Nudist - 18.11.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU)

 

Nudist - 18.11.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU) 

Chi l'avrebbe detto che l'alluminio potesse suonare così rovente? Che un riff tagliente come l'acciaio potesse bruciarti la carne e strappartela via come se fosse un morso? Le molte sfumature nascoste dietro il post hardcore rumoroso dei Nudist si manifestano attraverso strumenti ideati e costruiti dal chitarrista della band, in cui alluminio e legno convivono e generano un suono che è sintesi dei contrasti tra le sue componenti. Per questo ibrido metallo/materia organica, non può esistere luogo di espressione più adeguato del Ganz of Bicchio. Il minuscolo locale ricavato da un vecchio magazzino è in grado di racchiudere il freddo dell'underground e il calore di una sala familiare con caminetto, con una potenza di fuoco (sonoro) spaventosa e un bilanciamento sempre equilibrato. E' qui che stasera trovano forma le dissonanze disturbanti del trio fiorentino, capace di far convivere con disinvoltura la furia più bestiale e il calore appassionato della melodia. Controtempo stordenti ma sempre carichi di groove, precisione chirurgica, imprevedibilità ritmica e armonica che tanto ricordano il noise rugginoso degli Unsane e delle band di Steve Albini. Il tutto appesantito secondo il moderno verbo post metal. Alla fine della serata scopro che l'alluminio brucia più del legno.

[R.T.]

 

Nudist - 11.18.2017 - Ganz of Bicchio (Viareggio, LU) 

Who could imagine that aluminum could sound so scorching? That a riff, sharp like steel, could burn your flesh and tear it away as if it was a bite? The many shades hidden behind Nudist noisy post-hardcore reveal themselves through tools designed and built by the band guitarist, in which aluminum and wood coexist and create a sound that is synthesis of the contrasts between its components. For this metal/organic matter hybrid, there can be no more suitable place of expression than Ganz of Bicchio. The tiny club born from the ashes of an old warehouse is able to contain the cold of the underground and the warmth of a family room with fireplace, with a terrific (sonic) firepower and with a very good balance. Here, tonight, the disturbing dissonances of the trio from Florence take form. And here the most bestial fury coexist with the passionate heat of the melody. Stunning controtempo, yet always rich in groove, surgical precision, rhythmic and harmonic unpredictability reminiscent of the rusty noise of Unsane and Steve Albini's bands. The whole made heavier in post-metal style. At the end of the night I discover that aluminum burns more than wood.

[R.T.]

 

Siena Root – A Dream of Lasting Peace

Siena Root – A Dream of Lasting Peace

(MIG, 2017)

Nonostante il nome, l'hard rock non è per niente rigido. In realtà è plasmabile come l’argilla e, se modellato da mani sapienti, può assumere forme sempre nuove, nonostante gli ingredienti di base siano sempre gli stessi. In tempi recenti il Nord Europa (e in particolare la Svezia) è diventato un vero e proprio laboratorio di manipolazione della materia sonora, che è stata più volte riportata alla sua matrice originaria (il blues) per poi essere ricomposta secondo tecniche consolidate a cavallo tra anni '60 e '70, con risultati sorprendentemente freschi e coinvolgenti. I Siena Root non sono certo gli ultimi arrivati in questa corrente di artisti, e con il loro A Dream of Lasting Peace festeggiano il traguardo del sesto full lenght in studio. Pur provenienti dalla fredda Stoccolma, i cinque musicisti impastano un’argilla blues che possiede il colore caldo della terra di Siena, fatto di canzoni in cui l'organo vince spesso il duello con la chitarra, accennando alla libertà dell’improvvisazione, ma senza mai indebolire l’organicità delle canzoni. Per dare forma alla terra, i cinque utilizzano le loro solide radici, costituite da nodi legnosi in cui si intrecciano il sound dei Deep Purple e quello dei Cream (e di molti altri a loro contemporanei, vedi la copertina ricca di esplicite citazioni). Una settimana lontani dai ritmi frenetici del nuovo millennio, isolati nelle sperdute terre del Nord, per catturare lo spirito di un’epoca lontana nel tempo, impastarne gli ingredienti costitutivi e generare, ancora una volta, splendide canzoni rock. Dimostrazione che anche la roccia è plasmabile.

[R.T.]

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Siena Root – A Dream of Lasting Peace

(MIG, 2017)

In spite of its name, Hard rock is not rigid at all. It is actually mouldable like clay and, if shaped by skilled hands, it can take on ever new shapes, even though the basic ingredients are always the same. In recent times, Northern Europe (in particular Sweden) has become a real lab for manipulation of sound matter, which has been repeatedly bring back to its original matrix (blues), and then rebuilt according to well-established techniques of the 60s and 70s, with surprisingly lively engaging results. Siena Root are certainly not the latest in this path, and with their A Dream of Lasting Peace they celebrate the sixth full length in the studio. Although they come from the cold Stockholm, the five musicians mix a blues clay that has the warm color of the soil from Siena (the English umber), made of songs where the organ often wins the duel with the guitar, hinting at the freedom of improvisation, yet never weakening the organic unity of songs. To give shape to the soil, the five use their solid roots, made up of woody knots where the sound of Deep Purple and Cream (and many others contemporaries, as you can easily realize from the album cover, abounding of explicit quotations) are interwoven. A week away from the chaotic rhythms of the new millennium, isolated in the desolate lands of the North, to capture the spirit of a distant era, mix its constitutive ingredients and create gorgeous rock songs once again. Proof that also rock is mouldable.

[R.T.]

Duel - 10.11.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

Duel - 10.11.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

E' una di quelle occasioni semplicemente perfette ed imperdibili. Una delle tue band preferite, che inizia il nuovo tour europeo proprio dalla tua città e dal suo unico locale veramente rock. 

E' anche il primo concerto in assoluto con il nuovo batterista, in sostituzione di JD Shadowz, purtroppo impossibilitato a lasciare gli States per questo tour. E quindi, pur avendoli già visti dal vivo 4 volte nell'arco di poco più di un anno, questo quinto live ha comunque il sapore della novità ed è intriso di aspettative.

Appena saliti sul palco dell'Albatross, i Duel mettono subito in chiaro le cose. Anche stasera spaccheranno. E non ce ne sarà per nessuno. L'attacco è con una tripletta dal primo, stupendo, Fears of the Dead, prima di lasciare spazio alla titletrack del nuovo Witchbanger. Fermi i punti cardine della band, anche Justin Collins alla batteria si dimostra  una carta vincente, con un gran bel tiro e potenza, capaci di compensare l'assenza del membro ufficiale (cosa non scontata, vista la bravura e presenza scenica di JD).

Con una scaletta che pesca praticamente alla pari fra i due album - e li ripropone quasi per intero - la band di Austin snocciola riffs, groove e assoli in quantità, facendo surriscaldare l'atmosfera dell'Albatross e di un pubblico davvero super partecipe e preparatissimo. I pezzi si inseguono in rapida successione, senza momenti morti e sempre con grandissimo tiro. Il picco heavy psych è il gran finale con la bellissima Tigers and Rainbows che sfocia nell'ancor (per me) più stupenda Locked Outside - una di quelle canzoni che sembra fatta appositamente per chiudere i concerti, lasciandoti con la voglia di sentire ancora un altro pezzo (e un altro e un altro!)

Quinta volta che li sento dal vivo in poco più di un anno e mezzo e 2 album che spaccano all'attivo, per confermare i Duel come una grandissima band live - sia su un grande palco blasonato (come il Canyon Stage del Desertfest Antwerp), sia sul palco di un piccolo club come l'Albatross. Chi ancora non li ha sentiti, rimedi assolutamente in una delle prossime imminenti date!

[E.R.]

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Duel - 11.10.2017 - Cafè Albatross (Pisa)

It's one of those just perfect and unmissable events. One of your favorite bands beginning its new European tour right from your city and from its only truly rock venue.

It is also the first ever concert with the new drummer, replacing JD Shadowz, unfortunately unable to leave the States for this tour. And so, despite having already seen them live four times in just over a year, this fifth live still has the flavour of novelty and is imbued with expectations.

As soon as they get on Albatross stage, Duel immediately made it clear that they are going to kick the ass tonight too. The attack is a hat-trick of their first, amazing, album Fears of the Dead, before giving way to the title track of the new Witchbanger. Firm the keystones of the band, Justin Collins on the drum is a winning card, mighty and with great groove, able to balance out the absence of the official drummer (not an obvious thing, given JD's skill and stage presence).

With a setlist fishing almost equally from the two album - and almost in their entirety - the Austin band rattles of groove, riffs and solos in great quantity, thus overheating the atmosphere of Cafè Albatross and its truly super-participant and highly prepared audience. Tracks run one after the other in rapid succession, without dead moments and always with great groove. The heavy psych peak is the grand finale with the beautiful Tigers and Rainbows flowing into the (for me) even more amazing Locked Outside - one of those songs that seems to be specially made to close concerts, leaving you with the desire to listen to another one (and another and another!).

The fifth time I hear them live in just over a year and a half and two killer albums in their discography, to confirm Duel as a great live band - both on a big renowned stage (like the Canyon Stage at Desertfest Antwerp) and on the stage of a small club like Cafè Albatross. Who has still not listened to them live, remedy absolutely in one of the next imminent dates!

[E.R.]

Paradise Lost – The Plague Within

Paradise Lost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

La fonte dell’eterna giovinezza. I Paradise Lost ne hanno bevuto l'acqua, ritrovando il loro paradiso perduto. Tornati gradualmente già da alcuni anni sul sentiero del death/doom degli esordi, i padri del gothic metal ritornano di colpo ad essere degli adolescenti dalla forza incontenibile con un disco massiccio e muscoloso come The Plague Within. E' però innegabile che le tante esperienze accumulate in più di un quarto di secolo di carriera non sono certo andate perdute. La sensibilità per le melodie romantiche non svanisce dietro ai riff mastodontici, così come la voce pulita di Nick Holmes non è sopraffatta dal suo growl rabbioso - che qui torna protagonista come non accadeva da anni. Mai, però, i Paradise Lost avevano suonato così diretti e impetuosi. La mente matura, in un corpo giovane e forte, genera un disco con lo sguardo rivolto in avanti, mai nostalgicamente ancorato al passato. Dal primo (esaltante!) riff di No Hope In Sight all'epico e tragico crescendo di Return to the Sun, passando per l'oppressivo e funereo incedere di Beneath Broken Earth o per quello devastante di Flesh from Bones, ogni canzone scorre come un fiume - emotivo - in piena, travolgendo qualsiasi cosa incontri lungo il suo percorso. I momenti di riflessione si annidano negli intrecci romantici disegnati dai fraseggi delle due chitarre, ma anche gli istanti più meditativi possiedono una forza e una determinazione che mai ci si aspetterebbe da musicisti da così tanti anni sulla scena. Una rinascita, sotto una veste che è indubbiamente tra le più affascinanti mai indossate dalla band.

[R.T.]

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ParadiseLost – The Plague Within

(Century Media, 2015)

The fountain of eternal youth. Paradise Lost drunk its water, recovering their lost paradise. Gradually back to the path of their death/doom beginnings, gothic metal fathers suddenly come back to their adolescence with unmanageable strength thanks to a massive muscular album like The Plague Within. But it is undeniable that the many experiences collected in more than a quarter of a century of career are certainly not lost. Sensitivity for romantic melodies does not fade behind mastodontic riffs, just as Nick Holmes clean voice is not overwhelmed by his angry growl - which here comes back protagonist as it has not been for years. Though Paradise Lost had never been so direct and impetuous. In a young and strong body, the mature mind creates an album which looks forward and is never nostalgically anchored to the past. From the first (exciting!) riff of No Hope In Sight to the epic and tragic crescendo of Return to the Sun, through the oppressive and funereal pace of Beneath Broken Earth or the devastating one of Flesh from Bones, each song runs like an overflowing - emotional - river, swamping everything it finds along its path. Moments of reflection nest in the romantic interweavings drawn by the phrasings of the two guitars, but even the most meditative moments have got a strength and determination that would never be expected by musicians for so many years on the scene. A rebirth, under a dress that is undoubtedly one of the most fascinating ever worn by the band.

[R.T.]

Paradise Lost - Medusa

Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Pietrificati. Lo sguardo paralizzante di Medusa s'incarna nei riff pesantissimi e opprimenti del quindicesimo album dei Paradise Lost, e ci immobilizza con ritmi rallentati e distorsioni mastodontiche. Uno sguardo magnetico e nichilista che ci pone di fronte alla deprimente realtà di un universo privo di significato. Fedele ai suoi ideali romantici, la band di Halifax lotta per non incrociare lo sguardo della Gorgone (talvolta appoggiandosi ad antiche divinità pagane, altre volte attraverso una strenua tensione verso l'assoluto), ma il tentativo è destinato a fallire (d'altronde, è una band fedele ai suoi ideali doom). Greg Mackintosh e soci mettono in musica questo scontro titanico tra impotenza cosmica e desiderio di liberazione attraverso l'irrazionale con il disco più estremo da loro mai concepito, un ritorno alle origini death/doom metal in cui convivono sfinimento angosciante e potenza travolgente. Da una parte atmosfere sepolcrali, riff schiaccianti, fraseggi malinconici e growl proveniente dall'Aldilà, dall'altra un'impetuosa energia vitale. Dopo la rinascita, avvenuta attraverso The Plague Within (2015), i Paradise Lost chiudono un cerchio, tornando alle atmosfere dei primi anni '90, ma con una forza e un impeto che sono figli del presente.

[R.T.]

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Paradise Lost - Medusa

(Nuclear Blast, 2017)

Petrified. Medusa's paralyzing gaze becomes flesh in the heavy oppressive riffs of Paradise Lost fifteenth album, and immobilises us with slow rhythms and mastodontic distortions. A magnetic and nihilistic look lettings us face the depressing reality of a meaningless universe. True to his romantic ideals, the band from Halifax struggles not to cross the Gorgon's gaze (sometimes relying on ancient pagan gods, sometimes through a dogged tension towards the absolute), but the attempt is destined to fail (after all, it is a band faithful to its doom ideals). Greg Mackintosh & co put into music this titanic clash between cosmic impotence and desire for deliverance through the irrational with the most extreme album they ever conceived, a return to the death/doom metal origins where distressing exhaustion and overwhelming power coexist. On the one hand, burial atmospheres, overwhelming riffs, melancholy phrasings and growl coming from the afterworls, on the other a immense vital energy. After the rebirth, through The Plague Within (2015), Paradise Lost close a circle, returning to the atmosphere of the early 90s, yet with a strenght and passion that are sons of the present.

[R.T.]

Wolves in the Throne Room – Thrice Woven

Wolves in the Throne Room – Thrice Woven

(Artemisia Records, 2017)

Dopo un periodo trascorso in orgoglioso isolamento, che li aveva portati ad abbandonare le esplorazioni atmosferiche del loro black metal in favore di un ambient psichedelico tanto profondamente immerso nelle profondità del Cosmo quanto lontano da quelle dell’Uomo, i fratelli Weaver compongono un’opera che ritrova nello spirito di comunità umana e nei suoi antichi miti la sua forza. Con Thrice Woven le sfuriate black metal del passato vengono risvegliate, ma al tempo stesso arricchite con atmosfere concepibili solo da chi ha intrapreso un percorso sia artistico che spirituale. Quarantacinque minuti in cui le cascate di gelidi riff di chitarra si alternano a vaste aperture di synth e al calore intimo di un chitarra acustica. Una ricchezza musicale che non solo riproduce la ricchezza naturalistica dell’ambiente selvaggio e incontaminato che da sempre affascina la band dello stato di Washington, ma che sembra voler richiamare la ricchezza di una comunità antitetica alla società e ai valori dell’era moderna, e che trae forza da un’antica mitologia. In questo senso sono da intendersi le mistiche litanie di Anna Von Hausswolff e il richiamo della roca voce di Steve Von Till ad un’epoca in cui il disgelo e il conseguente risveglio della Natura rappresentava una vera e propria rinascita per l’intera comunità. Per i Wolves in the Throne Room il rifiuto del materialismo contemporaneo passa attraverso una ricerca spirituale volta a investigare su ciò che si nasconde al di là del visibile. Questa ricerca passa anche attraverso richiami a culture lontane centinaia di anni e migliaia di chilometri - come ad esempio quella norrena - a dimostrazione che non è nell’individualismo che i fratelli Weaver cercano una via di riscatto, bensì nel recupero di uno spirito primordiale naturalmente presente nell’Uomo. Se da sempre i Wolves in the Throne Room si sono occupati di risvegliare l’energia oscura di un mondo misterioso e selvaggio governato dalle leggi della Natura, stavolta sembrano più che mai in grado di raccontare tali forze con la conoscenza di uno sciamano che le ha assorbite in profondità ed è ora pronto a condividerle con altri spiriti affini.

[R.T.]

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Wolves in the Throne Room – Thrice Woven

(Artemisia Records, 2017)

After a period of proud isolation during which they had abandoned the atmospheric explorations of their black metal in favour of a psychedelic ambient so deeply immersed in the depths of the Cosmos as far away from those ones of the Man, Weaver brothers compose a work that finds its strength in the spirit of the human community and in its ancient myths. Thrice Woven awakes black metal outbursts of the past, but at the same time it enriches them with atmospheres which are conceivable only for those who have embarked on a both artistic and spiritual journey. Forty-five minutes during which the falls of gelid guitar riffs alternate with wide openings of synth and with the intimate warmth of an acoustic guitar. A musical wealth that not only reproduces the natural wealth of wild unspoiled environment that has always fascinated the band from Washington State, but that also seems to recall the wealth of a community which is antithetical to the society and values of the modern era, and which draws strength from an ancient mythology. To this end you have to consider the mystical litany of Anna Von Hausswolff and the recall of Steve Von Till at a time when the thaw and the resulting awakening of Nature represented a real revival for the whole community. For Wolves in the Throne Room the rejection of contemporary materialism goes through a spiritual quest to investigate what is hidden beyond the visible. This research also goes through reminders of cultures which are distant hundreds of years and thousands of miles - such as the Norwegian one - to prove that it is not in individualism that Weaver brothers are looking for a way of liberation, yet in the recovery of a primordial spirit, naturally present in the Man. If Wolves in the Throne Room have always awaken the dark energy of a mysterious and savage world ruled by laws of Nature, this time they seem more than ever able to tell such forces with the knowledge of a shaman who has absorbed them deeply and who is now ready to share them with other soul mates.

[R.T.]

Motorpsycho - 04.11.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Motorpsycho - 04.11.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Niente di superfluo, tutto è essenziale. Questo è il pensiero che pian piano si faceva strada nella mia testa durante le 2 ore e 30 minuti di concerto dei Motorpsycho. E non è considerazione da poco. Soprattutto se si tiene conto di tutta la pubblicità ultra-positiva che aveva anticipato questo evento. Tutti - nessuno escluso! - mi prospettavano un concerto clamoroso ed imperdibile, un live senza eguali. Il rischio della delusione era quindi lì ad un passo: facile rimanere non pienamente appagati dopo una così entusiastica preparazione. Invece no. Tutto quello che mi era stato detto ha trovato esatta corrispondenza in una esibizione che ha confermato tutti i giudizi positivi e - da un punto di vista strettamente personale ed emotivo - li ha anche superati.

Più che un concerto, un'esperienza. Abituata a bands che di solito suonano non più di un'ora, un'ora e mezza, è davvero incredibile trovarsi di fronte ad una formazione che sciorina un set che dura quasi il doppio del tempo e che in nessun momento soffre di cali di intensità. Si arriva alla fine della lunga scaletta senza quasi essersi resi conto di essere rimasti impalati per tutta la sua durata con gli occhi fissi sul palco e le orecchie tese verso ogni singola nota. In questo lasso di tempo una moltitudine di sensazioni ci hanno attraversato e - nel mio caso - esaltato. Si passa da composizioni che sembrano quasi delle colonne sonore, a canzoni che sono trascinanti e potenti come solo certi pezzi intrisi di hard rock psichedelico sanno essere. Ci sono dei crescendo che superano la bellezza di certo post-rock alla GY!BE, e delle dilatazioni che vanno a bussare alla porta del Re Cremisi. Tutto questo grazie all'incredibile bravura - tecnica, ma anche espressiva - di tre musicisti norvegesi (coadiuvati da un bravissimo turnista che si divide fra tastiere, tromba, chitarra e cori) come se ne trovano pochi in giro.

La scaletta si sofferma ampiamente - e giustamente - sul fresco di uscita The Tower. Ma con una ventina di album all'attivo, la band di Trondheim non ha che l'imbarazzo della scelta, e spazia su e giù per quasi trent'anni di storia, pescando pezzi anche dai dischi degli anni '90. E - come nel concerto cui ho assistito esattamente la settimana prima (Paradise Lost, anche loro band ormai trentenne!) - la cosa sorprendente è la perfezione degli incastri fra passato e presente, fra l'infanzia della band e la sua piena maturità, passando per tutte le sue fasi evolutive. Tutto questo con una varietà di sonorità, generi e soluzioni davvero impressionante e che conta pochi concorrenti.

Questo è stato il mio primo (!!!) concerto dei Motorpsycho. Adesso non vedo l'ora di sentirli nuovamente dal vivo!

[E.R.]

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Motorpsycho - 11.04.2017 - The Cage Theatre (Livorno)

Nothing superfluous, everything is essential. This is the thought that slowly got way in my head during the 2 hour and 30 minutes Motorpsycho concert. And this is not of little significance. Especially if you think of all the ultra-positive advertising that had anticipated this event. Everyone - none excluded! - talked about an impressive unforgettable concert, a matchless live. The risk of disappointment was therefore one step away: easy to remain unfulfilled after such an enthusiastic preparation. Absolutely not, instead. All I was told found exact correspondence in a performance that confirmed all the positive judgments and - from a strictly personal and emotional point of view - also overcame them.

More than a concert, an experience. Accustomed to bands usually playing no more than an hour, an hour and a half, it's really amazing to be faced with a trio that shows off a set that lasts nearly twice the time and that never suffers from falls of intensity. You reach the end of the long setlist without ever having realized that you remained wonderstruck for its whole duration with eyes fixed on the stage and ears stretched towards each single note. In this timespan a multitude of sensations have crossed and - in my case - exalted the audience. They range from musical compositions that seem almost like soundtracks, to songs that are as powerful and enthralling as only some pieces of psychedelic hard rock are. There are crescendo that surpass the beauty of that post-rock à la GY! BE, and dilatations knocking on the door of the Crimson King. All this thanks to the incredible - technical, but also expressive - skill of three Norwegian musicians (assisted by a great session man on keyboards, trumpet, guitar and choirs) as you will rarely find around.

The setlist largely - and rightly - focuses on the brand new The Tower. But with about twenty albums, the band from Trondheim is spoilt for choice, and it spans up and down almost thirty years of history, picking also from 90s records. And - as in the concert of exactly the week before (Paradise Lost, even them a thirty-year-old band!) - the amazing thing is the perfect mix of past and present, of the childhood of the band and its full maturity, through all its evolutionary phases. All this with a variety of sound, genres and solutions that is really impressive and counts few competitors.

This was my first (!!!) Motorpsycho concert. Now I cannot wait to hear them live again!

[E.R.]