Crystal Fairy - Crystal Fairy

Crystal Fairy – Crystal Fairy

(Ipecac Recordings, 2017)

Con il suo tipico senso dell’ironia, Buzz Osborne dice di non concepire chi si limita a lavorare 8 ore al giorno, gettando il resto della giornata in futili passatempo. Per quanto questa sia una delle sue tipiche prese per il culo, è innegabile che Buzz sia uno stakanovista spaventoso. Prima o poi la sua strada doveva incrociarsi con quella di Omar Rodriguez-Lopez, una delle poche persone in grado di stargli alla pari. Questa collaborazione necessita di altri musicisti anfetaminici, a conoscenza dei ritmi di lavoro imposti dai due capelloni con il cespuglio in testa. Ecco che Dale Crover e Teri Gender Bender (Le Butcherettes) entrano in catena di montaggio. In un disco in cui Omar suona il basso come una chitarra, i due Melvins macinano come schiacciasassi e Teri sbraita come una pazza nevrotica, si capisce subito quanto questi quattro siano tutt’altro che semplici operai del rock alternativo obbligati a timbrare un cartellino. La loro passione per ciò che fanno si percepisce dall’energia che sgorga incontenibile da ogni crepa aperta nella struttura delle canzoni, le quali - per quanto diritte e sparate in faccia - sono incapaci di contenere la frenesia di questi musicisti, e suonano costantemente in bilico tra tensione ed esplosione. In particolare la vena lunatica di Teri è perfetta rappresentazione di questi contrasti e, sotto il vestito da isterica riot grrrl, in realtà nasconde un lato perversamente sensuale (quasi dark) oltre che una versione luciferina di Robert Plant. Le melodie, la cui imprevedibilità è merito soprattutto di Teri, hanno quel sapore allucinogeno che si assaggia nel bel mezzo dei sogni (o degli incubi); i riff, massicci e pesanti, possiedono la potenza dei Melvins dell’epoca Houdini e Stoner Witch. Lavorare tanto mantiene giovani. Sempre che, come lavoro, si faccia il rocker.

[R.T.]

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Crystal Fairy – Crystal Fairy

(Ipecac Recordings, 2017)

With his usual sense of irony, Buzz Osborne says he does not conceive the ones who work only 8 hours a day, throwing the rest of the day into a futile hobby. Although this is one of his typical mockery, it is undeniable that Buzz is an incredible workaholic. Sooner or later his path has to cross with Omar Rodriguez-Lopez's one, one of the few people who can keep up with him. This collaboration requires other hyper musicians, aware of the work pace imposed by the two bushy heads. Here Dale Crover and Teri Gender Bender (Le Butcherettes) come into the production line. On a record in which Omar plays the bass as a guitar, the two Melvins grind as a steamroller and Teri screams like a mad neurotic, it is clear that these four are not simple workers of the alternative rock world forced to clock in. The passion for their job is perceived thanks to the energy flowing uncontrollable from any crack in the structure of the songs, which - however direct and explosive - are unable to contain the energy of these musicians and constantly sound in balance between tension and explosion. Particularly, Teri's lunatic mood is a perfect representation of these contrasts, and under the hysterical riott grrrl dress, she actually conceals a perverse sensual (almost dark) side, as well as a luciferin version of Robert Plant. The melodies, whose unpredictability is mainly due to Teri, have that hallucinogenic flavour that is felt in the midst of dreams (or nightmares); massive and heavy riffs own the power of Melvins of Houdini and Stoner Witch era. Working so much keeps young. Well, as a job, you do the rocker.

[R.T.]

Dead Cross - Dead Cross

Dead Cross - Dead Cross

(Ipecac Recordings, Three One G, 2017)

Giunto alla soglia dei 50 anni, Mike Patton continua a mostrare evidenti sintomi di quella sindrome di Peter Pan che può ormai essere definita incurabile. Quando il suo compagno di giochi (e di  Fantômas) Dave Lombardo lo ha contattato per unirsi a lui nel suo nuovo giocattolo, i Dead Cross, Mike ha nascosto le sue t-shirt hardcore tra i libri di scuola, ed è scappato di casa, zaino in spalla, su uno skateboard, di soppiatto dalla mamma. L'amico Dave lo ha portato sulla cattiva strada presentandogli due compagni di gioco pesantemente dipendenti dalla violenza sonora: Mike Crain e Justin Pearson (quest'ultimo anche bassista dei The Locust). Arrivato in sala prove Mike ha trovato un giocattolo già avviato, con canzoni già pronte, ma si è subito divertito a sostituire le linee vocali composte dal precedente cantante (Gabe Serbian). Così Mike è ricaduto nel vecchio vizio di pestare pesante, come ai tempi della sua collaborazione con i Dillinger Escape Plan. Il risultato di questa gang di teppistelli cresciutelli è un disco folle e ultraviolento nel quale le sghembe e deliranti melodie pattoniane donano una tetra atmosfera da film horror in un chainsaw massacre tipicamente splatter di sfuriate thrash metal e marcissimi riff hardcore. La nebbia plumbea di Bela Lugosi's Dead dei Bauhaus è il momento di "respiro" in un disco che per il resto corre a mille all'ora (straordinaria la prestazione di Lombardo), come un sedicenne con la maglia dei DRI su uno skateboard. Se l'età non consente a Patton grandi acrobazie sullo skate (come dimostra il recente incidente con la tavola), questa non inficia minimamente la sua "giovinezza artistica", degna infatti di un teenager carico di ormoni. Mike si dimostra infatti il perfetto compagno di giochi per i Dead Cross, che si sono divertiti a comporre una musica folle, adrenalinica ed esaltante.

[R.T.]

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Dead Cross - Dead Cross

(Ipecac Recordings, Three One G, 2017)

Almost at the age of 50, Mike Patton continues to show obvious symptoms of Peter Pan's syndrome, which can now be considered incurable. When his playmate (and Fantômas-mate) Dave Lombardo contacted him to join him in his new toy, Dead Cross, Mike hid his hardcore t-shirts among school books and ran away from home, with his backpack, on a skate. His friend Dave led him down a bad road, introducing him to two playmates heavily addicted to sound violence: Mike Crain and Justin Pearson (the latter also bassist of The Locust). Arrived in the rehearsal room Mike found an already launched toy, with songs already written, but he immediately enjoyed replacing the vocal lines composed by the former singer (Gabe Serbian). So Mike has fallen again into the old habit of ultra heaviness like at the time of his collaboration with Dillinger Escape Plan. The result of this gang is a crazy and ultra-violent album, in which Patton crooked and delirious melodies give a horror movie gloomy atmosphere to a typically splatter chainsaw massacre made of thrash metal angry outbursts and super-rotten hardcore riffs. The plumbee mist  of Bauhaus' Bela Lugosi's Dead is the only moment to "have a breathe" in a record that runs a thousand per hour (extraordinary performance of Lombardo), like a teenage with the DRI t-shirt on a skate. If age does not allow Patton big tricks on the skateboard (as his recent skate accident shows), this does not affect his "artistic youth", which is worthy of a teen full with hormones. Mike is the perfect playmate for Dead Cross, who had fun composing crazy, fast-paced and exalting music.

[R.T.]

Kaada/Patton - Bacteria Cult

Kaada/Patton - Bacteria Cult 

(Ipecac Recordings, 2016)

Se esiste un musicista rock che da sempre concepisce la sua musica come colonna sonora di un film immaginario, questo è Mike Patton. Il suo amore per il cinema di genere lo ha portato negli anni a destrutturare e ricomporre il rock con forme sempre imprevedibili, ma è in alcuni progetti in particolare (come nella sua collaborazione con il compositore norvegese John Erik Kaada) che Patton si rifà al cinema in modo esplicito, e non solo concettuale. Il rapporto tra i due riprende vita dopo anni nei quali Patton ha effettivamente sperimentato nel campo delle colonne sonore e il risultato di questo rinato sodalizio è legato ai lavori dei grandi compositori votati alla settima arte (Morricone in primis) in modo ancora più evidente rispetto al passato. Bacteria Cult ripercorre la strada di Romances (primo disco del duo, pubblicato nel 2004) ma ne attenua alcune spinte surreali per spingersi verso lidi più soffusi ed eterei. I raffinati arrangiamenti orchestrali imbastiti dal norvegese sono la pellicola sulla quale Patton non gioca (per una volta) il ruolo del protagonista al centro della scena, ma quello di un attore apparentemente secondario (in realtà fondamentale, e sempre presente). Siamo immersi nella nebbia di un film giallo-noir, con melodie vagamente oniriche che appaiono e scompaiono senza indicare una direzione da seguire. Talvolta un fascio di luce, dal sapore epico, sembra prepararci al gran finale. Ma poi ci ritroviamo di nuovo disorientati, avvolti da un fumo che nasconde la trama, e trasforma l’intera opera in un sogno felliniano. 

[R.T.]

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Kaada/Patton - Bacteria Cult 

(Ipecac Recordings, 2016)

If there is a rock musician who has always conceived his music as a soundtrack to an imaginary film, this is Mike Patton. His love for 60s-70s giallo-horror-poliziottesco-western cinema has led him to deconstruct and reconstruct rock through always unpredictable ways, yet it is especially in some projects (as in his collaboration with the Norwegian composer John Erik Kaada) that Patton refers to movies explicitly, and not only in a conceptual attitude. The relationship between the two comes back to life after years in which Patton has actually experienced in the field of soundtracks and the result of this reborn partnership is linked to the works of the great composers devoted to the seventh art (Morricone in particular) with even more evidence than in past. Bacteria Cult retraces the road traveled by Romances (Kaada/Patton first album, released in 2004), but it mitigates some of its surreal impulses in order to move towards more subdued and ethereal shores. The refined orchestral arrangements basted by the Norwegian musician are the film on which Patton does not play (for once) the role of the protagonist in the middle of the scene, but that of a seemingly supporting actor (actually fundamental and always present!). We are immersed in the fog of a giallo-noir, with vaguely dreamlike melodies, appearing and disappearing without indicating a direction to follow. Sometimes a beam of light, with an epic pace, seems to be preparing us for the grand finale. But then we find ourselves again disoriented, surrounded by a smoke which hides the plot and transforms the whole album in a Fellinian dream.

[R.T.]

Faith No More - Sol Invictus

Faith No More - Sol Invictus

(Reclamation! Recordings, Ipecac Recordings, 2015)

Ho aspettato questo album senza cedere alla tentazione di ascoltarlo prima della sua uscita ufficiale. 

Ho aspettato questo album con un misto di ansia e scaramanzia, perché credo sempre moooolto poco alle reunion, e quella di uno dei miei artisti preferiti con la sua band più famosa mi faceva tremare non poco.

Ma il primo ascolto ha subito diradato le nebbie dei dubbi e delle paure.

Ho aspettato dei mesi prima di parlare di questo disco – per non cadere nei facili entusiasmi, per capire quanto mi piaceva con l’assommarsi degli ascolti e col passare del tempo, per non rischiare di scrivere delle righe da fan incallita (e spero, adesso, di riuscirci!).

Due giorni fa, mentre tornavo in auto dal Casentino, mentre il sole tramontava ed inondava colline e montagne di una luce arancione stupenda e ascoltavo nuovamente Sol Invictus ho finalmente capito quello che potevo scrivere sull’ultima uscita di Patton e soci.

Il titolo è ambizioso, richiama direttamente il Dio Sole Invitto – che è qualcosa di pagano, di ancestrale, ma assimilato e trasformato anche dal Cristianesimo (vedi il Natale appena lasciato alle spalle) – e forse in questo modo scandisce a chiare lettere che i Faith No More ci sono ancora con tutta la loro essenza. Imbattuti. Divi. Grandi musicisti. E semplicemente – dopo una lunga pausa – sono tornati insieme per fare quello che di meglio sanno fare: musica che è espressione della loro irriverenza, della loro epicità, della loro vena malinconica, del loro “fancazzismo”, della loro ironia e al tempo stesso della loro “serietà”. 

Non ti diranno mai il perché del titolo, e non ci sarà mai una spiegazione “definitiva” dietro i testi delle loro canzoni. Inutile sondare questi territori. Quello che conta è che le 10 canzoni che compongono Sol Invictus sono un susseguirsi di emozioni e stati d’animo disparati, che compongono un unico quadro che si lascia attraversare e attraversa l’ascoltatore con immediatezza ed estrema facilità. Matador è per me l’apice. Quasi una Innuendo (!) nella sua struttura a suite, nel suo alternarsi di pieni e vuoti, nella maestosità del finale.

And that’s all folks! ;)      

[E.R.]

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Faith No More - Sol Invictus

(Reclamation! Recordings, Ipecac Recordings, 2015)

I had been waiting for this album without surrendering to the temptation to listen to it before its official release.

I had been waiting for this album with a mixture of anxiety and superstition, because I do not trust in reunions and I was almost scared of the idea of a reunion of one of my favourite artist with his most famous band.

But the first listening immediately scattered all the shadows, dispelling every doubt.

I had been waiting several months before deciding to write something about this album: I did not want to take the risk to be prey to easy enthusiasm and I did want to really understand how much I like it as I continued to listen to it through time. I did not want to seem an inveterate fan (and I really hope to succeed in this aim, now!).

Two days ago, as I was driving back home saying goodbye to Casentino, as sun was setting covering all mountains and hills with its orange bright light and I was listening to Sol Invictus, I finally realized what I could have written about the latest work of Patton and co.

The title is ambitious, it directly refers to the Undefeated God Sun – something pagan, something ancestral, yet something which even Christianity assimilated and made it its own (let’s think about Christmas, just few days ago) – and maybe in this way it clearly marks the fact that Faith No More are still here with their essence still intact. Undefeated. Stars. Great musicians. After a long break, they simply got together once again to do what they do best: music which is expression of their irreverence, of their being epic, of their melancholic part, of their light-hearted nature, of their irony and – at the same time – of their seriousness.

They would never tell you why they chose that title, and there would never be a “definite” explanation of the meaning of their lyrics. Useless to probe these territories. What really matters is that the 10 songs of Sol Invictus are a collection of the more diverse feelings and emotions, with the final result of a picture that can be penetrated and penetrates the listener with immediacy and extreme ease. In my personal opinion Matador is the apex of this opus. Almost an Innuendo (!) in its suite-like structure, in its alternation of full and empty, in the majesty of its final.

And that’s all folks! ;)

[E.R.]