Chelsea Wolfe – Birth of Violence

Chelsea Wolfe – Birth of Violence

(Sargent House, 2019)

Esporsi, senza più nascondersi dentro ad una nuvola di rumore, è un atto di coraggio. Così come percorrere in solitaria le strade più buie del folk americano, attraversate nel tempo da uomini in nero, ormai leggende del rock statunitense. Ma il coraggio è un attributo che non manca a Chelsea Wolfe. Così, con la sua voce eterea protetta esclusivamente dalla chitarra acustica e sostenuta solo da arrangiamenti soffusi, si inoltra lungo una Route 66 intima e personale, che ha come meta l’universale. Il punto di partenza di questo cammino si trova sulle montagne del Nord della California, dove - lontana dai bagliori e dal caos della sua Sacramento - Chelsea ha trovato la solitudine e il silenzio necessari per concepire le canzoni di Birth of Violence. Sono proprio l’energia e la spiritualità della natura a consentire i primi passi del percorso attraverso i paesaggi umbratili e nebbiosi della società americana e, in particolare, attraverso lo squilibrio tra uomo e donna. Per quanto anche in versione elettrica la musica di Chelsea Wolfe suoni intima, era necessario un disco acustico, nudo, libero da scosse elettriche e da scorie industriali, per risvegliare l’energia femminile nascosta in questa musicista e riconnetterla a Madre Natura. Un viaggio tipicamente americano alla ricerca della spiritualità della natura selvaggia.

[R.T.]

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Chelsea Wolfe – Birth of Violence
(Sargent House, 2019)

Showing yourself, without hiding inside a cloud of noise, is an act of courage. As well as travelling by yourself through the darkest streets of American folk, crossed over time by men in black, now legends of the American rock. But courage is an attribute that is not lacking in Chelsea Wolfe. So, with her ethereal voice protected exclusively by the acoustic guitar and supported only by suffused arrangements, she advances along an intimate and personal Route 66, which has got the universal as its ultimate goal. The starting point of this journey is among the mountains of Northern California, where - far from the glares and chaos of her Sacramento - Chelsea found the solitude and silence necessary to conceive the songs of Birth of Violence. Precisely the energy and the spirituality of nature are the forces that allow the first steps of the journey through the shady and misty landscapes of American society and, in particular, through the imbalance between man and woman. Although Chelsea Wolfe's electric version also sounds intimate, ther was the need of an acoustic naked album, free from electric shock and industrial slags, to awaken the female energy hidden in this musician and reconnect her to Mother Nature. A typically American journey in search of the spirituality of wild nature.

[R.T.]

Inter Arma – Sulphur English

Inter Arma – Sulphur English

(Relapse Records, 2019)

Stavo ascoltando Sulphur English nell’autoradio quando ad un tratto la batteria dell'auto si è esaurita, e tutto è svanito nel silenzio. Probabilmente la musica degli Inter Arma possiede una forza centripeta in grado di risucchiare l’energia. L’ultimo album della band del Virginia è un vortice magnetico che aspira le fiamme dell’inferno e le comprime in un globo di materia oscura simile alla merda di Mordicchio: densissima e pesantissima, vero e proprio carburante per astronavi. Se riuscissi a invertire il processo e a rigenerare l’energia contenuta nel cd, la mia auto si riaccenderebbe come il Millennium Falcon pronto a saltare nell’iperspazio. Ma non è possibile risalire le spirali discendenti degli arpeggi dissonanti e dei ritmi tribali. Inevitabile cadere sempre più in profondità, spesso deragliando dai binari sghembi dei blast beat impazziti. Raggiunte poi le profondità abissali della materia oscura, la musica fluttua morbida nel vuoto spaziale, guidata dalla voce darkwave di Mike Paparo, e non c’è più alcuna traccia dei riflessi colorati e progressivi, da aurora boreale, di Paradise Gallows. E’ solo buio che attende di essere illuminato dai bagliori delle fiamme, giganteschi incendi di distorsione. Come se i Neurosis degli anni '90 contemplassero le fiamme appiccate da un Varg Vikernes sotto acido, e i Morbid Angel di Domination cercassero di spegnerle con colate di fango. Dal nucleo profondo in cui si raccoglie tutta l’energia sottratta all’Universo (e alla mia auto) non è più possibile fuggire.

[R.T.]

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Inter Arma – Sulphur English

(Relapse Records, 2019)

I was listening to Sulphur English on the car radio when all of a sudden the battery of the car ran out, and everything vanished into silence. Inter Arma's music probably has got a centripetal force capable of sucking in energy. The latest album by the band from Virginia is a magnetic vortex that sucks the flames of hell and compresses them into a dark matter globe similar to Nibbler's shit: extremely dense and heavy, a fuel for spaceships. If I could reverse the process and regenerate the energy contained in the CD, my car would turn on again like the Millennium Falcon ready to jump into hyperspace. But it is not possible to climb back the descending spirals of dissonant arpeggios and tribal rhythms. It is inevitable to fall deeper and deeper, often derailing from the skew tracks of the crazy blast beats. Reached the abyssal depths of dark matter, music floats soft in the space void, guided by Mike Paparo darkwave voice, and there is no trace of the colourful and progressive reflections, typical of aurora borealis, of Paradise Gallows. It is only darkness that awaits to be illuminated by the glow of the flames, gigantic fires of distortion. As if Neurosis of the 90s era contemplated the flames set by a doped Varg Vikernes, and the Morbid Angels of Domination were trying to put them out with mudslides. From the deep core where all the energy taken from the universe (and my car) is collected, it is no longer possible to escape.

[R.T.]

Earth + Helen Money – 23.11.2019 – TPO (Bologna)

Earth + Helen Money – 23.11.2019 – TPO (Bologna)

In questo momento di stasi mi viene naturale ascoltare la musica degli Earth. Una musica in cui il tempo pare sospeso, ma in realtà scorre così come scivolano due placche tettoniche prossime all’impatto. Dopo, il pianeta non sarà più lo stesso. E viene naturale pensare al loro concerto di fine 2019.

Helen Money prepara l’atmosfera di un TPO in versione ridotta, decisamente più accogliente e con suoni più convincenti rispetto alla serata in cui furono gli Sleep a salire sul suo palco. La violoncellista americana stupra il suo strumento con distorsioni inusuali, generando muri di suono e sferzate post metal. Non mancano i passaggi atmosferici (i più convincenti, per i miei gusti), ma la fisicità con la quale viene modellato e stravolto il suono del violoncello è puro noise metal sperimentale.

Dylan Carlson e Adrienne Davies inscenano il loro western fatto di spazi sconfinati, tempi dilatati, archi di roccia e distese sabbiose. Ben presto mi perdo nei riff reiterati all’infinito e negli arpeggi slabbrati, oltre che nelle distorsioni: gigantesche come la Monument Valley e bollenti come il Sole che su di essa si abbatte. Un serpente che scivola lentamente sulla sabbia, lasciando una traccia di morbide linee curve, come echi che rimbalzano in un canyon. Questi sono gli Earth oggi. Molto più fluidi di quelli che sentii nel 2006, nello storico tour di Hex, accompagnati dai Sunn O))). Più maturi, rilassati, a loro agio nell’abbandonarsi completamente al flusso sonoro. Il loro mondo si muove in slow motion, ma con passo deciso e fermo, come fossero indiani esperti, in grado di cavalcare il feedback con maestria e agilità. Fino a condurci in quel non-luogo in cui il rock si sbriciola e si disperde come sabbia. Un non-luogo di pura energia elettrica, nel quale perdersi è una vera e propria esperienza. Indimenticabile.

[R.T.]

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Earth + Helen Money – 11.23.2019 – TPO (Bologna)

In this moment of stasis for me it is natural to listen to Earth's music. A music in which time seems suspended, while indeed it flows just as two tectonic plates close to impact slide. After that, the planet will never be the same again. And so I think of their concert at the end of 2019.

Helen Money prepares the atmosphere of a TPO in a reduced version, decidedly more welcoming and with more convincing sounds than the evening when Sleep played on this stage. The American cellist rapes her instrument with unusual distortions, generating walls of sound and post metal lashes. There is no shortage of atmospheric passages (the most convincing, for my taste), but the physicality with which the cello sound is modeled and distorted is pure experimental noise metal.

Dylan Carlson and Adrienne Davies stage their western made of boundless spaces, extended times, rock arches and sandy expanses. Soon I get lost in endlessly reiterated riffs and in stretched arpeggios, as well as in distortions: gigantic like the Monument Valley and hot like the Sun that falls on it. A snake sliding slowly on the sand, leaving a trace of soft curved lines, like echoes that bounce in a canyon. These are Earth today. Much more fluid than those I listened to in 2006, during Hex historic tour, together with Sunn O))). More mature, relaxed, at ease in completely abandoning themselves to the sound flow. Their world moves in slow motion, but with a confident and determined pace, as if they were expert Indians, able to ride the feedback with skill and agility. Up to lead us to that non-place where rock crumbles and disperses like sand. A non-place of pure electricity, where getting lost is a real experience. Unforgettable.

[R.T.]

Tinariwen – 09.11.2019 – Auditorium Flog (Firenze)

Tinariwen – 09.11.2019 – Auditorium Flog (Firenze)

Lo ammetto: stasera la mia intenzione è quella di farmi trasportare attraverso il deserto come semplice turista, curioso di scoprire un mondo a me sconosciuto ma, dalle premesse, estremamente intrigante. Uscire dalla comfort zone della musica occidentale, per perdermi in un immenso spazio inesplorato. Come guide ho scelto gente di quei luoghi: i Tinariwen, gruppo di touareg originari del Mali che hanno creato la loro musica nel corso di quarant’anni di spostamenti attraverso il Nordafrica, ma diventati noti al di là del Mediterraneo alla fine degli anni '90, grazie anche a collaborazioni illustri con musicisti occidentali. Ma fin dal loro ingresso in punta di piedi sul palco del Flog, con un brano a base di chitarra acustica e voce, si capisce subito che la loro fama non è dovuta al sostegno ricevuto dall’esterno, né tantomeno ad una curiosità superficiale legata alla loro origine, alla loro storia, o ai loro abiti di scena. Appena l’intimità dell’inizio acustico si trasforma in un mantra elettrico guidato da battito di mani e cori a più voci, sono trasportato in un viaggio al di là delle dune, dove il deserto assume i contorni di un luogo reale. Reale perché racconta la quotidianità di una vita fatta di difficoltà, ma anche di condivisione e comunità. Anche senza capire una parola di quello che viene cantato sul palco, le sensazioni trasmesse dalla musica sono così intense e universali da non aver bisogno di alcuna traduzione. La malinconia di chi è lontano dalla sua terra, la voglia di rivalsa di chi è stato sottoposto ad immani ingiustizia, la determinazione di chi vuole creare un mondo diverso. Ma anche la gioia e la felicità di un rito collettivo in cui condividere esperienze, aprendosi alle differenze. Il concerto dei Tinariwen è gioioso ed invita a ballare, ma mantiene sempre un leggera inquietudine di fondo, e un vago senso di mistero. Una festa di danze e canti intorno al fuoco di un accampamento, che però non si limita al divertimento, ma invita a fissare il fuoco a lungo, suggerendo la visione di un altro mondo, al di là delle fiamme. Un concerto cui non mancano mai ritmo (due percussionisti si intrecciano tra loro, sotto la guida di un bassista estremamente morbido, ma trascinante) e atmosfera ipnotica (gli intrecci vocali ossessivi). Con un bis infuocato che mi ricorda quanto i miei ascolti quotidiani (dai Goat agli OM) siano stati influenzati da queste atmosfere, si chiude questo viaggio. Avvalendosi di strumenti rock, e sporcando di vaghi sentori blues le melodie, i Tinariwen chiudono un cerchio che parte dall’Africa, raggiunge i deserti statunitensi per tornare poi nel continente d’origine. Alla fine di questa esperienza, impossibile non sentirsi dei viaggiatori veri e propri.

[R.T.]

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Tinariwen – 11.09.2019 – Auditorium Flog (Firenze)

I confess it: tonight I want to be carried through the desert as a simple tourist, to discover a world unknown to me but, from the premises, extremely intriguing. Getting out of the comfort zone of western music, to get lost in an immense unexplored space. As guides I choose people from those places: Tinariwen, a band of touareg from Mali who created their music during forty years of travelling through North Africa, and then became renowned beyond the Mediterranean Sea in the late 90s, thanks also to illustrious collaborations with western musicians. But since their entrance on tiptoe on Flog stage, with a song solely based on acoustic guitar and voice, it is immediately clear that their fame is not due to the support received from the outside, nor even to a superficial curiosity connected with their origin,  history or stage clothes. As soon as the intimacy of the acoustic beginning turns into an electric mantra guided by hand clapping and a chorus of many voices, I am transported on a journey beyond the dunes, where the desert takes on the contours of a real place. Real because it tells the daily routine of a life made of difficulties, but also of sharing and community. Even without understanding a word of what is sung on stage, the sensations transmitted by their music are so intense and universal that they do not need any translation. The melancholy of those who are far away from their land, the desire for revenge of those who have been subjected to immense injustice, the determination of those who want to create a different world. But also the joy and happiness of a collective ritual in which is possible to share experiences, opening up to differences. Tinariwen concert is joyful and invites to dance, but it always keeps a slight underlying anxiety, and a vague sense of mystery. A celebration made of dances and songs around the campfire, which however is not limited to fun, but invites you to stare at the fire for a long time, suggesting the vision of another world beyond the flames. A concert that never misses rhythm (two percussionists intertwine with each other, under the guidance of an extremely soft yet enthralling bass player) and a hypnotic atmosphere (obsessive vocal interweavings). With a fiery encore reminding me how much my daily listenings (from Goat to OM) have been influenced by these atmospheres, this journey ends. Playing rock instruments and staining their melodies with vague hints of blues, Tinariwen close a circle that starts from Africa, reaches the US deserts and then returns to the continent of origin. At the end of this experience, it is impossible not to feel like a real traveler.

[R.T.]

Messa + Zambra + Metide – 01.11.2019 – Il Contro (Prato)

Messa + Zambra + Metide – 01.11.2019 – Il Contro (Prato)

Sembra trascorsa una vita. Un venerdì sera con gli amici, in un locale, per un concerto. Ora che tutto questo è impossibile, sembra lontanissimo. Ma ciò che lo rende davvero distante è l'incertezza nei confronti del futuro. Non sappiamo quando tutto questo potrà accadere di nuovo. E non sappiamo quale impatto avrà questa crisi sul mondo della cultura e dello spettacolo. Affinché la musica indipendente possa trovare un rifugio nel quale esprimersi, mentre infuria la tempesta e soprattutto quando questa sarà passata, è necessario che chi crede in lei continui a supportarla. Perché luoghi come Il Contro, e band italiane di assoluto valore come quelle che vi hanno suonato il primo giorno di novembre, possano sopravvivere, serve il sostegno di tutti.

La musica post apocalittica dei Metide è perfetta per queste tristi riflessioni nostalgiche. Il loro post metal atmosferico, che ha fatto letteralmente vibrare le mura del locale di Prato, possiede forza dirompente, ma anche calma malinconica. Seguendo i sentieri tracciati dagli Isis, tra muri di distorsione (forse a tratti un po' troppo gonfi di bassi) e arpeggi che si inseguono tra echi e riverberi, tra growl esplosivo e melodiche (forse un po' troppo per i miei gusti) voci pulite, la band di Bergamo evoca in modo vivido e coinvolgente una tempesta ed i suoi effetti. Quando ancora nessuno immaginava che questa si sarebbe davvero abbattuta su di noi.

Gli Zambra, che avevo già avuto modo di apprezzare sullo stesso palco, ci sputano in faccia il loro noise rock fatto di chiodi arrugginiti, dissonanze, grida, groove disarticolato, pezzi di cemento sbriciolato, droni ipnotici e voci che suonano come un didjeridoo. Sensazioni sgradevoli che nascondono un nucleo melodico ed un'energia non convenzionali. Come nascondersi sottoterra, in un rifugio antiatomico pericolante, mentre fuori il mondo collassa. Proprio ciò di cui la musica indipendente avrà bisogno per poter sopravvivere.

I Messa hanno un approccio più spirituale all'apocalisse. Riletto con il senno di poi, il loro concerto è un requiem. Tra nebbie gotiche e tremolanti luci melodiche che paiono provenire dal dark sound progressivo degli anni ‘70, i Messa evocano spiriti che in Italia parevano sepolti da troppi anni. Le catacombe del doom sono illuminate da assoli liberi e fluidi, ai limiti del jazz, e dalla splendida voce di Sara, vera e propria torcia in grado di indicare la via nell'oscurità. Anche se stasera la loro musica non è particolarmente valorizzata dall’acustica del locale, i Messa si confermano comunque una perla unica, da custodire gelosamente. Una delle band italiane più affascinanti degli ultimi anni, che dobbiamo imparare a valorizzare, così come avviene all'estero, dove trova meritatamente spazio nel cartellone dei migliori festival.

A ricordarla oggi, quella serata sembra provenire da un'altra epoca. Sta a noi renderla ancora attuale. E sta a noi donarle quel sostegno che anche ai tempi era indubbiamente insufficiente. Sta a noi inoltrarci in quel rifugio antiatomico, o in quella catacomba, in cui il rock indipendente italiano è nascosto in attesa di tornare all'aperto, quando la tempesta sarà passata.

[R.T.]

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Messa + Zambra + Metide – 11.01.2019 – Il Contro (Prato)

A life seems to have passed. A Friday evening with friends, in a music club, for a concert. Now that all this is impossible, it seems something so far away in time and space. But what makes it truly distant is the uncertainty about the future. We don't know when all this will happen again. And we don't know what impact this crisis will have on the world of culture and entertainment. In order for independent music to find a refuge in which to express itself, while the storm rages and especially when it will be passed, those who believe in it must continue to support it. For places like Il Contro, and for Italian bands of absolute value such as those that played there on the first day of November, to survive, everyone's support is needed.

Metide post apocalyptic music is perfect for these sad nostalgic reflections. Their atmospheric post metal, which literally made the walls of the club vibrate, has disruptive strength, but also melancholy calm. Following the paths traced by Isis, among distortion walls (perhaps at times a bit too saturated with basses) and arpeggios chasing each other between echoes and reverberations, among explosive growl and (maybe a little too much for my tastes) melodic clean vocals, the band from Bergamo evokes a storm and its effects in a vivid and involving way. When still no one imagined that this would have really hit us.

Zambra, which I already had the opportunity to appreciate on the same stage, spit their noise rock made of rusty nails, dissonances, screams, disjointed grooves, pieces of crumbled concrete, hypnotic drones and voices that sound like a didjeridoo. Unpleasant sensations that hide an unconventional melodic core and energy. How to hide underground, in a dangerous fallout shelter, while outside the world collapses. Just what independent music will need to survive.

Messa have got a more spiritual approach to the apocalypse. Re-read in hindsight, their concert is a requiem. Between gothic mists and flickering melodic lights that seem to come from the progressive dark sound of the 70s, Messa evoke spirits that in Italy seemed to have been buried for too many years. The doom catacombs are lit by free and fluid solos, on the borders of jazz, and by Sara amazing voice, a real torch capable of showing the way in the dark. Even if their music is not particularly enhanced by the acoustic of the venue tonight, Messa anyway confirm to be a unique pearl, to be jealously guarded. One of the most fascinating Italian bands of the last few years, which we must learn to value, as it happens abroad, where they deservedly find their place in the bill of the best festivals.

Remembering it today, that evening seems to come from another era. It is up to us to make it still relevant. And it is up to us to give it that support which was undoubtedly insufficient even at the time. It's up to us to go to that fallout shelter, or in that catacomb, where Italian independent rock is hidden waiting to return to the open, when the storm will be over. 

[R.T.]

Desertfest Antwerp 2019 - Day 3

Desertfest Antwerp 2019 - Day 3

[Sleep + Eyehategod + Monkey3 + Crypt Trip + Wolvennest + Sâver]

Uno degli aspetti più interessanti dei festival come il Desertfest è la possibilità di scoprire nuove band, magari non ancora uscite dall’ambito underground. Eppure per questo ultimo giorno la mia scelta ricade quasi sempre su band conosciute, e già viste dal vivo. L’effetto sorpresa me lo serbo solo per la band di apertura. Ma che sorpresa!

La musica dei norvegesi Sâver si abbatte come un’esplosione sul Canyon Stage. Una profondità di suono spaventosa trasforma la sala dal soffitto basso un vero e proprio tunnel verso un’altra dimensione, e ben presto mi ritrovo risucchiato dalla forza centripeta delle distorsioni. Le atmosfere evocate dal trio sono quelle post apocalittiche care agli Amenra, in cui urla strazianti e dissonanze acide assumono un potere catartico e liberatorio, anziché opprimente o disturbante. Sicuramente la scoperta più interessante di questa edizione!

Entro poi nel Desert Stage dove i Wolvennest hanno appena iniziato il loro rituale. Ma prima ancora di trovarmi dentro la grande sala, l’odore dell’incenso mi fa capire che la cerimonia officiata dalla band belga sarà in grande stile. Candelabri, teschi, e abiti di scena fanno da contorno alla loro musica cosmica, che pare una vera e propria messa funebre di un altro universo. La voce di Shazzula è eterea e ondeggia in mezzo alla tempesta generata dalle tre chitarre, sorta di post black metal psichedelico dall’incedere rallentato. Una cattedrale grandiosa come il palco principale amplifica la profondità della loro musica, anche se l’atmosfera criptica del loro concerto del 2016 nel Canyon Stage rimane imbattuta.

Per la prima volta in questa edizione, entro nel Vulture Stage per il concerto dei Crypt Trip. E ammetto che, in quattro edizioni, mai avevo visto la saletta piccola stracolma come stavolta. Come dimostra la band americana con il suo strepitoso concerto, l’hype è ampiamente giustificato. Senza l’apporto del chitarrista aggiuntivo alla slide guitar - che aveva reso il concerto di Cascina Bellaria più morbido, evocando atmosfere degne dei grandi spazi americani - stasera la band (in trio) suona essenziale e diretta. Al galoppo lungo le praterie, senza troppe riflessioni romantiche di fronte ai tramonti che illuminano i canyon, e senza pause nei saloon che si incontrano lungo la strada. Con un’energia incontenibile che straborda da ogni fraseggio di chitarra e da ogni fill carambolesco di batteria, i Crypt Trip superano se stessi e regalano uno dei migliori concerti del festival! Anche la voce di Ryan Lee è caldissima e decisamente più robusta della volta precedente. Ma ciò che rende i Crypt Trip una perfetta band dal vivo è la batteria di Cameron Martin: un’intera mandria di cavalli allo stato brado che travolge qualsiasi cosa incontri, cambiando continuamente direzione senza mai perdere groove! Ginger Baker sarebbe stato fiero di lui, e della sua incredibile band, in grado di risollevare l’hard rock di fine anni '60 anche a mezzo secolo di distanza! Straordinari!

Dopo l’intimità del concerto acustico di ieri, oggi i Monkey3 ci regalano uno spettacolo completamente diverso. Ciò che ieri era raccolto e gelosamente custodito, oggi esplode all’esterno. I colori caldi del giorno precedente diventano gelidi, come se in una familiare stanza con camino avessimo aperto la finestra per uscire fuori a guardare le stelle. Ci si sente più soli di fronte alla grandiosità elettrica di stasera che nella confidenziale versione acustica di ieri. E’ splendido perdersi in questa vastità strumentale, che genera arcobaleni sonori resi ancora più luminosi dalle proiezioni spaziali e dagli effetti di luce e fumo che avvolgono il palco più grande del Trix. I brani di Sphere (ultimo disco della band) acquistano una grandiosità ancora più marcata di quanto avvenga nella versione in studio. Una fantascienza epica e maestosa che non disdegna enormi esplosioni di volume, tra i tanti passaggi melodici ed atmosferici. I Monkey 3 al massimo del loro splendore.

Se i Monkey 3 ci hanno offerto caramelle colorate per approdare su un qualche universo parallelo senza eccedere neanche troppo con la quantità di allucinogeni, gli Eyehategod ci offrono eroina ed eccedono eccome, catapultandoci nei più lerci e malati bassifondi di New Orleans. In mezzo alla sporcizia delle distorsioni, e agli aghi infetti di feedback, manca però qualcosa. Jimmy Bower non è sul palco. Si dice che un’operazione al braccio lo abbia costretto ad abbandonare il tour, ma al suo posto c’è un gradito ritorno: Brian Patton. Il chitarrista, che aveva abbandonato la band l’anno scorso, torna per infliggerci una serie di riff deviati e acidi, che perdono parte del grasso e dell’alcol sudato dalla chitarra di Bower, ma acquistano quella spiacevole sensazione di ferro che si sente in bocca dopo essersi spaccati un labbro. Più rugginosi e stridenti che mai, gli Eyehategod ci regalano un concerto di depravazione e sgradevolezza, grazie anche alla tossica ma, come sempre, impeccabile prestazione vocale di Mike Williams. Resta l’amarezza di non riuscire più a vederli in formazione completa con due chitarre (nel 2018 li vidi con Bower ma senza Patton). Del resto non si può pretendere che il caos e la malattia che regnano nella loro musica non si ripercuotano sulle loro vite. Incurabili!

Il gran finale del festival è nelle mani della band che, più di ogni altra, è in grado di rappresentare il passato e, al tempo stesso, il presente, della musica suonata in questi 3 giorni: gli Sleep. Per farci smaltire i postumi dell’overdose di feedback del concerto degli Eyehategod, la band di Matt Pike ci offre una nebbia di basse frequenze. Una nuvola di fumo estremamente densa, ma in grado di esprimere forza propulsiva, come dimostra l’iniziale Marijuanaut's Theme, il cui groove - inedito nello stagnante e sovraffollato ambiente sludge - è una sorta di vento caldo in grado di spostare anche le dune più gigantesche. In un Desert Stage stracolmo, gli Sleep riescono ad esprimere ciò che il concerto di Bologna di quattro giorni prima aveva appena fatto intuire. La loro musica è un elefante che si muove a passo lento e pesante, ma che possiede elasticità ed agilità. Anche quando i riff sono rallentati più di quanto avvenga nelle versioni in studio, e affoghiamo nelle sabbie mobili delle distorsioni, è impossibile non percepire il movimento che scorre sotto di noi, probabilmente generato dagli enormi vermi delle sabbie di Dune (anche se parte del merito credo debba essere riconosciuto alla batteria di Jason Roeder, in realtà!). Suoni molto più potenti e avvolgenti e una band più carica (Al Cisneros canta in modo molto più cattivo, meno narcotizzato) rendono finalmente giustizia alla loro musica. Non credo che esista modo migliore per chiudere un festival stoner del riff di Dragonaut. Indimenticabile!

Dopo un finale di questo livello, attendo con ansia l’inizio del mio quinto Desertfest Antwerp! Certo che anche la prossima volta saprà stupirmi, facendomi conoscere nuove band e valorizzando quelle già ascoltate, ma soprattutto facendomi vivere tre giorni al di fuori del tempo e dello spazio, in una sorta di paradiso per appassionati di heavy psych!

[R.T.]

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Desertfest Antwerp 2019 - Day 3 [Sleep + Eyehategod + Monkey3 + Crypt Trip + Wolvennest + Sâver]

One of the most interesting aspects of festivals such as Desertfest is the chance to discover new bands, perhaps not yet emerged from the underground. Yet for this last day my choice almost always falls on known bands, already seen live. Today the only surprise effect for me is with the opening band. But what a surprise!

The music of the Norwegians Sâver hits like an explosion on the Canyon Stage. A frightening depth of sound transforms the low-ceilinged room into a real tunnel to another dimension, and soon I find myself sucked in by the centripetal force of the distortions. The atmospheres evoked by the trio are the post apocalyptic ones dear to Amenra, in which excruciating screams and acid dissonances assume a cathartic and liberating power, rather than an oppressive or disturbing one. Certainly the most interesting discovery of this edition!

Then I entered the Desert Stage where Wolvennest have just started their ritual. But even before being inside the great hall, the smell of incense makes me understand that the ceremony officiated by the Belgian band will be magnificent. Candelabras, skulls, and stage clothes surround their cosmic music, which looks like a real funeral mass from another universe. Shazzula's voice is ethereal and sways in the middle of the storm generated by the three guitars, a sort of psychedelic post black metal with a slowed pace. A cathedral as grand as the main stage amplifies the depth of their music, although the cryptic atmosphere of their 2016 concert on the Canyon Stage remains undefeated.

For the first time in this edition, I enter the Vulture Stage for Crypt Trip concert. And I admit that, in four editions, I had never seen the small room full to the brim as this time. As the American band shows with its amazing concert, the hype is widely justified. Without the contribution of the additional guitarist with the slide guitar - which had made Cascina Bellaria concert softer, evoking atmospheres worthy of the great American spaces - tonight the band (as a trio) sounds essential and direct. Galloping along the prairies, without too many romantic reflections in front of the sunsets illuminating the canyons, and without pauses in the saloons they meet along the way. With an irrepressible energy overflowing from every phrasing of guitar and from every funambulistic drum fill, Crypt Trip overcome themselves and play one of the best concerts of the festival! Ryan Lee's voice is also really warm and much more robust than the last time I saw them live. But what makes Crypt Trip a perfect live band is Cameron Martin's drum: an entire herd of wild horses overwhelming anything it encounters on its way, constantly changing direction without ever losing groove! Ginger Baker would have been proud of him, and his incredible band, able to revive late 60s hard rock even half a century later! Extraordinary!

After the intimacy of yesterday's acoustic concert, today Monkey3 plays us a completely different show. What was collected and jealously guarded yesterday, today explodes outside. The warm colors of the previous day become now icy, as if in a familiar room with a fireplace we had opened the window to go outside to look at the stars. We feel more alone in front of tonight's electric grandeur than in yesterday's confidential acoustic version. It is amazing to get lost in this instrumental vastness, which generates sound rainbows made even brighter by the space video projections and the effects of light and smoke that envelop Trix largest stage. Songs from Sphere (the latest album of the band) acquire an even more marked grandeur than in the studio version. An epic and majestic science fiction that does not mind huge explosions of volume, among the many melodic and atmospheric passages. Monkey 3 at their peak.

If Monkey 3 offered us coloured candies to land on some parallel universe without exceeding too much with the amount of hallucinogens, Eyehategod offer us heroin and they go too far, catapulting us into the dirtiest and sickest slums of New Orleans. In the midst of the dirt of the distortions and the feedback needles, something is missing. Jimmy Bower is not on stage. An arm operation is said to have forced him to abandon the tour, but in his place there is a welcome return: Brian Patton. The guitarist, who had left the band last year, returns to inflict on us a series of deviant acid riffs, which lose some of the fat and alcohol sweated by Bower's guitar, but acquire that unpleasant feeling of iron in mouth you usually feel after splitting a lip. More strident and rusty than ever, Eyehategod play a concert of depravity and unpleasantness, thanks also to Mike Williams' toxic but, as always, impeccable vocal performance. The bitterness of not being able to see them with their full lineup with two guitars remains (in 2018 I saw them with Bower, but without Patton). After all, it cannot be expected that the chaos and disease reigning in their music do not affect their lives. Incurable!

The grand finale of the festival is entrusted to the band which, more than any other, is able to represent the past and, at the same time, the present, of the music played in these 3 days: Sleep. To get rid of the aftermath of the feedback overdose of Eyehategod concert, Matt Pike's band offers us a fog of low frequencies. An extremely dense cloud of smoke, yet capable of expressing propulsive force, as evidenced by the initial Marijuanaut's Theme, whose groove - unprecedented in the stagnant and overcrowded sludge environment - is a sort of warm wind capable of moving even the most gigantic dunes. In a jam-packed Desert Stage, Sleep managed to express what their concert in Bologna four days before had just hinted at. Their music is an elephant that moves slowly and heavily, but which has elasticity and agility. Even when riffs have slowed down more than their studio versions, and we drown in the shifting sands of the distortions, it is impossible not to perceive the movement that flows below us, probably generated by the huge worms of Dune sands (although part of the merit I think it must be recognized on Jason Roeder's drums, actually!). Much more powerful and enveloping sounds and a more motivated band (Al Cisneros sings much more evil and less narcotized) finally do justice to their music. I don't think there is a better way to close a stoner festival than Dragonaut riff. Unforgettable!

After a finale of such a high level, I look forward to the start of my fifth Desertfest Antwerp! Sure that also next time it will amaze me, introducing me to new bands and enhancing those ones I already listened to, but above all making me live three days out of time and space, in a sort of paradise for heavy psych fans!

[R.T.]

Desertfest Antwerp 2019 – Day 2

Desertfest Antwerp 2019 – Day 2

[Inter Arma + Ty Segall & Freedom Band + Monkey3 (special acoustic show) + Bongripper + Church of Misery + Fireball Ministry + Admiral Sir Cloudesley Shovell]

Secondo giorno di festival. Inizio dei concerti: ore 15:00. Si preannuncia una lunga maratona ai limiti della resistenza fisica.

Per rompere il fiato inizio subito a mille con gli Admiral Sir Cloudesley Shovell, che incendiano il Canyon Stage con il loro hard rock che puzza di alcol, tabacco, benzina, canottiera dei Motorhead sudata e pantaloni a zampa che toccano terra e si inzuppano di birra. Grezzi e rozzi come sempre, stasera perdono parte dell’adrenalina per la quale sono un loro fan, a causa della defezione della batterista Serra Petale, sostituita all’ultimo minuto, per alcune date del tour, da Sammy Forway. Sammy si inserisce bene nella musica zozza e distorta dell’ammiraglio, ma inevitabilmente mancano la frenesia e la fantasia di Serra. Impossibile comunque non divertirsi ad un loro show: 40 minuti di proto metal che, grazie ad un brano nuovo, promette benissimo anche per il futuro.

Ancora sudato per il concerto dell’ammiraglio, entro nel Desert Stage come semplice turista per osservare un’attrazione del pianeta stoner: Scott Reeder. I Fireball Ministry - ovvero la sua band - suonano un hard rock piuttosto leggero con qualche melodia anni '90, ottimamente suonato ma non particolarmente coinvolgente. Ma la mia è pressoché una visita allo zoo per vedere con i miei occhi un animale esotico in via d’estinzione. Il bassista dei Kyuss (e, prima ancora, degli Obsessed) è uno spettacolo da osservare attentamente, per come suona il suo strumento in modo fisico e viscerale. Vederlo ondeggiare nascosto sotto i lunghi capelli biondi, a piedi scalzi, mentre colpisce con furia e amore il suo basso, riporta ad un’epoca che non c’è più, ma che questo festival mantiene ancora in vita, come in un'oasi naturale.

Selvatici, e senza alcuna nostalgia, suonano invece i Church of Misery. Ormai stabilizzatasi in formazione al 100% made in Japan, la band di Tatsu Mikami suona attualissima nonostante peschi a piene mani dai Black Sabbath e dalle progenie più fangose della band di Birmingham (Down in primis). Nessuna bestia in cattività potrebbe possedere un groove così malvagio e straripante di energia. Imbracciato così basso che quasi tocca terra, il basso di Mikami è gommoso e appiccicoso fino al punto da tirarsi dietro i riffoni sporchi e bastardi della chitarra di Yasuto Muraki. Le soglie di selvaggia depravazione sono portate ai massimi livelli dalla voce di Hiroyuki Takano, perfettamente a suo agio nel raccontare raccapriccianti storie di serial killer. L’humour nero giapponese è imbattibile!

Sempre sul Desert Stage è poi il momento di immergersi nella nube di suono, fittissima, creata dai Bongripper. Come sempre mi avvicino con sospetto a tutte queste band sludge con suffisso/prefisso –bong, weed-, dope-. Ma poi - immancabilmente! - mi innamoro di loro, accorgendomi che non suonano tutte uguali come la scarsa fantasia del loro nome potrebbe far ipotizzare. La densissima nebbia tossica generata dai Bongripper, ad esempio, è fatta di lunghi brani strumentali più vicini al post metal apocalittico o al drone che allo stoner doom orgogliosamente strafatto. La loro musica non è una droga leggera per rendere assurda e surrealmente divertente una serata: è roba pesante, fatta di riff mastodontici e ipnotici che fanno perdere l’orientamento, mentre schegge rumorose si fanno breccia nel muro di suono. Ormai completamente rapito, mi allontano a malincuore dal loro concerto ad una quindicina di minuti dalla fine, con la promessa di rivederli presto. Ma quello che sta per accadere nel sotterraneo del Trix è un evento speciale al quale non posso mancare.

Sono infatti riuscito ad ottenere il braccialetto per il concerto speciale dei Monkey3, che si esibiscono per pochi intimi (40-50 persone al massimo) in versione acustica. Illuminata da luci soffuse e ricoperta da pannelli in legno, la saletta sotterranea ha la calda atmosfera della sala prove, o del salotto di casa di un amico. La band svizzera scherza con i presenti, e la sintonia che si crea nella sala, prima ancora che venga suonata la prima nota, è perfetta. Per circa 45 minuti la band ci offre una versione inedita della sua musica, per l’occasione arrangiata con chitarre acustiche suonate con lo slide, senza tastiera, e con una batteria che mostra il suo lato morbido e avvolgente. Un progressive rock sofisticato, ma mai lezioso, che trasforma la sua componente psichedelica, spaziale ed epica in un rock intimo, caldo, a tratti perfino introverso. Parte del pubblico seduta a terra, ad occhi chiusi, per assaporare una musica che è un vero e proprio regalo nei confronti di una manciata di amici, isolati dal resto dal mondo mentre fuori infuriano battaglie di chitarre distorte. Con il passare dei minuti la stanza da calda si fa rovente, e l’ossigeno inizia a scarseggiare. Durante il brano di chiusura (una rilettura di Riders on the Storm dei Doors) l’ambiente anaerobico inizia ad avere, su di me, effetti ai limiti dello psicoattivo, ed appena finito il concerto esco a prendere una boccata d’aria, augurandomi che l’anno prossimo questi concerti sotterranei siano resi maggiormente vivibili da un adeguato impianto di aerazione. Riprendo ossigeno, acqua e forze, con la consapevolezza di aver assistito ad un concerto splendido e assolutamente unico, per poterne affrontare un altro per il quale nutro aspettative molto alte.

Dopo una lunga pausa al fresco del giardino (quest’anno più fresco del solito, visto il clima decisamente autunnale di quest’edizione), sono pronto per Ty Segall. Ma per quanto potessi essere pronto, non avrei mai potuto immaginare un concerto esplosivo come questo! Il garage rock venato di psichedelia suonato dal californiano è infatti arrangiato con una potenza di suono che nessuno, nel corso dei tre giorni, riuscirà ad eguagliare. Un muro di fuzz nel quale le melodie agrodolci galleggiano come bolle, prima di scoppiare in arcobaleni di feedback e dissonanze, sotto una cascata di energia elettrica. Sono senza parole. Innamorato del recente disco dal vivo Deforming Lobes (in cui, come stasera, Ty è accompagnato dalla Freedom Band) ero preparato ad uno show elettrico ad alto voltaggio. Ma mai avrei immaginato che il rumore selvaggio e infuocato potesse valorizzare così a fondo le melodie sessantiane delle sue canzoni. I brani tratti da Manipulator (che occupano la seconda parte del concerto, quella più trascinante) sono manipolati e deformati come in preda ad un delirio, nel quale è difficile rimanere lucidi. Mentre infuria il pogo, e la gente vola al di là delle transenne, mi rendo conto di essere, anche io, completamente succube dell’energia travolgente liberata dalla band. Personalmente il concerto più esaltante del festival. Memorabile.

Dopo un concerto intenso come quello di Ty Segall, può esserci solo l’apocalisse. E quella ce la offrono gli Inter Arma, con il loro scontro titanico tra il fango spirituale dei Neurosis e quello materiale dei Morbid Angel, tra la polvere di stelle del rock progressivo e lo zolfo infernale del black metal più efferato. Giganteschi e inclassificabili, sono un buco nero nel quale le mie energie residue vengono risucchiate. Ma è bellissimo sentirsi svuotato da una violenza così catartica, che ti scaraventa nello spazio profondo alla velocità della luce, per poi farti scontrare con asteroidi pesanti come macigni, provenienti da tutte le direzioni. Attimi di pace melodica offrono respiro e ampliano il panorama verso galassie lontane, prima che tutto imploda sotto la furia cieca della band. Un bassista che sbava come un cane rabbioso e un cantante che ringhia, grugnisce, strepita e, perfino, si veste da crooner darkwave, mentre un batterista piovra si inerpica e arrovella nell’impossibile. Meravigliosi e devastanti, mi lasciano spossato, ma felice. Proprio come questa lunga giornata di concerti. 

[R.T.]

***

Desertfest Antwerp 2019 – Day 2

[Inter Arma + Ty Segall & Freedom Band + Monkey3 (special acoustic show) + Bongripper + Church of Misery + Fireball Ministry + Admiral Sir Cloudesley Shovell]

Second day of festival. Concerts start at 3:00 pm. A long marathon on the edge of physical endurance is waiting for me.

To break my breath, I start right away with the Admiral Sir Cloudesley Shovell, who set the Canyon Stage on fire with their hard rock smelling like alcohol, tobacco, gasoline, sweaty Motorhead tank top  and bell-bottoms touching the ground and getting drenched in beer. Raw and rough as always, tonight they are losing some of the adrenaline I love, due to the defection of drummer Serra Petale, replaced at the last minute, for some tour dates, by Sammy Forway. Sammy fits well into the admiral's dirty and distorted music, but inevitably Serra's frenzy and creativity are lacking. Impossible, however, not to have fun at their show: 40 minutes of proto metal which, thanks to a new song, also promises very well for the future.

Still sweaty for the admiral's concert, I enter the Desert Stage as a simple tourist to observe an attraction of the stoner planet: Scott Reeder. Fireball Ministry - his band - play a fairly light hard rock with some 90s melody, well played but not particularly engaging. But mine is almost a visit to the zoo to see an endangered exotic animal with my own eyes. Kyuss (and, before, Obsessed) bassist is a show to be observed carefully, for how he plays his instrument in a physical and visceral way. Seeing him sway hidden under long blond hair, barefoot, while striking his bass with fury and love, takes us back to an era that no longer exists, but that this festival still keeps alive, as in a natural oasis.

Wild, and without any nostalgia, are Church of Misery instead. By now stabilized in a 100% made in Japan line-up, Tatsu Mikami band plays extremely modern despite fishing with full hands from Black Sabbath and the muddiest offspring of the band from Birmingham (Down above all). No captive beast could have such an evil and overflowing energy groove. Embraced so low that it almost touches the ground, Mikami's bass is gummy and sticky to the point of dragging with itself the dirty bastard riffs of Yasuto Muraki's guitar. The thresholds of wild depravity are brought to the highest levels by the voice of Hiroyuki Takano, perfectly at ease in telling gruesome serial killer stories. Japanese black humor is unbeatable!

Still on Desert Stage it is then time to immerse ourselves in the dense cloud of sound created by Bongrippers. As always I suspiciously approach all these bands with the suffix/prefix –bong, weed-, dope-. But then - invariably! - I fall in love with them, realizing that they do not sound all the same as the lack of imagination of their name could suggest. The dense toxic fog generated by Bongrippers, for example, is made up of long instrumental songs much closer to apocalyptic post metal or drone than to the proudly doped up stoner doom. Their music is not a light drug to make an evening absurd and surreally fun: it is heavy stuff, made of huge and hypnotic riffs that make you lose your orientation, while noisy splinters break through the wall of sound. Completely in ecstasy, I walk away reluctantly from their concert about fifteen minutes before its end, with the promise to see them again soon. But what is going to happen in the basement of the Trix is ​​a special event that I cannot miss.

Indeed, I managed to get the wristband for the special Monkey3 concert, which perform an acoustic set for a few close friends (40-50 people maximum). Illuminated by soft lights and covered with wooden panels, the underground room has the warm atmosphere of the rehearsal room, or the living room of a friend's house. The Swiss band jokes around with those present, and the harmony in the hall is perfect even before the first note is played. For about 45 minutes the band offers us an unedited version of its music, especially arranged with acoustic guitars played with the slide, and with a drum that shows its soft and enveloping side. A sophisticated, yet never affected, progressive rock that transforms its psychedelic, spatial and epic component into an intimate, warm, sometimes even introverted, rock. Part of the audience sitting on the ground, with their eyes closed, to savour music that is a real gift to a handful of friends, isolated from the rest of the world while outside battles of distorted guitars rage. As the minutes pass, the hot room becomes scorching, and oxygen begins to run low. During the closing song (a reinterpretation of Doors' Riders on the Storm) the anaerobic environment starts to have almost psychoactive effects, and as soon as the concert is over I go out to get some fresh air, wishing that next year these underground concerts are made more livable thanks to an adequate ventilation system. I take back oxygen, water and strength, with the awareness of having attended an amazing and absolutely unique concert, to be able to face another one for which I have very high expectations.

After a long break in the cool of the garden (this year cooler than usual, given the decidedly autumnal weather of this edition), I'm ready for Ty Segall. But no matter how ready I was, I could never have imagined an explosive concert like this! The garage rock tinged with psychedelia played by the Californian is in fact arranged with a sonic power that no one will be able to match in the course of the three days. A wall of fuzz in which bittersweet melodies float like bubbles, before bursting into rainbows of feedbacks and dissonances, under a cascade of electricity. I'm speechless. In love with the recent live album Deforming Lobes (with the Freedom Band, as tonight) I was prepared for a high voltage electric show. But never would I have imagined that the wild and fiery noise could enhance the 60s melodies of his songs so thoroughly. Manipulator's songs (which occupy the second part of the concert, the most enthralling one) are worked and deformed as in a delusion, in which it is difficult to remain lucid. While mosh is raging, and people is flying beyond the barriers, I realize that I am completely dominated by the overwhelming energy released by the band. Personally the most exciting concert of the festival. Unforgettable.

After an intense concert like Ty Segall one, there can only be an apocalypse. And that is offered by Inter Arma, with their titanic clash between Neurosis spiritual mud and Morbid Angel material mud, between the stardust of progressive rock and the infernal sulfur of the most heinous black metal. Gigantic and unclassifiable, they are a black hole in which my residual energies are sucked. But it's wonderful to feel emptied by such cathartic violence, which throws you into deep space at the speed of light, and then makes you collide with asteroids heavy like boulders, coming from all directions. Moments of melodic peace offer breath and widen the landscape towards distant galaxies, before everything implodes under the blind fury of the band. A bassist who drools like an angry dog ​​and a singer who growls, grunts, screams and even dresses up as a darkwave crooner, while an octopus drummer climbs and struggles in the impossible. Wonderful and devastating, they leave me exhausted, but happy. Just like this long day of concerts.

[R.T.]