rallentato, molto dinamici e coinvolgenti. Solo 45 minuti di live, ma davvero bestiali!

Chiudiamo la serata andando a far visita ai nonni del doom metal. Sul Desert Stage salgono infatti i Pentagram. La lezione di storia che ci impartisce la band americana non ha niente di accademico e impolverato: infatti Bobby Liebling e Victor Griffin (i due membri storici della band) hanno energia da vendere e ancora idee da proporre - come dimostrano i brani più recenti. Liebling, oltre ad esaltare il pubblico con le sue assurde espressioni facciali e con il suo look assolutamente improbabile, ha ancora una gran voce, così come Griffin si dimostra un grandissimo chitarrista. È il tempo della rivincita: dopo anni in cui sono stati relegati nell’underground più profondo dell’heavy metal, ora viene loro riconosciuto il dovuto status di padri fondatori di uno dei generi ultimamente più in voga nell’ambito della musica pesante. Con la distruzione completa del palco e degli strumenti - in puro stile rock n’ roll! - si conclude questa seconda, intensa, giornata di festival.

[E.R.+R.T.]

 

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Desertfest Antwerp 2016 – Day 2

[Pentagram + Weedeater + Colour Haze + Årabrot + Giöbia + Purson + Wolvennest]

After the rain of the night before, on this second day of Desertfest a nice spring sun greets us in the Trix garden. But the sun does not certainly shine inside the Canyon Stage - the stage on the second floor which looks like a rather dark rock disco - where Wolvennest inaugurate our musical day with a mix of darkwave, atmospheric black metal and psychedelia. Candlesticks and skulls decorate the stage, while the incense fumes invade the hall. A coup de théâtre which explicitly recalls black metal imaginary, although the Belgian band uses the glacial atmospheres typical of that genre in combination with slow rhythmics, space rock effects and vocals worthy of the most ethereal darkwave. At the center of the stage, the hypnotic presence of the singer (as well as mistress synths and keyboards) is the focal point of the storm generated by three perfectly calibrated and enveloping guitars. A quite charming surprise, recalling Wolves in the Throne Room and Oranssi Pazuzu, and showing how this festival is not limited only to purely stoner, psychedelic and doom sounds.

With an emotional leap worthy of a person suffering from bipolar disease, we pass from Wolvennest gothic theatre to Purson colorful and joyous one, on the Desert Stage. Their multifaceted kaleidoscopic rock transmits a breath of sunshine in contrast to the oppressive air breathed upstairs. Technically faultless, Purson launch themselves into surreal progressive constructions - deliberately kitsch, but never redundant - although not as much psychedelic as their super-acid albums would suggest. Rosalie Cunningham (singer and guitarist) leads the band along her ultra-versatile resounding voice, reminiscent of the great female performers of the late 60s. Reluctantly (since we were now enraptured by the orgy of colors and notes!) we lose the last minutes of their concert to move to Vulture Stage, where a great Italian band is about to perform.

Giöbia psychedelia is completely different from Purson one: hypnotic instrumental songs focused on the obsessive groove of drums and bass, on which guitar and synth go wild in space ramblings, creating shoegaze-tasted sonic bubbles. Sounds are definitely better than those heard at Lo Fi concert a few months ago, and there is a plenty of energy, affected only by some technical problems on a couple of tracks in which - unfortunately! - vocals and sound bouzouki literally disappear. The band from Milan confirms to be able to manage the dark and obsessive side of psychedelia in the most natural way as you can hear in their last, wonderful, album - Magnifier.

Then Årabrot, on the same stage. Simultaneously Elder and Cough play on the other two stages: it is really a shame to miss their shows, yet the Norwegian band is one of those we were waiting for with more trepidation, after the release of the extraordinary The Gospel - and their live show will exceed even ours highest expectations. From the very beginning they show a pace even more martial than on record, reinterpreting their songs in a more gaunt and skeletal, yet even more powerful, way. Solemn as their noisy post-punk requires, but also crazy (not only for the absurd headgear they wear, but especially for Kjetil Nernes attitude and poses), they are a real hurricane able to capture the public with one of the most intense concerts of these three days. Beaten by dissonant shots and by Nernes death rattles, with the cathartic power of songs like Tall Man still present in our ears, we leave the Vulture Stage a little enraptured and suspended, in the same way we did after Yob concert.

Colour Haze music, in which we immerged ourselves entering Desert Stage, is the perfect counterpart to the Årabrot violent attack. It seems to be entered into a thermal pool as much we feel wrapped and cuddled by the long blues-psychedelic jams of the German band. After an extremely soft start the tube sounds of the trio show all their warmth, indulging in desertic and sandy riffs. Far away from any theatricality (which instead today we have witnessed several times), the three play the genuine music of those who have nothing to prove, being at peace with themself thanks to a guitar, a tube amp, something to smoke and a beautiful view of endless freedom to contemplate. The long songs flow fascinating and leave only positive feelings. Great live show for the band included on the bill only in the last days after the news of the Graveyard split!

Instead of smoking Weedeater (as the name suggests) did probably eat a cake with a too high concentration of hashish. Indeed, their music is dirty, rotten and drunk (the singer / bassist Dave "Dixie" Collins constantly and proudly waves a bottle of Jack Daniel's in the air). Their sludgy stoner doom smells like mildew and damp, and Dixie shrill voice transmits the bad vibrations of the hangover. Although they are obviously insane (drummer has a lot of fun in playing the hi-hat by kicking it), they play amazingly well. Their bass-centric sludge is a sequence of swollen riffs with a slow groove, very dynamic and engaging. Only 45 minutes of live, but really brutal!

We conclude the evening going to visit doom metal grandaddies. Pentagram hit the Desert Stage. The history lesson given by the American band is not academic and dusty: indeed Bobby Liebling and Victor Griffin (the two core members of the band) have got a huge amount of energy to spare and even ideas - as their most recent songs prove. Not only entertainer of the audience with his bizarre facial expressions and his absolutely unlikely apparel, Liebling still has got a great voice, as well as Griffin proves to be a great guitarist. It is the time of revenge: after years in which they were deeply confined in the underground of heavy metal world, now they are recognized as the founding fathers of one of nowadays more appreciated genres in the field of heavy music. With the complete destruction of the stage and the instruments - in pure rock n' roll style! - it ends this second (intense) day of the festival.

[E.R.+R.T.]