The Obsessed - Sacred

The Obsessed – Sacred

(Relapse Records, 2017)

Al di là dell’Oceano, lontano dalle brughiere nebbiose e dai cimiteri celtici britannici, oltre che dai selvaggi paesaggi del Nord Europa, il doom metal ha piantato radici nei bassifondi delle metropoli americane grazie a personaggi come Scott “Wino” Weinrich. Vera e propria icona dell’heavy metal più sulfureo fin dalla seconda metà degli 70, Wino è americano fino al midollo, al punto da aver trasmesso ad ogni suo progetto una precisa personalità a stelle e strisce. Nel 2017, con l’aiuto di alcuni suoi compagni degli Spirit Caravan, Wino resuscita (nuovamente, dopo i concerti reunion di qualche anno fa) uno dei suoi gruppi culto, gli Obsessed, e incide un disco che non sarebbe potuto nascere in nessun altro luogo se non nel Nuovo Mondo. Sacred è hard rock tracotante - tanto pieno di sé, quanto pieno di distorsioni grasse, ottimi riff e ritornelli orecchiabili. Wino è la faccia oscura e tenebrosa del classico rocker americano d’annata (alla Lemmy). Una voce sporca e vissuta, nella quale convivono l’anima del motociclista tamarro e la profondità espressiva del crooner. E anche la sua chitarra contrappone esibizionismo adrenalinico e velata oscurità. In Sacred Wino non ha alcuna intenzione di rinnovare il proprio stile, né di ringiovanire un genere perfettamente canonizzato come il doom classico. Vuole invece omaggiarlo (basti pensare al fatto che Sodden Jackal, splendido brano d’apertura, è il rifacimento della prima canzone dell’EP d’esordio), ancorandolo ancor di più alle sue radici settantiane (la cover di It’s Only Money dei Thin Lizzy rende esplicito ciò che è comunque evidente in tutto l’album). Sacred è un omaggio sincero all’odore di alcol e smog nebbioso che satura le periferie statunitensi - da sempre fonte d'ispirazione per Wino ancor più dei paesaggi solitari e dei cimiteri.

[R.T.]

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The Obsessed – Sacred

(Relapse Records, 2017)

Beyond the Ocean, far from foggy moors and British Celtic cemeteries, as well as far from the wild landscapes of Northern Europe, doom metal has planted its roots in the slums of American metropolis thanks to characters like Scott "Wino" Weinrich. Icon of the most sulphurous heavy metal since the second half of the 70s, Wino is American to the marrow, to the point of instilling a specific star and strip personality to all of his projects. In 2017, with the help of some of his Spirit Caravan buddies, Wino resurrects (again, after some reunion shows a few years ago) one of his cult bands, the Obsessed, and records an album that could not be born in any other place other than in the New World. Sacred is "arrogant" hard rock - so full of itself, as full of fat distortions, excellent riffs and catchy refrains. Wino is the obscure and disturbing face of the classic American vintage rocker (as Lemmy was). A dirty veteran voice in which the soul of the motorcyclist and the expressive depth of the crooner coexist. And also his guitar contrasts adrenaline-filled exhibitionism and veiled obscurity. In Sacred Wino has no intention of renewing his own style or rejuvenating a genuinely canonized genre such as the classic doom. Indeed he wants to honour it (just think that Sodden Jackal, amazing opening song, is the remake of the first song of the debut EP), anchoring it even more to its 70s roots (the cover of It's Only Money by Thin Lizzy makes explicit what is clear throughout the album). Sacred is a sincere homage to the smell of alcohol and foggy smog saturating US suburbs - constant source of inspiration for Wino even more than the lonely landscapes and cemeteries.

[R.T.]

Depeche Mode - Violator

Depeche Mode - Violator

(1990, Mute)

Simbolo della musica degli anni '80, il synth pop raggiunge uno dei suoi massimi apici all'alba della nuova decade con il settimo album dei Depeche Mode. Giusto un attimo prima che il suono delle chitarre distorte spazzi via l'intero genere. Intimo e misterioso, Violator mette al bando gli eccessi romantici e si tuffa nella musica introspettiva della nuova era. Grazie all'abile rifinitura del suono realizzata da Flood, Violator proietta i Depeche Mode nel futuro, al tempo stesso connettendoli con i loro antenati (ad esempio "Heroes" di David Bowie). Un flusso oscuro che scivola in perfetto equilibrio fra melodie immediate, arrangiamenti complessi, ritmiche che creano dipendenza e atmosfere affascinanti. Se dovessimo trovare che cosa ha ucciso i suoni sintetici degli anni '80, probabilmente scopriremmo che non è stato solo il rock alternativo, ma anche l'abissale profondità di Violator.

[R.T.]

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Depeche Mode - Violator

(1990, Mute)

Symbol of 80s music, synth pop reaches one of its highest peaks at the dawn of the new decade with the seventh Depeche Mode album. Just a moment before the sound of distorted guitars sweeps away the entire genre. Intimate and mysterious, Violator bans romantic excesses and dives into introspective music of the new era. Thanks to skillful sound finish realized by Flood, Violator projects Depeche Mode into the future, while connecting them to their ancestors ("Heroes" by David Bowie, for example). A dark flow sliding in perfect equilibrium among immediate melodies, complex arrangements, addictive rhythmic and charming atmospheres. If we had to find the killer of synthetic 80s sounds, maybe we would discover that it was not only alternative rock, but also the abyssal depth of Violator.

[R.T.]

Pontiak - Dialectic of Ignorance

Pontiak - Dialectic of Ignorance

(Thrill Jockey, 2017)

Tre fratelli che vivono e lavorano in una fattoria, nel cuore della Virginia, sulle Blue Ridge Mountains.  Lontani dal caos delle grandi città, concentrati sulla produzione di birre artigianali e su lunghe jam session psichedeliche nello studio casalingo. Praticamente una puntata de La casa nella prateria, con i dischi di Neil Young al posto delle preghiere davanti ad una tavola imbandita. La saga familiare dei fratelli Carney raggiunge, con Dialectic of Ignorance, l'ottava puntata in full length. Come la famiglia Ingalls della serie televisiva (e, prima ancora, del romanzo), anche quella Carney deve affrontare il lato oscuro della vita rurale per mantenere l'idilliaca e bucolica situazione familiare. In questo episodio i tre barbuti americani intraprendono infatti un viaggio attraverso paesaggi nebbiosi e sperduti, abitati soltanto dai fantasmi dei pellerossa. La musica scorre placida, ad un ritmo rallentato che i nostri sensi di cittadini non sono abituati a percepire (se non sotto l'effetto di qualche sostanza). Riff ossessivi e carichi di fuzz si ripetono circolari mentre il ritmo scorre morbido e avvolgente, dilatando le melodie. Nella foschia lisergica si aprono squarci melodici di grande pace e luminosità (gli intrecci di voci sussurrate) ai limiti dello shoegaze. Ma la sensazione di stordimento e vaga inquietudine per ciò che non riusciamo a vedere, al di là dell'orizzonte, dimostra quanto questo sia un disco tutt'altro che di genere. Dallo slow stoner di Herb Is My Next Door Neighbor all'oscurità post punk di We've Fucked This Up, attraversiamo continuamente nuovi paesaggi, nelle sterminate terre selvagge americane, utilizzando sempre sentieri poco battuti. Auguriamoci che questa saga, come quella degli Ingalls, continui per altri 200 episodi.

[R.T.]

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Pontiak - Dialectic of Ignorance

(Thrill Jockey, 2017)

Three brothers living and working in a farm in the heart of Virginia on the Blue Ridge Mountains. Far from the chaos of the big cities, focused on the production of handcrafted beers and on long psychedelic jam sessions in the homemade studio. Almost one episode of Little House on the Prairie, with Neil Young albums instead of prayers in front of a table laden with food. With Dialectic of Ignorance, Carney brothers family saga reaches the eighth full-length episode. Like Ingalls family of the tv series (and of the novel, before), also Carney family must face the dark side of rural life to keep their idyllic and bucolic way of life. In this episode, the three bearded Americans take a journey through misty and isolated landscapes, inhabited only by the ghosts of the Native Americans. The music runs smoothly at a slow pace that our senses of citizens are not used to perceive (unless under the influence of certain substances). Obsessive riffs, rich in fuzz, repeat themselves circularly while the rhythm flows soft and enveloping, expanding melodies. In the psychedelic mist, melodic breaks of great peace and brightness (the interweavings of whispered voices) of shoegaze taste. But the feeling of stunning and weird anxiety about what we can not see, beyond the horizon, shows how much this is an album far from the stereotypes of musical genres. From the slow stoner of Herb Is My Next Door Neighbor to the post punk darkness of We've Fucked This Up, we're continually crossing new landscapes in the endless American wilderness, always using scarcely traced paths. Let's hope this saga, like that of the Ingalls, will continue for another 200 episodes.

[R.T.]

Pallbearer - Heartless

Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

Il rito dell'attesa. Come quando un temporale si sta avvicinando. Nuvole nere che si gonfiano e in un attimo percorrono lo spazio che separa l'orizzonte dalle nostre teste. Odore di umidità nell'aria, vento che soffia improvviso. Elettricità. Questo è Heartless. Non un'impetuosa tempesta come il precedente Foundations of Burden, bensì una malinconica e vagamente inquietante quiete, con il fantasma della bufera sempre più vicino. I riff mastodontici dell’album precedente, che lo avevano reso uno dei migliori dischi metal degli ultimi anni, sono qui frammentati, dilatati e rielaborati lungo sentieri melodici più prossimi al metal progressivo che al doom del passato. I fraseggi e gli intrecci delle due chitarre (da sempre marchio di fabbrica della band dell’Arkansas) sono stavolta la vera e propria architettura portante sulla quale sono costruite le sette - imponenti - canzoni, e sulla quale si arrampica, da protagonista, la voce di Brett Campbell, verso tonalità sempre più alte e melodie sempre più epiche e grandiose. L’attesa spasmodica che ha anticipato la terza pubblicazione della band troverà sfogo, per i vecchi fans, in un disco basato proprio sul senso di attesa, e che preferisce scorrere tra atmosfere avvolgenti (l’intro onirico di Dancing in Madness) anziché deflagrare in mazzate di grande impatto e potenza? Per un ambiente underground che in tempi recenti si è raramente esaltato tanto quanto all’ascolto dei primi due dischi della band, non sarà facile sentirsi ricompensato da questa trasformazione, che ha portato al completo abbandono del retrogusto post metal in favore di una sensibilità melodica affine a quella dei Queensrÿche di fine anni '80. Attesa e assenza di frenesia: questo è ciò di cui necessita un disco monumentale come Heartless per essere assorbito. La maturità delle melodie di I Saw the End, Thorns ed Heartless sono la migliore dimostrazione della titanica personalità dei Pallbearer, una band estranea ai generi predeterminati, che si conferma come una delle più capaci nel coniugare classico e moderno.

[R.T.]

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Pallbearer - Heartless

(Profound Lore Records, Nuclear Blast, 2017)

The ritual of waiting. Like when a thunderstorm is approaching. Black clouds swelling, travelling in a moment the space between the horizon and our heads. Smell of moisture in the air, wind suddenly blowing. Electricity. This is Heartless. Not a violent storm like the previous Foundations of Burden, yet a gloomy and vaguely disturbing quiet, with the ghost of the squall costantly nearer. The mastodontic riffs of the previous album, which had made it one of the best metal records in recent years, are fragmented here, dilated and reworked along melodic tracks closer to progressive metal than to the doom of the past. The phrasings and interweavings of the two guitars (always a trademark of the band from Arkansas) are the real load-bearing architecture on which the seven - imposing - songs are built and on which Brett Campbell voice climbs towards ever higher tones and increasingly epic and impressive melodies. The fevering waiting that has anticipated the third release of the band will find vent for old fans in this album based on the sense of wait and preferring to flow among enveloping atmospheres (the dreamlike introduction of Dancing in Madness) rather than deflagrate in blows of great impact and power? For an underground environment that recently has rarely been exalted as much as listening to the first two records of the band, it will not be easy to feel rewarded by this transformation, which has led to the complete abandonment of post metal aftertaste in favour of a melodic sensitivity alike that one of Queensrÿche in the late 80s. Wait and absence of frenzy: this is what a monumental album like Heartless needs to be absorbed. The maturity of the melodies of I Saw the End, Thorns and Heartless are the best demonstration of the titanic personality of Pallbearer, a band out of the predetermined genres, which is confirmed as one of the most capable in combining classic and modern.

[R.T.]

Celeste - 23.09.2017 - Alchemica (Bologna)

 

Celeste - 23.09.2017 - Alchemica (Bologna)

Buio in sala. Buio sul palco. Tanto fumo a formare una fitta nebbia. Uno, due, tre, quattro frontali dalla luce rossa si accendono in sequenza. E poi è l'apocalisse. C'è molto poco di celestiale nei francesi Celeste. Più che sospesi nell'Empireo, siamo sprofondati sottoterra. Sembra di essere dentro ad un tunnel nel profondo di una miniera. Poca aria, ed un forte senso di oppressione. Quasi di smarrimento. Unica bussola a nostra disposizione i fiochi fasci di luce rossa dei quattro Caronte che ci guidano in quella che ha tutta l'aria di essere un'angusta cavità infernale. Le bordate del quartetto sono implacabili e micidiali. La batteria è al tempo stesso fondamenta e colonne delle composizioni del combo francese. Le due chitarre ed il basso costruiscono mura e ponti di riffs in cui vaghiamo sperduti, schiacciati, ma al tempo stesso ammaliati. Solo 50 minuti, che volano via in un attimo. Finita la musica, accese nuovamente le luci, è come tornare a respirare dopo una lunga apnea. Ci si senti più liberi, leggeri. Uscendo dall'Alchemica, l'oscurità della notte all'improvviso si mostra più celeste.

[E.R.]

   

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Celeste - 09.23.2017 - Alchemica (Bologna)

Dark in the hall. Dark on stage. So much smoke to form a dense fog. One, two, three, four headlamps with red light turn on in sequence. And then it's the apocalypse. There is very little celestial in the French Celeste. More than suspended in the empyrean sky, we are sunk into the underground. It seems to be inside a tunnel in the depths of a mine. Little air, and a strong sense of oppression. Almost of dismay. The one and only compass available are the the dim beams of red light of the four Charon driving us into what seems a narrow infernal cavity. The attacks of the quartet are implacable and deadly. Drums is at the same time the foundations and the columns of the compositions of the French combo. The two guitars and the bass build walls and bridges of riffs in which we wander lost, crushed, but at the same time bewitched. Only 50 minutes, flying away in a moment. The music over, the lights turned on again, it is like breathing again after a long apnoea. It's like feeling more free, lighter. Exiting from Alchemica, the darkness of the night suddenly appears more celestial.

[E.R.]

   

King Gizzard and the Wizard Lizard – Flying Microtonal Banana

King Gizzard and the Wizard Lizard – Flying Microtonal Banana

(Heavenly Recordings, Flightless Records, ATO Records, 2017)

C’è una soluzione semplice per disintegrare il luogo comune “ormai la musica rock è sempre la stessa, nessuno inventa più niente, d’altronde le note sono sette”. I King Gizzard and the Wizard Lizard l’hanno trovata. Non potevano che essere degli  inventori di suoni realmente alternativi come loro a portare a compimento questo esperimento. Basta sbriciolare ogni nota in minuscoli pezzi, ogni ottava in frammenti ben più piccoli dei 12 semitoni che fungono da base alla musica occidentale. Magari in frammenti diversi l’uno dall’altro. Per farlo i sette folli australiani si sono fatti costruire appositi strumenti con intervalli microtonali, e li hanno poi usati per comporre canzoni ossessive che suonano costantemente "sbagliate", al nostro orecchio di ascoltatori rock, per il loro continuo e inusuale utilizzo delle dissonanze. Canzoni dadaiste che possiedono il gioioso desiderio di giocare con le convenzioni, tipico del prog di Canterbury o del kraut rock. Certo, il brevetto di questa invenzione non può essere conferito a questi strambi musicisti - basti pensare a gran parte delle musiche orientali (l’eco delle quali risuona più volte in questo disco, non solo per l’utilizzo della zurna turca) - ma lo sviluppo “tipicamente” rock (psichedelico) di tali progressioni armoniche è indubbiamente originale. Non siamo però di fronte ad un mero esercizio di stile. Le filastrocche ubriache, che si aggrovigliano armonicamente in dissonanze a cascata, entrano in testa e appassionano fin dall’inizio, dimostrando quanto la messa a fuoco sia prima di tutto sulle canzoni. Come per ogni buon disco rock che si rispetti, insomma. E ora ci attendono altri quattro esperimenti progettati dalla band per il 2017. Stiamo pronti, potrebbe accadere di tutto.

[R.T.]

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King Gizzard and the Wizard Lizard – Flying Microtonal Banana

(Heavenly Recordings, Flightless Records, ATO Records, 2017)

There is a simple solution to disintegrate the cliché "now rock music is always the same, no one invents anything, after all notes are just seven".  King Gizzard and the Wizard Lizard found it. Only the inventors of  really alternative sounds like them could accomplish this experiment. Just crumble every note into tiny pieces, each octave into fragments much smaller of the 12 semitones that serve as the basis of western music. Possibly in fragments which are different from each other. To do this, the seven Australian fools have made special microtonal instruments, and then they used them to compose obsessive songs that sounds constantly "wrong" to our rock-listeners-ears, for their continuous and unusual use of dissonances. Dadaist songs that possess the joyful desire to play with conventions, typical of Canterbury prog or kraut rock. Certainly, the patent of this invention cannot be given to these queer musicians - just think of most part of oriental music (the echo of which resounds more than once in this record, not only for the use of the Turkish zurna) - but the "typically" (psychedelic) rock development of such harmonic progression is undoubtedly original. But we are not in front of a mere style exercise. Harmoniously tangled in cascading dissonances, the drunken rhymes enter the head and passionate from the very beginning, showing how much the focus is first and foremost on songs. As with any good rock record, in short. And now there are four more experiments planned by the band for 2017. We are ready, everything could happen.

[R.T.]

Elder – Reflections of a Floating World

Elder – Reflections of a Floating World

(Stickman Records, 2017)

In un’epoca in cui la musica viene divorata compulsivamente e distrattamente, con l’idea che questa debba modellarsi alla nostra sensibilità (e non, invece, che sia la nostra sensibilità a maturare a contatto con la musica), Reflections of a Floating World è un album a suo modo rivoluzionario. E' infatti un disco che necessita di un’immersione profonda, con le porte della percezione ben spalancate, per poter assorbire il complesso oceano sonoro che lo caratterizza. Sei lunghi e contorti brani, vere e proprie barriere coralline di rock progressivo, all’interno dei quali è meraviglioso lasciarsi trasportare dalle correnti dei riff stoner. Ma ancor più straordinario è annegarvi dentro, nei momenti in cui si aprono di fronte a noi vasti panorami pinkfloydiani. In questi anni '10 in cui gli artwork sono minuscoli files jpeg che fungono da sfondo nel nostro smartphone mentre ascoltiamo gli mp3, prendere in mano il vinile di Reflections of a Floating World, scartarlo, annusarlo, estrarre le buste e, prima ancora di aver messo il disco sul piatto, entrare in quel mondo galleggiante disegnato in copertina, può sembrare un gesto nostalgico e "moralista" riguardo il tempo presente. Eppure la freschezza delle sue canzoni dimostra quanto questo richiamo ad un modo di vivere la musica tipico degli anni '70 non abbia niente di revivalistico. La personalità degli Elder è molto più solida di quanto possa percepire un ascoltatore superficiale che si limiti a riconoscere la frenesia chitarristica degli High Tide o le aperture melodiche di Nektar e Camel. Gli Elder non si oppongono al presente. Nell’istintività della loro fragorosa cascata di note c’è tutta la fantasia e la strabordante energia di un tempo attuale e presente. Tutto l’impeto del “qui e ora”, che si abbatte come un’onda sugli scogli del passato, ne assorbe l’essenza e poi si vaporizza in schizzi imprevedibili e irripetibili. Essere sulla riva di questo mondo galleggiante, ed essere travolti da quest'ondata, farà maturare la nostra sensibilità, e noi stessi.

[R.T.]

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Elder – Reflections of a Floating World

(Stickman Records, 2017)

In an era when music is devoured compulsively and distractedly, with the idea that music should be shaped by our sensitivity (and not, on the contrary, that our sensitivity should mature through music), Reflections of a Floating World is a revolutionary album in its own way. It is an album that needs a deep immersion, with wide open doors of perception, to absorb the complex sonic ocean that characterizes it. Six long contorted tracks, real coral reefs of progressive rock, within which it is wonderful to be carried away by the currents of the stoner riffs. But even more remarkable is to drown into them when vast pinkfoydian views open themselves in front of us. In these 10s where artwork is reduced to tiny jpeg files in our smartphone while listening to mp3s, it may sound like a nostalgic and "moralistic" act towards the present time to take the vinyl of Reflections of a Floating World in your hands, discard it, sniff it and, even before putting it onto the turntable, enter the floating world pictured on its cover. Yet the freshness of its songs shows how much this appeal to a typically 70s way of living the music has nothing to do with revivalism. Elder personality is much more solid than a superficial listener - who merely acknowledges High Tide guitar frenzy or Nektar and Camel melodic openings - may perceive. Elder do not oppose the present. In the impetuosity of their roaring waterfall of notes there is all the creativity and the overflowing energy of a current and present time. Breaking like a wave on the rocks of the past, all the impetus of "here and now" absorbs its essence and then vaporizes in unpredictable and unrepeatable sketches. Being on the shore of this floating world, and being overwhelmed by this wave, will make our sensitivity mature, and ourselves too.

[R.T.]