Lee Ranaldo - 13.09.2018 - Lumiere (Pisa)

Lee Ranaldo - 13.09.2018 - Lumiere (Pisa)

Immagini, per lo più sgranate. Suoni, per lo più noise e lavorati. Parole, un fiume di frammenti personali. Il risultato? Più di due ore di videoproiezioni, concerto e chiaccherata con un musicista che è parte della storia della musica, che insieme a Kim Gordon, Thurston Moore e Steve Shelley ha fondato un genere musicale seminale, che ha registrato sotto major e ha suonato nelle più grandi arene in tutto il mondo, e - a 60 anni - ti guarda con due occhi enormi da bambino, dal palco di un piccolo storico ex cinema, in una piccola città dello stivale, e ancora ti emoziona e ti sorprende. Perché le canzoni da solista di Lee Ranaldo sono poesie messe in musica. Hanno la bellezza e semplicità delle filastrocche. E al tempo stesso la potenza e la profondità di un background musicale (passato e presente) come pochi altri possono vantare. La modulazione e trasformazione della materia sonora sono impressionanti: con "soltanto" la sua chitarra, gli effetti, l'archetto, le bacchette della batteria, le campanelle tibetane e lo smartphone, Lee Ranaldo riempe tutto il palco e tutta la sala. E' uno, ma potrebbe essere un'intera band. Non manca niente. L'altro elemento che colpisce, è la sua voce. Diversissima da come si è abituati a sentirla negli album dei Sonic Youth, dal vivo - ancor più che su disco - colpisce per la sua pienezza e purezza, per quella nota solo a tratti malinconica, più spesso sognatrice, con cui dà vita ai suoi testi.

Se la scaletta del concerto è tutta incentrata sul suo ultimo album (Electric Trim) - aprendosi con la stupenda Moroccan Mountains e concludendosi con l'altrettanto intensa Thrown over the Wall - la prima e l'ultima parte del set spaziano invece su ciò che Lee Ranaldo è stato e su ciò che potrebbe/vorrebbe essere in futuro. Le video proiezioni si aprono con Glenn Branca (fra i principali motori della no wave newyorkese) e nella loro totalità si concentrano su un'idea, che è commistione di arte e musica, ricerca del rumore e del suono come espressione di uno stato dell'anima, di un sentire che diventa materia tangibile, da vedere ed ascoltare. La chiaccherata verte (inevitabilmente?) sui Sonic Youth, e su cosa hanno rappresentato e rappresentano ancora per Lee Ranaldo. Ma si sofferma anche sulle sue origini come artista visuale (mai abbandonate) e sulle ricerche e attività musicali presenti. Sulla carriera solista e sulla lavorazione del prossimo album. Sembra annullato il confine fra palco e platea. Sembra che potresti continuare ad ascoltarlo - e a parlarci - all'infinito. E forse potrebbe davvero essere così. Di fatto, alla fine di tutto, Lee Ranaldo è nell'ingresso a fare due parole con tutti quelli che vogliono fermarsi un attimo. Autografa libri e scambia battute. Ed invita anche chi ne ha voglia ad accompagnarlo a fare un giro in Piazza dei Miracoli.

Ok, è evidente. Così come sono una grande fan dei Sonic Youth, lo sono altrettanto di Lee Ranaldo. In realtà il mio entusiasmo è frutto della mia sorpresa. Da un musicista come lui ti aspetti sicuramente un bel concerto e una bella performance. Ma quello a cui ho assistito è stato qualcosa di più. E' un po' il sogno "romantico" di chi vorrebbe che un artista fosse ancora un essere umano, pieno di entusiasmo e voglia di sperimentare e comunicare, anche dopo quasi quarant'anni di carriera e dopo il successo mondiale. Questo è quello che è accaduto ieri sera, per me. Ed è un'esperienza davvero rara e preziosa.

[E.R.] 

  

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Lee Ranaldo - 09.13.2018 - Lumiere (Pisa)

Images, mostly grainy. Sounds, mostly noisy and processed. Words, a river of personal fragments. The outcome? More than two hours of video projections, concert and chat with a musician who is part of the history of music, who together with Kim Gordon, Thurston Moore and Steve Shelley founded a seminal music genre, who recorded under majors and played in the biggest arenas all over the world, and - at the age of 60 - looks at you with two huge eyes as a child, from the stage of a small historical former cinema, in a small town of the Italian boot, and still moves you and surprises you. Because Lee Ranaldo's solo songs are poems set to music. They have the beauty and simplicity of nursery rhymes. And at the same time the power and depth of a (past and present) musical background as few others can boast. Modulation and transformation of the sound matter are impressive: with "only" his guitar, the effects, the bow, the drumsticks, the Tibetan bells and the smartphone, Lee Ranaldo fills the whole stage and the whole hall. He is one, but it could be an entire band. Nothing is missing. The other striking element is his voice. Really different from how we are used to hearing it in Sonic Youth albums, live - even more than on record - it is impressive for its fullness and purity, for that only at times melancholic, more often dreamy, note with which he gives life to his lyrics.

If the setlist of the concert is all focused on his latest album (Electric Trim) - opening with the beautiful Moroccan Mountains and ending with the equally intense Thrown over the Wall - the first and the last part of the set range instead from what Lee Ranaldo was to what he could/would like to be in the future. Video projections open with Glenn Branca (among the main driving forces of New York no wave) and in their entirety they focus on an idea, which is a mixture of art and music, research of noise and sound as an expression of a state of the soul, of a feeling that becomes tangible matter, to be seen and heard. The chat is (inevitably?) about Sonic Youth and what they represented and still represent for Lee Ranaldo. But he also dwells on his (never abandoned) origins as a visual artist and on present musical researches and activities. On his solo career and on the making of the next album. The boundary between stage and audience seems to have been canceled. It seems you could continue to listen to him - and talk to him - endlessly. And maybe it could really be like this. Indeed, at the end of it all, Lee Ranaldo is in the hall talking with everyone who wants to stop with him for a moment. He autographs books and makes small chats. And he also invites people to accompany him to Piazza dei Miracoli to see the leaning tower.

Well, it's evident. As I am a big fan of Sonic Youth, so I am of Lee Ranaldo. To be honest, my enthusiasm is the result of my surprise. From a musician like him you surely expect a great concert and a great performance. But what I witnessed was something more. It is a bit like the "romantic" dream of those who would like an artist to be still a human being, full of enthusiasm and desire to experiment and communicate, even after almost forty years of career and after worldwide success. This is what happened last night for me. And it is a truly rare and precious experience.

[E.R.]

John Garcia - The Coyote Who Spoke in Tongues

John Garcia - The Coyote Who Spoke in Tongues

(Napalm Records, 2017)

Esistono dischi perfetti per determinate occasioni. Io ho trovato il disco perfetto per quelle sere primaverili in cui, uscito da lavoro stanco morto, me ne torno verso casa con la luce del tramonto negli occhi. In una pianura asettica e triste, il Sole rosso che colora le gigantesche strutture delle pale eoliche è una visione a suo modo romantica. Perfetta da abbinare alla musica acustica di The Coyote Who Spoke in Tongues. John Garcia dona nuova luce e nuova vita a classici dei Kyuss (Green Machine, Space Cadet, Gardenia, El Rodeo) tanto perfetti da escludere la possibilità di un loro diverso arrangiamento. Dando loro una nuova veste, invece, Garcia riesce a trasmettere la meravigliosa sensazione provata tanti anni fa ascoltandoli per la prima volta. E, ad esempio, una Green Machine intima e avvolgente stupisce chi la conosceva come una schiacciasassi. Ma anche i brani inediti emozionano grazie alla splendida atmosfera desertica, accentuata da un Garcia che si lancia sulle note alte (come se le sue corde vocali fossero diventate quelle di Cedric Bixler Zavala), mentre la chitarra disegna i contorni del Grand Canyon con un blues rock caldissimo. Sembra di aver intravisto un nuovo orizzonte oltre il quale il Sole rosso possa andare a tuffarsi. E io, nelle sere di primavera, mi faccio guidare da lui, disperso nel deserto ai confini del Messico, alla ricerca di uno sciamano strafatto di peyote.

[R.T.]

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John Garcia - The Coyote Who Spoke in Tongues

(Napalm Records, 2017)

Certain albums are perfect for certain moments. I found the perfect album for those spring evenings when, coming out from work  tired, I drive back home with the sunset light in my eyes. In an aseptic and sad plain, the Red Sun colouring the giant structures of wind turbines is a sort of romantic vision. Perfect to match the acoustic music of The Coyote Who Spoke in Tongues. John Garcia gives new light and new life to Kyuss classics (Green Machine, Space Cadet, Gardenia, El Rodeo) so perfect to exclude the possibility of their rearrangement. By giving them a new "dress", instead, Garcia can convey the wonderful feeling experienced many years ago by listening to them for the first time. And, for example, an intimate captivating Green Machine amazes those who knew it as a steamroller. But even the brand new songs strike a chord through the stunning desert atmosphere accentuated by Garcia singing on high notes (as if its vocal cords had become Cedric Bixler Zavala ones), while the guitar draws the outlines of the Grand Canyon with its burning blues rock. On spring evenings, I let myself to be driven by him, lost in the desert on the borders of Mexico, in search of a peyote stoned shaman.

[R.T.]

Nick Oliveri - 25.02.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

Nick Oliveri - 25.02.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

Il tour solista di Nick Oliveri deve essere una prescrizione medica del suo psicoanalista, secondo me. Suonare, suonare, suonare. Sempre. Anche quando le sue (innumerevoli) band sono a riposo. Mai lasciare accumulare energia troppo a lungo. Mai fermarsi. La terapia prevede una serie di concerti acustici, in cui magari Nick possa dar sfogo alla sua adrenalina in modo più controllato, consapevole e autolimitante. Il medico, però, non ha fatto i conti col suo paziente. Anche una chitarra acustica e un locale minuscolo riescono a liberare in modo irrazionale e prorompente la sua energia. Nessuno si aspetti quindi brani riarrangiati per l’occasione, scaletta studiata razionalmente e meticolosamente, esecuzione formalmente perfetta. Né tantomeno candele, sgabello e atmosfera intima da Mtv unplugged. A parte alcuni brani dei Queens of the Stone Age (Auto Pilot, Another Love Song) che si prestano meglio alla rilettura acustica - e che suonano davvero emozionanti, mostrando il lato più “sensibile” di Nick - per il resto siamo travolti dalla furia di un concerto punk suonato solo con un microfono e una chitarra acustica. Nick parte a briglia sciolta urlando fino ad ingoiare il microfono, con le vene del collo pronte ad esplodere, e si diverte come un matto. Non si accorge che dietro di lui non c’è nessuna band ad accompagnarlo e che non ha un distorsore tra i piedi. Anzi, pare proprio a suo agio nel non nascondere la sua energia dietro un muro di distorsione. La voce - sempre potente, sporca e rabbiosa - è ciò che tiene in piedi il lato musicale del suo show, nel complesso certamente non impeccabile. Perché di show si tratta, più che di concerto. Uno show in cui lo scambio con il pubblico è continuo (al punto da invitare qualcuno del pubblico a suonare la chitarra su Feel Good Hit of the Summer per consentirgli di cantare in libertà) e le bevute offerte (e ricambiate) sono innumerevoli. Forse lo scopo terapeutico del tour è stato raggiunto. Non grazie all’autocontrollo che un concerto acustico solista avrebbe potuto determinare (la serata si conclude con Nick tarantolato che sbraita i versi di Six Shooter “a cappella” – definizione sua) , ma certamente grazie ad un notevole approfondimento delle relazioni e dei rapporti umani. Oltre che del divertimento. Perché Nick si diverte e fa divertire un Albatross stracolmo. Come non voler bene a Nick?

[R.T.]

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Nick Oliveri - 02.25.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

Nick Oliveri solo tour must be a prescription of his psychoanalyst, in my opinion. Play, play, play. Always. Even when his (many) bands are resting. Never accumulate energy  too long. Never stop. The therapy involves a series of acoustic concerts, where maybe Nick could pour out his adrenaline in a more controlled conscious and self-limiting way. The doctor, anyway, has not come to terms with his patient. Indeed, even an acoustic guitar and a tiny club are enough to free his energy in an irrational and exuberant way. So, no one should expect rearranged songs for the occasion, nor a rationally and meticulously studied setlist, nor formally perfect execution. Nor even candles, stool and that intimate atmosphere of MTV Unplugged. Apart from a few Queens of the Stone Age songs (Auto Pilot, Another Love Song) which are better suited to the acoustic reinterpretation - and that sound really exciting, showing Nick most "sensitive" side - the rest is the overwhelming fury of a punk concert played with only a microphone and an acoustic guitar. Nick shouts to the point of swallowing the microphone, with neck veins ready to explode, and having a lot of fun. He does not realize that behind him there is no band and that there is no distortion pedal under his feet. Indeed, he seems at ease in not hiding his energy behind a wall of distortion. His voice - always powerful, dirty and angry - is what sustain the musical side of the show, on the whole certainly not flawless. Because this is a show, more than a concert. A show in which the exchange with the audience is continuous (to the point of inviting someone in the audience to play guitar on Feel Good Hit of the Summer to let him just sing the song) and drinks offered (and returned) are countless. Perhaps the therapeutic purpose of the tour has been reached. This is not due to the self control that an acoustic solo concert could determine (the evening ends with frenzy Nick yelling Six Shooter "a cappella" - his own words), but certainly it is due to a significant deepening of human relations. And fun. Because Nick enjoys himself a lot  and entertains a packed Albatross. How not to love Nick?

[R.T.]

Steve Von Till - A Life Unto Itself

Steve Von Till – A Life Unto Itself

(Neurot Recordings, 2015)

Abbandonare il fragore della civiltà per rifugiarsi nel cuore dell’ambiente selvaggio, distaccandosi dai ritmi e dalle ossessioni umane, accettando i tempi imposti dalla Natura. Steve Von Till continua nel suo percorso solista, percorrendo con lentezza e contemplazione i sentieri del folk notturno che avevano caratterizzato i suoi precedenti tre album, lasciando da parte le esplosioni apocalittiche della sua band madre, i Neurosis, e gli esperimenti psichedelici a nome Harvestman. Von Till si fa accompagnare nel suo pellegrinaggio da pochi e fidati compagni come Eyvind Kang (viola), Jason Kardong (pedal steel) e Randal Dunn (sintetizzatore). Ma principalmente A Life Unto Itself è un viaggio solitario, un percorso in cui Von Till, ancor più che in passato, lascia che siano la sua profonda e rauca voce (per certi affine a quella di Mark Lanegan) e i suoi arpeggi di chitarra (debitori della malinconia di Nick Drake e Townes Van Zandt) a illuminare il bosco immerso nelle tenebre, con qualche breve lampo elettrico dal sapore onirico. Sette brani che evocano odori di muschio e foglie secche, e immagini di vaste foreste, gelidi laghi e montagne avvolte dalla nebbia autunnale. Von Till conferma la sua intensa poetica tratteggiando un sentiero in cui la fragilità di un uomo a cospetto della Natura è bilanciata dalla sua grande forza interiore nell’affrontarla. Intimo e sciamanico, A Life Unto Itself è il dono che Von Till lascia a tutti gli estimatori dei territori selvaggi.

[R.T.]

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Steve Von Till – A Life Unto Itself

(Neurot Recordings, 2015)

Leaving the noise of civilization to take refuge into the heart of the wild world, detaching from human obsessions and hustle and bustle, accepting the pace imposed by Nature. Steve Von Till continues his soloist route, slowly and in contemplative mood, going over again the paths of nocturnal folk that characterize his previous three albums, leaving aside the apocalyptic explosions of his main band (Neurosis) and the psychedelic experiments of Harvestman project. Along his pilgrimage Von Till is accompanied by a few trusted friends: Eyvind Kang (viola), Jason Kardong (pedal steel) and Randal Dunn (synth). Yet A Life Unto Itself is mainly a lonely voyage, a journey in which - even more than in the past - Von Till let his deep, hoarse voice (in some ways similar to Mark Lanegan one) and his guitar arpeggios (debtors of Nick Drake and Townes Van Zandt melancholy) brighten the woods surrounded by darkness, with some transitory, dreamlike-tasty electric lightnings. Seven songs evoking the smell of musk and dry leaves, images of vast forests, chill lakes and mountains shrouded by the autumnal fog. Von Till confirms his intense poetics sketching a path in which the frailty of a man in the presence of Nature is balanced by his great interior strength in the attempt to cope with her. Intimate and shamanistic, A Life Unto Itself is the gift that Von Till gives to all the lovers of wild territories.

[R.T.]